Je viens de relire ma précédente chronique à propos de ce 40 Days, premier album des Wailin’ Jennys, ces trois jeunes femmes de Winnipeg (Manitoba), et je pourrais me contenter de la recopier à propos d'”Arlington”, l’une des chansons composées et chantées par Nicky Mehta, la mezzo-soprano du groupe. Et vous pourriez d’ailleurs vous demander pour quelle raison je n’ai pas, comme d’habitude, publié “Arlington” à la suite de “One Voice”.

L’explication est simple : la version d'”Arlington” que je vous propose n’est pas celle de 40 Days, mais celle d’un album enregistré en public, The Wailin’ Jennys Live At The Mauch Chunk Opera House, leur troisième album. Cara Luft est partie après le 1er album, remplacée par Heather Masse ; la basse, les percussions, la batterie, le violon, la trompette, ont laissé la place à la guitare de Nicky, à l’accordéon de Ruth, à la contrebasse d’Heather, flanquées d’un multi-instrumentiste, Jeremy Penner, qui les accompagne ici au violon.

Il me paraît un peu difficile de nommer Nicky Mehta “chanteuse principale”, tant les trois femmes sont sur un pied d’égalité, et entremêlent leurs voix jusqu’à n’en plus former qu’une. Je vous rappelle que cette perfection est le résultat de l’enregistrement de l’unique concert du 30 août 2008, et que rien n’a été enlevé ou rajouté à ce que vous entendez sur le disque. La qualité de la chanson et de son interprétation a quelque chose de surnaturel, propre à déclencher chez l’auditeur une sorte de “terreur sacrée”, la sensation la plus rare et ultime que la musique puisse faire naître chez un être humain. Finir ce blog sur “Arlington”, c’est comme planter un drapeau sur le sommet de l’Everest ; plus haut, ça n’existe pas…

Matthew Sweet est un guitariste, chanteur et compositeur pas très connu, par ici, et même aux USA, où un de ses albums a eu un succès mineur. En revanche, Susanna Hoffs est la célébrissime chanteuse des Bangles. Ces deux-là ont décidé de s’associer pour enregistrer des albums de reprises de chansons qu’ils aiment, sous le titre Under The Covers.

Trois volumes sont sortis, respectivement en 2006, 2009 et 2013, et même si je ne connais pas encore l’ensemble de ces disques ─ ça va venir ─ sachez qu’ils sont globalement très réussis. Pour vous donner une idée, vol. 1 rassemble des chansons des Beatles, de Bob Dylan, des Who, de Neil Young, des Bee Gees, etc. Vol. 2 nous propose Fleetwood Mac, Yes, Big Star, John Lennon, Queen, etc. Quant au vol. 3, vous y trouverez des chansons de REM, Elvis Costello, Tom Petty, XTC, etc…

C’est dans le vol. 2 que j’ai trouvé cette reprise idéale du très fameux “You’re So Vain” de Carly Simon, paru sur son album No Secrets de 1972. Klaus Voormann à la basse, Mick Jagger dans les chœurs, il s’agit d’une chanson emblématique des 70’s que Carly a écrite en pensant à trois hommes qu’elle avait bien connus, et à qui elle envoie ces paroles cinglantes : « You’re so vain, you probably think this song is about you… ». De toutes façons, si vous ne connaissez pas la version de Carly Simon, c’est elle qu’il faut écouter en priorité ! C’est presque un sport national, aux USA, que de deviner l’identité de ces trois hommes, Carly ayant avoué que l’un des trois était Warren Beatty, et ayant semé quelques indices pour les deux autres. Mais en tout cas, elle a permis aux Démocrates d’utiliser “You’re So Vain” pour se moquer du candidat républicain Donald Trump, que ça n’a pas empêché d’être élu.

