Great Lake Swimmers fait partie des groupes dont j’ai scrupuleusement suivi la carrière, étape par étape depuis leur tout premier album de 2003, jusqu’à ce splendide 8^ème album, The Waves, The Wake.

Basés à Toronto, Great Lake Swimmers est en fait un collectif qui entoure la personnalité de Tony Dekker, auteur, compositeur et interprète de la plupart des chansons du groupe. Si on consulte le livret qui accompagne The Waves, The Wake, on voit ainsi que l’instrumentation et les instrumentistes changent au fil des 12 chansons, sans pour autant que se perde une unité stylistique et sonore dont sont garants Tony et son coproducteur, Chris Stringer.

” Mouth Of Flames” rassemble ainsi autour du chant de Dekker, les guitares de Kevin Kane, la contrebasse de Bret Higgins, le violoncelle de Mike Olsen et le piano de Tim Crabtree. Il n’y a pas de batterie. Il faut noter que la plupart des titres ont été enregistrés dans une église, comme on peut le voir sur les vidéos YouTube consacrées à l’album.

Que de chemin parcouru par Tony et ses ami(e)s depuis le folk des premiers albums ! Sans perdre leur âme, Great Lake Swimmers a évolué vers une musique d’une richesse et d’une puissance qui en font l’un des groupes majeurs de l’alt-folk canadien.”Mouth Of Flames” puise probablement une partie de son inspiration dans le Up (1998) de R.E.M., mais c’est un hommage mérité, et la chanson impressionne par son arrangement, son texte sombre, lyrique, la qualité de sa mélodie, grandiose. Il faut également saluer la voix de Tony, qui, même avec des possibilités limitées a su développer un “instrument” d’une expressivité, d’une délicatesse, d’une richesse émotionnelle, remarquables. L’un des plus grands albums de 2018.

Ramon Pipin fait tout à l’envers. La plupart des grands musiciens qui œuvrent dans le domaine de la musique populaire sont géniaux à 20 ans, psittacistes à 40 et pitoyables à 60.

Eh bien, Ramon, non content de produire deux albums d’excellente tenue en l’espace de quelques dizaines de mois*, et sans oublier qu’il avait été silencieux depuis des lustres, nous offre tout simplement avec “Qu’Est Ce Que C’est Beau”**, la meilleure chanson qu’il ait jamais écrite, et probablement une de celles qui seraient à épingler au firmament de la Chanson Française.

Ramon Pipin héritier de Georg Friedrich Haendel, qui l’eût cru ? Mais c’est, en effet, une inspiration venue du baroque qui illumine l’extraordinaire cadence dont le Quatuor Psoriasis nous gratifie. Il convient d’abord d’en citer les exécutants : Anne Gravoin au premier violon, David Braccini au second violon, Béatrice Muthelet à l’alto et Cyril Lacrouts au violoncelle. Ces cordes magiques vont être la colonne vertébrale de la chanson, loin des arrangements de violons sirupeux (et “romantiques”) de la musique moderne, qui ne les admet, le plus souvent, qu’en “accompagnement”. Il faut en remercier Vince Turquoiz, responsable de la Direction Musicale*** et des orchestrations, véritable bras droit de Ramon Pipin, dans cette affaire.

Le piano de Michel Amsellem se range vite derrière leur rythme impérieux, secondé par la basse de Marc Périer. Dès le 2ème couplet, la rigoureuse batterie de Franck Amand nous rappelle qu’on est bien dans le champ du rock n’roll.

Puis arrive le mariage royal de ces cordes baroques et de la guitare distordue de Brice Delage, et c’est un mariage parfaitement bien assorti, n’en déplaise aux puristes.

Le 4ème et dernier couplet est introduit par un pont vocal et instrumental, avec une slide guitar qu’on doit à Stéphane Daireaux, et la fin nous surprend alors qu’on aurait bien aimé que ça aille au-delà des 3 petites minutes et demie qui sont, ici, passées bien trop vite.

Par dessus cette splendide assise instrumentale, il y a les voix, et d’abord la voix de Pipin, sans doute pas le plus grand chanteur du monde, mais, je suis prêt à le parier, honnête, sans tricherie, sans production flatteuse et mensongère, sa vraie voix. Les choristes jouent un rôle essentiel, et, outre lui-même, on y entend les voix de Clarabelle, du regretté Marco Beacco, et de Pierre Sangra.

Tout ébloui, j’ai à peine accordé de l’attention aux paroles de cette chanson, et elles méritent pourtant qu’on s’y arrête, en se demandant de quelles bonnes grosses vannes il va nous régaler aujourd’hui.

Perdu. Ramon Pipin n’est plus dans Ramon Pipin, car QQCB est une chanson d’émerveillement, la chanson d’un homme qui regarde le monde les yeux grands ouverts, et qui voit de l’intérêt, et parfois de la beauté dans des choses que nous ne remarquons même plus. Il rend un discret hommage au tableau de Courbet que posséda Lacan, il associe, dans un vertigineux raccourci social, une concierge et un cardinal. Ancré dans la culture du siècle précédent, il évoque Chaplin et Queen plus facilement que les héros du jour, et, de parolier, se transforme facilement en scénariste avec ces images fortes de corps inerte et de foules renversant un dictateur. Le dernier couplet semble transporter des images plus personnelles, opposant une vie qui arrive, et une autre qui s’éteint. Sans doute mal à l’aise de s’être fait prendre au piège de l’émotion, Ramon évacue tout ce qui précède en l’affublant de l’épithète « tissu de conneries ». Mais, trop tard, Ramon, on sait bien que malgré ton « tchao », tu ne rendras les armes que quand tu ne pourras pas faire autrement. Et c’est tant mieux.

*Comment Éclairer Votre Intérieur (2016) et Qu’est-Ce Que C’est Beau (2019)

**chanson-titre d’un indispensable album, dont je laisse à d’autres le soin de vanter les mérites.

***Ce qu’ailleurs on nomme co-producteur, en compagnie de Jean-Marc “Maz” Pinaud

Je vous ai déjà dit beaucoup de bien du groupe américain The Decemberists, et le moteur de recherche perfectionné de mon blog devrait vous permettre de vous reporter à toutes les chroniques les concernant. Je n’avais pas manqué de souligner l’anglophilie de Colin Meloy et ses amis (Chris Funk, Nate Query, Jenny Conlee, John Moen) et c’est cet attachement au folklore anglais et écossais qui les a décidé à contacter une chanteuse anglaise, Olivia Chaney, diplômée de l’Académie Royale de Musique d’Angleterre, guitariste et joueuse d’harmonium indien*, dont le premier disque date de 2013. Sa collaboration avec The Decemberists aboutit à la parution d’un album, The Queen Of Hearts, sous le nom d’Offa Rex.

The Queen Of Hearts, produit par Tucker Martine et Colin Meloy est une superbe collection de chansons folkloriques anglo-saxonnes, de toutes les époques, des reprises, donc.

J’ai choisi de mettre en avant “The Old Churchyard” dans laquelle Olivia chante et joue de l’harmonium. Colin est à la guitare électrique, Nate à la basse et John à la batterie. Il y a également deux invités, l’Australienne Mirabai Peart au violoncelle, et Ralph Carney qui joue d’un instrument à vent.

L’arrangement est inspiré de la version a cappella que Norma Waterson et Martin Carthy en ont donné en 2002 pour leur album A Dark Light.

La chanson date probablement du milieu du XIXème siècle, et son inspiration très chrétienne devrait en faire une favorite des cérémonies funèbres.

La très belle vidéo qui illustre cette chanson ne manquera pas de vous rendre amoureux(se) de cet hymne bouleversant, et peut-être également de la superbe Olivia Chaney. Je vous avoue que la fusion de l’harmonium d’Olivia et de la Fender parfaitement distordue de Colin produit une sonorité proche des “bag-pipes” écossais que je trouve du plus bel effet.        