La version de Sweet et Hoffs me semble donc très réussie ; cependant, elle se met avec servilité dans les pas de la version originale. Certes, le son, les arrangements, la production, trahissent bien les 37 années qui les séparent, mais on sent bien que le duo n’a pas cherché à se démarquer, à innover à tout prix, et c’est probablement ce qu’il y avait à faire, tant la chanson de Carly Simon est devenue iconique, intouchable*. Voici donc l’une des façons de pratiquer l’art subtil de la reprise : respect de la version originale tout en apportant une touche personnelle ; Matthew et Susanna font ça parfaitement sur l’ensemble d’Under The Covers.

*Marilyn Manson chante “You’re So Vain” en faisant du Marilyn Manson. Horrible !

Et de trois ! En effet, c’est la troisième fois, dans ce blog, que je consacre une chronique à la même chanson, par le même auteur-compositeur-interprète. Il y a eu la version de 2003, en studio, puis une version en public datant de 2006. Celle-là, la plus récente, date de 2009, et on la trouve sur l’album Lost Verses-Live.

Je vous demanderais donc de bien vouloir relire ce que j’écrivais dans ces deux chroniques antérieures, la version studio de Ghosts Of The Great Highway, puis la version en public que l’on trouve sur Little Drummer Boy.

J’esquivais la question de la “meilleure version” en avançant l’idée que ces différentes versions qui offrent à entendre des sentiments, des ambiances, des états d’âme assez différents, pouvaient tout à fait être appréciées, pour peu qu’on ait le souci de les harmoniser avec notre propre réceptivité du moment.

Cette version de 2009 est presque aussi satisfaisante que la version de 2006, et les différences entre les deux versions sont peu marquées. Cependant le tempo est un peu plus rapide, la chanson est nettement plus courte, et il me semble que Mark la chante d’une façon un peu plus détachée, comme si au fur et à mesure de l’accumulation des tournées, des concerts, quelque chose d’essentiel se perdait.

On peut rendre hommage à Mark pour ne pas tricher avec une authenticité qui s’émousse un peu. C’est toujours un magnifique auteur-compositeur, mais la fatigue de l’interprète commence à pointer son museau. Il nous reste, heureusement, les enregistrements…

Juste le piano de Daniel Rossen, et un tom basse à peine effleuré par Christopher Bear, le batteur de Grizzly Bear, pour cette superbe chanson qui clôt Veckatimest, le troisième album du quartet de Brooklyn.

Veckatimest, du nom d’une petite île du Massachusetts, fut acclamé par la critique, et ce n’est que justice, tant il constitue une éclatante réussite. Produit, comme d’habitude par le bassiste Chris Taylor ─ que vous pourrez voir jouer de la clarinette basse dans l’un des clips qui accompagne cette chronique ─, et chantée par Ed Droste, “Foreground” bénéficie également des arrangements de Nico Muhly pour l’Acme String Quartet, ainsi que pour le Brooklyn Youth Choir qui accompagnent Grizzly Bear dans cette chanson.

En plus de cet enregistrement studio qui occupe l’une des vidéos de cette chronique, j’ai tenu à rajouter une version en public, dans une chapelle, que je trouve très réussie, et qui devrait vous donner l’envie de connaître un peu mieux la discographie de Grizzly Bear.

Je vous ai chanté les louanges d’April*(2008), 3ème album de Sun Kil Moon, probablement le chef-d’œuvre de Mark Kozelek. Fidèle à mon obsession de ces années-là**, j’ai gardé une des chansons d’April, “Heron Blue” pour plus tard, me promettant d’y consacrer une chronique lorsqu’une version en public me semblera suffisamment forte.

C’est sur Lost Verses-Live que je l’ai dénichée ; quelque chose qui soit à la hauteur du sublime texte de la chanson ; d’après ce que j’ai pu en saisir, Kozelek arrive dans la chambre “peinte en bleu héron” de cette femme qu’il a aimée et qui se meurt des effets de la drogue***.

Mark joue ce thème répétitif sur sa Silvertone à cordes nylon ; il y a de la résignation, mais également de la colère, dans sa voix ; et surtout une insondable tristesse.