*un harmonium utilisant l’air pour produire des notes.

Guilty Pleasure. Plaisir coupable. C’est ainsi que les anglo-saxons nomment une catégorie particulière de productions artistiques que, personnellement, nous aimons, mais qu’il faudrait ne pas aimer. Cela signifie qu’il existe, dans certains milieux, des règles qui délimitent très précisément la frontière entre le bon goût et le mauvais, et qu’il convient de rester toujours du bon côté. Les milieux du rock indépendant abhorrent tout ce qui se rapproche de la musique commerciale, celle qu’on entend à la radio, celle dont les interprètes sont invités dans les émissions de télévision, l’Eurovision étant l’horreur absolue. On notera, à ce propos, qu’un groupe comme ABBA, gagnant de l’Eurovision, et copieusement détesté par l’underground, à cette époque, est maintenant révéré par les mêmes qui les vouaient aux gémonies.

D’une façon générale, je respecte les prescriptions de cette police du bon goût, tout simplement parce qu’il s’agit de choses que j’aime, sans avoir à forcer ma nature, mais il m’est déjà arrivé, et ce blog en porte la trace, de piétiner allègrement ce “bon goût”, et de me vautrer dans les marécages putrides des “guilty pleasures”*.

Ce long préambule, car il n’est pas impossible que “Don’t Give In” appartienne à cette catégorie infamante. Mais, en même temps, je n’en suis pas certain. Wildness est le septième album studio de Snow Patrol, alors que leur sixième, Fallen Empires, datait déjà de 2011. Ce long intermède a été marqué par les problèmes psychologiques de Gary Lightbody, chanteur du groupe, dont la dépression et l’alcoolisme ont largement entravé la créativité. Ainsi, “Don’t Give In”, et l’ensemble de Wildness ne savent manifestement pas sur quel pied danser. Sous la houlette du producteur Jacknife Lee, l’album va un peu dans tous les sens, faisant de l’œil tour à tour aux fans d’indie-pop branchés, aux midinettes, au public des stades, à celui de la télévision, etc. Pour tout dire, ça ratisse large, et à force de tirer dans tous les coins, ça finit par toucher une cible. “Don’t Give In”, donc, est ce genre d’hymne que le public adore reprendre en chœur avec l’artiste, voix éraillée de celui qui a beaucoup vécu, guitare acoustique, batterie sympathique, mélodie aisément mémorisable, réverbération de cathédrale, petit passage très intimiste pendant lequel Gary vous murmure quelques mots à l’oreille, un des tubes de l’été dernier, sauf erreur, ils l’ont même chantée à “Taratata”.  Et je l’avoue, je me suis laissé prendre, car j’ai fredonné le refrain un nombre incalculable de fois. Je n’ai jamais prétendu être parfait.

*Voir mes chroniques “Ice Queen”, “People Help The People”, “Summertime Sadness”, Clocks”, “I Deserve It”, et quelques autres pour lesquelles l’indie-police me surveille.

Je vous ai déjà raconté dans quelles circonstances j’avais assisté à un concert de Darlingside*. Mon admiration pour le quatuor de Boston ne se dément pas, et a même grimpé d’un cran quand j’ai appris que cette chanson d’Extralife, choisie, à juste titre, pour être éditée en “single” avait demandé six ans à Don et Auyon** pour être enfin finalisée ! Six ans ! Cette lenteur m’émerveille et je la chéris, là où d’autres s’enthousiasment que tel ou tel “tube” ait pu être écrit en une heure.

Ayant maintenant une vue d’ensemble sur le répertoire et l’évolution de Darlingside, il est clair qu’Extralife est un album plus inquiet, plus sombre, plus en phase avec “l’air du temps” que ce qui l’a précédé. Mais cette perception accrue de la réalité qui nous entoure n’a pas modifié, et c’est heureux, les choix stylistiques fondamentaux du groupe. Don Mitchell (le guitariste électrique à lunettes), Auyon Mukharji (violoniste et mandoliniste), Harris Paseltiner (guitare acoustique et violoncelle) et David Senft (basse électrique et grosse caisse) choisissent toujours de chanter autour de leur microphone “Louise”. Tout juste peut-on remarquer que l’électronique a fait un peu plus irruption dans leur instrumentation avec l’utilisation d’un adorable petit synthétiseur à touches.

Mais dans “Hold Your Head Up High”, ce sont les instruments acoustiques qui dominent, un harmonica, une trompette et la guitare acoustique, prélude aux somptueuses harmonies dont les quatre garçons ont le secret. Il en existe également de nombreuses interprétations en public que je vous invite à retrouver sur les plateformes  vidéo, telles YouTube. Mais je ne serais pas complet si j’omettais de vous signaler que Spotify®***possède l’exclusivité d’une très belle version de “Hold Your Head Up High” dans laquelle le quatuor, sur un tempo très ralenti, simplement accompagné d’un piano, exalte la beauté de cette chanson.

*Voir “Singularity”.

**avec une petite aide de leur amie, Caitlin Canty.

***publicité gratuite.

Depuis ma précédente chronique sur Darlingside*, j’ai appris à connaître ce quatuor américain, et plus je le connais, plus je l’apprécie. D’abord, du fait de la sortie d’un magnifique album, cette année, Extralife, d’où j’extrais cette chanson, “Singularity”.

Ensuite, parce qu’au matin du 1 novembre 2018, je prenais l’Eurostar pour assister, le soir même au concert londonien que Dave Senft, Don Mitchell, Auyon Mukharji et Harris Paseltiner donnaient dans une belle salle de Shepherd’s Bush.

Réunis autour de leur splendide micro unique lequel leur permet de jouer avec leurs distances respectives de l’objet, ce qui frappe surtout c’est que rarement un quatuor a mérité, plus qu’eux, le beau nom de groupe. Il y a, entre ces quatre garçons, une proximité, une fraternité, une intimité, dont les shows gigantesques qui sont maintenant le tout venant de la musique populaire, ont perdu jusqu’à l’idée.

Au-delà de l’élévation artistique dont Darlingside est capable, c’est cette communion que permet la musique qui est palpable, visible, et si précieuse. C’est la raison pour laquelle je privilégie les interprétations en public, comme celle qui illustre cette chronique. Cela dit, et d’une façon générale, la musique est une chose vivante, et c’est en concert qu’elle se savoure de la plus belle façon. Darlingside nous le rappelle avec une acuité inégalée.

*Voir “The Ancestor”

Lors de la tournée destinée à promouvoir leur dernier album, Jet Plane And Oxbow, Shearwater, groupe auquel me lie une profonde admiration*partageait l’affiche avec un duo, couple à la scène comme à la ville, qui se produisait sous le nom de Cross Record.

Le multi-instrumentaliste Dan Duszynski et la chanteuse Emily Cross se lièrent d’amitié avec le leader de Shearwater, Jonathan Meiburg, et une collaboration fut envisagée, Jonathan se proposant d’écrire les chansons pour la voix d’Emily.

Il en résultat un album, Loma, suffisamment intéressant** pour que j’aie envie de me déplacer au concert que le trio donna à l’Olympic Café, devant quelques dizaines de spectateurs, le 29 mai de cette année. Je n’ai pas été déçu.

Loma n’a rien à voir avec Shearwater, et porte bien plus la marque d’Emily Cross que celle de Meiburg, lequel a su mettre en valeur la personnalité attachante de la jeune femme. Tout l’album mérite d’être écouté, même si j’ai choisi “Joy” pour vous présenter leur travail. Cela vous permet de vous rendre compte que Loma est un disque d’atmosphères et de sensations, plus que de chansons à proprement parler, un peu dans l’esprit Talk Talk, même si, assez curieusement, car je n’ai pas écouté ce disque depuis des décennies, ce qui me vient à l’esprit, c’est la bande originale du film More par Pink Floyd !