Si vous voulez totalement vous immerger dans “Heron Blue”, outre les versions d’April et de Lost Verses-Live, vous pourriez écouter celles qui figurent dans les disques suivants : Nights LP (2008), Live At Union Chapel & Södra Teatern (2010), On Tour : A Documentary (2011), Live At Lincoln Hall In Chicago (2011), Live At Phoenix Public House Melbourne (2012), liste sans doute non exhaustive.

*voir “Harper Road”, “Lucky Man”.

**Qui m’a passé, depuis, pour des raisons dont vous pourrez trouver des échos dans les chroniques consacrées à Mark.

***Une autre chanson d’April, “Harper Road” (voir ma chronique qui porte ce titre) aborde le même thème d’un point de vue un peu différent.

Il y a quelques semaines, vous avez pu lire, dans une chronique à propos de Blind Faith, ce qu’était un super-groupe. Et peut-être comprendre les raisons qui font que ce genre de réunions au sommet sont parfois décevantes, et, le plus souvent, éphémères.

En tout cas, sur le papier, la “dream team” new-yorkaise réunie sous le nom de Tinted Windows, et auteur d’un unique album éponyme, mérite bien le qualificatif de super-groupe. Jugez plutôt : nous trouvons au chant Taylor Hanson (du groupe Hanson) un garçon qui n’a pas trop l’habitude d’avoir des guitares saturées derrière lui, mais qui fait le job avec beaucoup de compétence, tout au long de l’album ; à la batterie, la légende vivante Bun E. Carlos, 59 ans, batteur historique de Cheap Trick.

Quant aux deux autres, il se trouve qu’ils co-dirigent le studio Stratosphere Sound où l’enregistrement eut lieu, et dont ils furent les co-producteurs ; tout d’abord  le guitariste et chanteur James Iha, en vacance des Smashing Pumpkins, compositeur de la chanson dont je vous parlerai aujourd’hui, et dont je connais bien la double face, redoutable guitariste de hard-rock bien saignant avec les Citrouilles, mais capable, à ses heures, d’une douceur et d’une légèreté qui en font le partenaire idéal du bassiste et chanteur Adam Schlesinger ─ ce qu’ils étaient, d’ailleurs, à de multiples reprises ─ que vous connaissez bien, puisque mon admiration pour les Fountains Of Wayne ressort d’un grand nombre de chroniques de ce blog.

Tout cela donne Tinted Windows, un album que je me suis donné la peine de réécouter dans son intégralité, à votre intention.

Eh bien, pour tout vous dire, Tinted Windows est pas mal du tout, mais loin de ce qu’on pouvait attendre de quatre si brillantes personnalités ; très bien fait, bien chanté et bien joué, mais sans grande originalité ; quelque chose fait un peu rapidement, pour se distraire, sans grande implication, à l’exception, probablement de Hanson. Et “Back With You” est la meilleure chanson du disque, dans un style powerpop qui ne vous étonnera pas. Je vais même écrire que c’est une très bonne chanson powerpop, et quand on a écrit ça, on peut sans doute en rester là.

Mesurant l’importance et la qualité de Fever Ray, même si ce genre de musique ne fait habituellement pas partie de celles que j’écoute préférentiellement, c’est vers le single choisi pour promouvoir l’album que je me tourne maintenant.

J’écrivais, dans l’autre chronique consacrée cette semaine à Fever Ray, que cette musique me procure le même plaisir frissonnant que celui que me donnent certains films d’horreur réussis. “If I Had A Heart” est construit autour d’une boucle de guitare acoustique “samplée”* et d’une pulsation rythmique monotone, soulignée par un orgue. Il y a chez Karin E. Dreijer une volonté manifeste de créer un spectacle total dans lequel la musique n’est qu’un élément parmi d’autres, au service d’une démarche artistique où s’additionnent les préoccupations politiques, sociales, sexuelles, dans une impressionnante cohérence. Il n’y a qu’à se reporter aux vidéos, surtout les plus récentes, qui documentent les apparitions scéniques de Fever Ray, groupe formé par cinq musiciennes qui accompagnent Karin Dreijer dans ce qu’il est parfois convenu de nommer une “performance”. Les vêtements, maquillages, attitudes, éclairages sont au service d’une démarche militante où prime la recherche de sens. Que l’on adhère, ou pas, à ce qui est ici revendiqué, on ne peut ignorer la force et la radicalité de la vision de Karin E. Dreijer.

*échantillonnée.

Fever Ray est le nom sous lequel la Suédoise Karin Elisabeth Dreijer a sorti un unique album, en 2009, lequel m’a beaucoup intéressé.

Mais Karin est encore plus connue pour être la moitié du duo électronique The Knife, qu’elle a formé avec son frère, Olof Dreijer en 1994, et qui s’est dissous en 2014. Vous vous doutez que ma connaissance de The Knife est assez superficielle car la musique électronique n’est pas mon domaine de prédilection, mais il se trouve que José González a repris un titre de The Knife pour son album Veneer, “Heartbeats”*, et la version de ce titre par leurs créateurs est très intéressante.

Mais Fever Ray est beaucoup plus sombre et original que The Knife, sans doute grâce à l’option prise par Karin de modifier électroniquement sa voix. Et contrairement à ce qu’on pourrait attendre, il ne s’agit aucunement de la magnifier, de la rendre plus parfaite ou plus juste, mais, bien au contraire de la distordre, de l’enlaidir, de la déshumaniser, de faire en sorte qu’elle suscite l’effroi ou le dégoût, sans oublier le fait que cette voix est clairement masculinisée.

Je présume que beaucoup de mes lecteurs et lectrices détesteront ces options anti-esthétiques, mais Fever Ray construit, avec sa musique, des ambiances qui ne ressemblent à aucune autre, que je trouve étranges et fascinantes, suscitant en moi un peu la même impression que celle que je peux avoir en visionnant un (bon) film d’horreur. C’est l’occasion, peut-être, de rappeler que l’une des fonctions d’un artiste est de créer de toutes pièces un ou des monde(s) nouveau(x), et de nous inviter à les explorer, voire à s’y perdre. Karin E. Dreijer répond parfaitement à ce critère et “Concrete Walls” est l’une des chansons les plus impressionnantes de cette année-là.

*Voir ma chronique qui porte ce titre.

Ce groupe anglais, essentiellement représenté par son leader, le multi-instrumentiste Robert White a connu son apogée entre 2004 et 2010, lorsqu’ils appartenaient au label discographique Ape Records, dirigé par Andy Partridge, ex-leader de XTC. The Milk & Honey Band a disparu d’Ape Records, tout comme il a disparu de la mémoire du public, et c’est la raison pour laquelle je me félicite de posséder leur discographie complète, y compris un exemplaire de leur dernier album, In Colour, lequel n’a été édité en cd qu’à 300 exemplaires !

Et pourtant, The Milk & Honey Band est l’auteur d’une des plus belles chansons jamais enregistrées, que les plus curieux(ses) d’entre vous iront chercher dans ma rubrique “crème de la crème”.

Leur quatrième album (leur deuxième chez Ape Records) se nomme Dog Eared Moonlight et s’ouvre avec ce “Just You”, bien dans la manière de Robert White et de ses quatre camarades. Cela dit, à part une flûte, à la fin de la chanson, c’est le seul Robert White qu’on entend ici. La vidéo qui illustre cette chanson a été tournée par Robert et sa compagne lors d’un voyage en auto dans l’Ouest américain, et cette floraison a été tournée dans la Death Valley, un endroit où ce genre de phénomène n’arrive que très exceptionnellement. Mais, tout ce qui concerne The Milk & Honey Band est frappé du sceau de la rareté, ce qui n’est, vous l’avez compris, pas la seule qualité de ce groupe essentiel, dont la réapparition ferait le plus grand bien à la musique de notre siècle.