Pour en revenir à ce beau concert de Loma, en mai dernier, le trio fondateur était complété par deux musiciens de Shearwater, Emily Lee aux claviers et Josh Halpern à la batterie. Allez regarder les vidéos en public, car je ne suis pas complètement certain de la pérennité de ce premier essai qui est, vous l’avez compris, un coup de maître.    

On comprend un peu ce qui a poussé Sufjan Stevens à s’intéresser au destin singulier de Tonya Harding, grande championne américaine de patinage artistique, la première à réussir un triple axel en compétition, et dont le petit ami de l’époque, Jeff Gillooly avait payé un malfrat pour blesser aux jambes la grande rivale de Tonya, Nancy Kerrigan. Harding fut exclue à vie de la Fédération de Patinage Artistique pour n’avoir pas dénoncé les sombres projets de Gillooly, et Kerrigan obtint, par la suite, une médaille d’argent aux Jeux Olympiques.

Il existe deux versions de la chanson qui diffèrent par leur tonalité ─ la version la plus courante, la plus orchestrée, est en Ré majeur, et la version en Mi bémol majeur est plus intimiste ─ et l’on pourra préférer l’une à l’autre, elles sont toutes les deux très réussies. Sufjan souhaitait que sa chanson soit choisie pour être intégrée à la biographie filmée de Tonya Harding, mais ce ne fut pas le cas. Sufjan nous avoue qu’il a beaucoup travaillé, et depuis longtemps, à l’écriture de cette chanson, alors que ce que nous entendons est une mélodie d’une évidence et d’une facilité limpides, un peu comme les arabesques que Harding dessinait sur la glace. Ce n’est pas la première fois que Sufjan s’intéresse (et, sans doute, s’identifie) à une personnalité trouble (voire criminelle) de l’histoire américaine*, mais il le fait toujours avec une délicatesse et une empathie qui forcent mon admiration.

*Voir ma chronique “John Wayne Gacy, Jr”.

Voilà ce qui est, pour moi, l’un des albums les plus réussis de 2017, et sans doute le début, pour St. Vincent, d’une reconnaissance critique et commerciale universelle.

Mais St. Vincent (née Annie Clark) est une personnalité suffisamment forte et talentueuse pour déjouer les embûches d’un succès mérité, quoique un peu tardif dans sa carrière, puisque son premier album, Marry Me, a déjà 10 ans. Elle avait, auparavant été membre des Polyphonic Spree, et avait accompagné Sufjan Stevens sur scène. J’ai donc suivi toute sa carrière avec beaucoup d’intérêt.

Ce nouvel album, Masseduction, son cinquième, est produit par elle-même et Jack Antonoff ; il est sans doute très personnel, voire autobiographique, et j’ai choisi une chanson qui n’a pas été éditée en “single” pour vous le présenter.

“Hang On Me”, qui ouvre l’album est peut-être la chanson la plus proche de ce qu’elle pouvait faire avant sa décision de “conquérir le monde”. Mais ce passage à une électropop destinée à la faire devenir l’une des personnalités les plus influentes de la musique actuelle ne me gêne pas, car elle en contrôle tous les aspects, musique, ─ elle est aujourd’hui l’une des guitaristes les plus talentueuses et admirées ─ paroles, mise en scène, vidéos, instrumentation, rapports avec les médias. À cet égard, elle peut être comparée à des artistes du calibre de Prince, Kate Bush ou David Bowie. “Hang On Me” est une chanson de séparation, assez désespérée, et que cet album s’ouvre par une œuvre aussi intime en dit long sur l’ambition de l’artiste. Pas de batterie dans “Hang On Me” ; Annie, sa voix parfaitement bien placée, sa guitare, les programmation d’Antonoff, une basse, un mellotron et un piano, c’est suffisant pour se faire happer, dès l’entrée, par l’univers de St. Vincent. Tout l’album est à ce niveau de qualité, et écrase littéralement la concurrence. Vraiment, vous ne pouvez pas passer à côté de Masseduction ; dans le cas contraire, vous passez à côté de votre époque*.     