Vous savez déjà que j’aime beaucoup The Decemberists*, et leur cinquième album, The Hazards Of Love est celui que je préfère. Mais il est encore plus difficile qu’avec n’importe quel autre album de mettre en avant une chanson plutôt qu’une autre, car The Hazards Of Love, produit par le groupe et Tucker Martine, est une œuvre d’un seul tenant, le témoin d’un genre qu’on croyait englouti depuis les années 70 du siècle dernier, l’opéra-rock, même si l’album précédent, The Crane Wife, présentait déjà une structure qui pouvait être un peu semblable.

J’en vois certains qui froncent les sourcils, et il faut bien reconnaître que l’accueil critique qui a été fait à l’album fut mitigé. Trop ambitieux, trop pompeux, mêlant des genres très différents, brassant des thèmes musicaux récurrents, qui finissent par s’enchevêtrer, etc. Balivernes.

Il est vrai que The Hazards Of Love, ses 17 plages, et son heure d’écoute ininterrompue, ne s’apprivoise pas immédiatement, mais quand on accepte d’y consacrer le temps nécessaire, je peux vous dire qu’on découvre une œuvre majeure.

Si le terme opéra-rock vous rebute, parlez de prog-folk et les choses seront déjà plus faciles, d’autant que le livret raconte une histoire cohérente que je vais essayer de vous résumer : Colin Meloy (chanteur et guitariste du groupe) a trouvé le titre de son histoire à partir d’un EP d’Anne Briggs.

La jeune Margaret (dont le rôle est chanté par Becky Stark, du groupe Lavender Diamond) se promène dans une forêt boréale et y vient au secours d’un faon blessé, lequel se transforme en un jeune homme, William (interprété par Colin Meloy). Ils font l’amour. Quelques temps après, Margaret apprend qu’elle est enceinte, et s’enfuit dans la forêt ; elle y retrouve William qui lui avoue son amour, mais c’est sans compter avec la mère de ce dernier, la Reine de la Forêt, (interprétée par Shara Worden de My Brightest Diamond) jalouse et possessive. Elle rappelle à son fils son ingratitude, alors qu’il fut sauvé, enfant, et pourvu de l’immortalité. Mais la Reine lui accorde tout de même de passer une nuit avec Margaret, sous l’apparence d’un être humain. Il devra, ensuite, se consacrer éternellement à sa mère.

Nous faisons ensuite connaissance avec un triste personnage, The Rake (interprété également par Colin), un veuf coureur de jupons qui a tout simplement tué ses trois enfants pour ne pas avoir à s’en occuper !

The Rake kidnappe Margaret, et la Reine trahit sa promesse à William en permettant que The Rake viole Margaret ! Pour échapper à William, la Reine sépare en deux bras un torrent furieux qu’il ne peut franchir, mais William offre sa vie à qui lui permettra ce franchissement.

Le Rake jubile en entendant Margaret appeler William à l’aide, et ce sont les fantômes des trois enfants assassinés qui viennent contrecarrer les plans d’attaque de The Rake. William réussit à s’enfuir avec Margaret, mais, en s’approchant du torrent, ils décident de s’unir à jamais, en se noyant. Dans la mort, les “hazards of love” ne pourront plus les atteindre.

L’ambition est donc au rendez-vous, et la musique est au diapason, mêlant en effet les genres, les instruments, les voix, ménageant des interludes instrumentaux, permettant à certains thèmes musicaux de revenir, lesquels, comme dans tout opéra qui se respecte, caractérisent les différents personnages.

Fidèle à une certaine ligne de conduite qui ne s’imposait pas ici, je vous ai mis un lien avec la vidéo de “The Rake’s Song”, mais, pour une fois, ne vous en servez pas ; procurez-vous The Hazards Of Love (vinyle, cd, téléchargement ou streaming) et écoutez-le d’une traite, du début à la fin, comme on écoute une œuvre musicale qui possède cette cohérence, et qui revendique une unité réfractaire au “saucissonnage” des playlists.

*Voir “The Crane Wife, 1 & 2”, “June Hymn”, ainsi que leur collaboration sous le nom d’Offa Rex.