*Ce qui est une option hautement respectable !

Je dois avouer que je n’avais pas beaucoup aimé le précédent album de la Norvégienne Susanne Sundfør, Ten Love Songs, un brouet synthpop sans doute bien fait, puisqu’il lui avait apporté une certaine consécration internationale, mais que j’avais trouvé assez insipide.

Rien de tel avec ce très beau Music For People In Trouble, où elle revient au style qui m’a fait lui consacrer plusieurs chroniques élogieuses*, un folk indie perdu dans les brumes scandinaves, magnifié par sa voix, véritablement exceptionnelle**, et conçu pendant une période où la jeune femme traversait une dépression assez sévère. Elle s’est, pour s’en sortir, nourri de voyages photographiques à travers le monde (Amazonie, Corée du Nord).

Elle s’est fait, pour la production, aider par Jørgen Træen, et l’album bénéficie de l’apport d’un certain nombre de musiciens réputés parmi lesquels je citerais Greg Leisz à la pedal-steel guitar, et surtout, la voix de John Grant***.

“The Sound Of War” dure près de 7 minutes 50 et possède deux parties bien distinctes. Au début, on entend une rivière qui coule et des oiseaux qui chantent, et puis assez vite la guitare de Susanne, montée en cordes nylon, « comme Nick Drake » dit-elle****, et sa voix, impressionnante. Tout cela est très joli, bucolique, même si les paroles de la chanson démentent l’apparente sérénité de la mélodie qui se déroule calmement. Très bientôt, d’ailleurs, intervient un synthétiseur qui installe une fréquence très basse, qui, dans ce contexte prend un ton menaçant. Un peu avant la 5ème minute, la chanson s’arrête remplacée par « les bruits de la guerre », lesquels sont d’ailleurs beaucoup moins le fracas des armes que le bourdonnement des drones et des appareils de surveillance. Puis, dans le lointain, à nouveau la voix de Suzanne, portée par une nappe de synthétiseur tente de redonner un peu de vie au milieu de ces évocations mortelles.

La musique pop n’a jamais été avare de ces chansons de protestation contre la guerre, mais je n’en connais pas beaucoup qui ont dénoncé l’horreur avec cette puissance.

* Voir mes chroniques, “The Brothel” et “The Silicone Veil”.

**Le concert du 9 mars 2018, au Café de la Danse, fut un éblouissement.

***Vous savez, l’ex-chanteur des Czars, dont je n’arrête pas de parler !

****J’ajouterais, comme Mark Kozelek, comme José González…

Je crois, qu’en Anglais, on appelle ça un “guilty pleasure”, un plaisir coupable, quelque chose que l’ensemble de nos goûts ou de nos intérêts ne nous prépare pas à apprécier, et pire, quelque chose qui ne s’intègre pas dans cet ensemble, qui y fait comme une tache, qu’il faudrait donc s’évertuer à cacher.

Mon abondante “littérature” sur Lana* tend à démontrer que, loin de me repentir, je me vautre dans l’erreur, et j’en rajoute une couche avec ce “Love”, première chanson de son album Lust For Life.

La belle est toute souriante sur la photo qui orne la jaquette du cd (ce qui n’était pas, je crois, à la mode, en 2017 ; donc, un bon point pour elle); elle a tout écrit et produit elle-même (avec l’aide de trois ou quatre amis, mais un autre bon point quand même), et je trouve ça plutôt bien fait. Je ne suis pas le seul, puisque la chanson a été choisie comme “single” pour annoncer l’album. Retenez cependant qu’il n’est pas concevable d’écouter “Love” sans regarder la vidéo qui lui est associée, et dont je ne vous dirai pas un mot, pour ne pas vous gâcher le plaisir de la découverte. Sachez simplement que c’est très romantique, même si ce que recouvre ce mot, aujourd’hui, pouvait avoir une acception très différente il y a deux siècles. Mais qui s’occupe, je vous demande, de ce qui se passait il y a deux siècles ?