OldClaude va encore nous parler de son plus-grand-musicien-du-siècle… Mais de quoi voudriez-vous que je vous parle ? Du dernier disque de Kendji Girac ?

On ne trouve “You Are The Blood” sur aucun disque de Sufjan Stevens, mais seulement sur une compilation de deux cd, éditée par le label Red Hot, dont tous les bénéfices sont allés à la recherche contre le SIDA, Dark Was The Night.

Ce sont les frères Dessner, Aaron et Bryce, membres du groupe The National qui se chargèrent de la production, ainsi que de réunir les artistes contributeurs, représentant la fine fleur du rock indépendant, et dont je vous ai, à ce titre, souvent entretenus, dans ce blog.

On y trouvait par exemple Arcade Fire, Andrew Bird, Bon Iver, The Decemberists, José González, Iron & Wine, The National, Yo La Tengo, de nombreux autres que je n’ai pas la place de tous citer, et, bien sûr, Sufjan Stevens.

Sufjan choisit de chanter une reprise, une chanson écrite par son camarade Raymond Raposa, leader du groupe Castanets, dont les disques sont également édités par Asthmatic Kitty Records, et sortie sur l’album Cathedral (2004). J’ai écouté cette version originale, plus qu’intéressante.

Mais Sufjan fait au moins aussi bien. Accompagné par Bryce Dessner à la guitare électrique, Aaron Dessner à la basse, David Cossin à la batterie, Ben Lanz aux trombones, Gabriel Kahane au piano, Shara Worden (My Brightest Diamond) aux chœurs, il fait “tout le reste”, comme il est écrit.

Et il le fait dans une veine très intéressante. On est en 2009. Le précédent disque de Sufjan date de 2006, c’est The Avalanche, *et, à cette date on peut encore considérer que Sufjan Stevens est un artiste d’indie-folk. Mais après cela suivront deux disques qui représenteront une rupture stylistique radicale pour Sufjan, le EP All Delighted People**(2010) et surtout le très ésotérique The Age Of Adz, (2010) bourré d’électronique, chef-d’œuvre difficile et inégalé. ***

“You Are The Blood” est la matrice des deux disques que je viens d’évoquer, avec ses chœurs étranges, décalés, sa durée excédant les dix minutes, sa déstructuration progressive, ses ruptures rythmiques, au point qu’il est difficile de conserver à cette œuvre la dénomination de chanson. La cadence de piano de Kahane projette YATB vers la musique contemporaine, même s’il subsiste une trame mélodique robuste, dévolue aux trombones, en particulier. Certains, peu nombreux, je pense, ont “lâché” Sufjan Stevens à cette époque. Ceux qui ont accepté d’aller vers ces nouveaux territoires en ont été largement récompensés.

*Voir ma chronique de “Pittsfield”.

**Voir ma chronique qui porte ce titre.

***Voir “Vesuvius”

Vous avez déjà remarqué que je n’hésite jamais à incorporer dans ce blog des morceaux de “dance music” lorsqu’ils ont la bonne idée de me plaire. Mais il faut également noter que l’extrême dépendance à la mode de cette catégorie musicale rend la démarche vaine, car personne ne s’intéresse à un morceau “dance” qui a plus de quelques mois. Alors, dix ans, vous pensez !

Le Rémois Pierre-Alexandre Busson, connu sous le nom de Yuksek, a une activité importante dans le domaine de la musique électronique et des musiques de films, et ce “Tonight”, qui figurait sur son album Away From The Sea, possède, je peux vous le dire par expérience, une grande efficacité pour faire se lever tous les paresseux qui sommeillent sur leur siège, afin de les propulser au milieu de la piste de danse.

C’est déjà pas mal, et vous m’excuserez de ne pas pouvoir vous en dire plus, tant il est vrai que ce genre de musique ne nécessite aucun discours. Mettez juste le volume à fond, et bougez l’ensemble de votre corps comme vous en avez envie. De toutes façons, personne ne vous regarde…