*Voir mes chroniques “Cruel World”, “Ride”, “Summertime Sadness”, “Video Games”.

Le 10 juillet 2017, j’étais, bien entendu, sur un très confortable siège à la Philharmonie de Paris pour assister au concert que devaient donner Sufjan Stevens (Sufjaaaaan !!), Nico Muhly, Bryce Dessner et James McAlister, réunis autour du projet Planetarium.

Une très sérieuse institution musicale hollandaise avait contacté Nico Muhly, compositeur et arrangeur américain, afin d’écrire une pièce musicale ayant pour thème l’espace. Nico avait rameuté ses copains, Bryce Dessner, guitariste du groupe The National*, et Sufjan Stevens, qu’on ne présente plus, qui était arrivé avec son batteur fidèle, James McAlister. On peut dire, un peu schématiquement que Muhly est responsable de la musique, avec d’importantes participations des trois autres, et Stevens, des paroles.

Je ne sais plus combien de temps ça a duré, mais toute la salle a écouté dans un silence religieux, comme s’ils étaient à l’Opéra. Moi, j’ai trouvé que Sufjan avait chanté un peu médiocrement, mais comme vous vous en doutez, je lui pardonne tout. À la fin, “standing ovation”, applaudissements pendant 10 minutes, bravos et pâmoisons.

Globalement, je me suis fait un peu chier.

Et là, j’ai devant moi le disque Planetarium ; je l’ai écouté une fois, pas deux, 76 minutes, il faut quand même se les avaler, et j’avais choisi la dernière des 17 plages du cd, “Mercury”, histoire de vous en dire un mot. Mais, maintenant que je suis à l’ouvrage, consciencieusement, je réécoute l’ensemble.

Il n’y a pas à dire, il y a de beaux moments ! Les quatre hommes utilisent un nombre impressionnant d’instruments, claviers divers et variés (il n’y a que Dessner qui ne lâche pas sa guitare) et ils sont secondés dans leurs tâches par un quatuor à cordes et pas moins de sept trombones. Alors, il y a ce qu’on pourrait appeler des “ambiances musicales”, c’est-à-dire, de mon point de vue, un remplissage assez vain avec de grandes plages musicales où rien ne vient ni heurter l’oreille, ni malheureusement, l’accrocher.

Il y a, également, des parties chantées par Sufjan (Sufjaaaaan !!), et dans le disque, il chante plutôt bien, mais ce n’est pas sa musique, c’est lisse, c’est propre, ça manque d’âme, d’inspiration, ça manque de musique.

J’ai eu la curiosité d’aller lire les compte-rendus ou les critiques d’un certain nombre de gens dont c’est le métier de nous tenir au courant de ce qui se fait de mieux dans le domaine de l’Art et de la Musique. Tout le monde adore, bien sûr ; on n’est plus dans la pop music, on est dans la Culture. À propos de ce que fait Sufjan Stevens, ces éminentes personnalités, remarquant qu’il utilise parfois des dispositifs de traitement du signal vocal (vocoder, auto-tune) n’ont pas manqué de rapprocher Planetarium de The Age Of Adz. (2010)**. Voilà qui me fait bondir et qui est une nouvelle preuve d’une façon très superficielle d’écouter de la musique ; on repère un son, ça fait penser à un son identique qu’on a entendu ailleurs ; il ne reste plus qu’à mettre le signe “égale” entre les deux, et on a fait le boulot. À ce compte-là, on entend un piano chez Richard Clayderman, et ça fait penser à Frédéric Chopin ! J’exagère un peu.

“Mercury” est à sauver. On y entend Sufjan chanter une vraie chanson. D’ailleurs, avec ma mauvaise foi habituelle, je parierais que c’est Sufjan qui a composé ça, et pas Nico Muhly. Ce n’est pas ce qu’il a fait de mieux dans sa vie, mais il ne pouvait quand même pas trop tirer la couverture à lui, n’est-ce-pas ?

*Voir ma chronique “England”.

**Merci d’aller lire ma chronique de “Vesuvius”