Lorsque j’ai décidé de clôturer ce blog, je ne connaissais pas ce groupe anglais de Thurston-upon-Thames, et il m’a fallu attendre le décès de son leader, chanteur et compositeur, Tim Smith (3 juillet 1961-21 juillet 2020) pour m’apercevoir qu’un génie musical dont je n’avais jamais entendu parler (remarquez, je ne suis pas le seul) avait quitté ce monde. Il faut malheureusement ajouter que Tim Smith n’était plus très présent depuis quelques années, puisqu’en juin 2008, en sortant d’un concert de My Bloody Valentine, il fut frappé par un accident vasculaire cérébral, qui le laissa très diminué, dont la récupération fut très longue et très incomplète, ce qui marqua donc la fin de Cardiacs.

Cardiacs s’est formé en 1977, année punk, s’il en fût, et une grande partie de l’« ADN musical » du groupe appartient à ce courant esthétique, l’autre racine étant, le croirez-vous, fermement fixée au rock progressif, dont, pourtant, toute la punkitude souhaitait la disparition ! Mais Tim Smith n’avait que faire des chapelles et des étiquettes, lui qui déclarait simplement jouer de la pop, et être influencé par la musique psychédélique.

Quand on ne connaît pas Cardiacs, on peut très bien aller à la rencontre de ses œuvres complètes, (2 cassettes de démos, 14 singles et EP, 4 compilations, 5 albums live et 9 albums studio, plus 2 DVD) et c’est ce que j’ai essayé de faire pour vous, avec l’enthousiasme du néophyte, mais on peut aussi bien se contenter de demander : « Quel est le meilleur album de Cardiacs ? », et là, tous les spécialistes répondent : « Le double album Sing To God ». C’est comme chez le médecin, c’est rassurant quand tout le monde est d’accord, sans compter qu’un certain nombre d’amateurs n’hésitent pas à proclamer que Sing To God est l’un des dix plus grands albums de tous les temps, et que « Dirty Boy » est bien placée dans le concours de « la plus grande chanson jamais écrite ».

Sing To God bénéficie, en effet, d’une production plus soignée que ce qu’on avait l’habitude d’entendre chez Cardiacs. C’est un double-album, enregistré en 1995, et paru l’année suivante, ayant ensuite bénéficié d’une réédition sous forme de 2 albums simples. Cardiacs est, à cette époque, un quatuor, car il faut savoir que le groupe a connu de multiples et incessants changements de musiciens. Mais, autour de Tim Smith (chant, guitare, claviers), il n’y a plus que son frère, Jim (basse, chant), le guitariste Jon Poole, et le batteur Bob Leith. D’autres musiciens (trompette, violon, quatuor à cordes) complètent l’instrumentation, ainsi que Sarah Smith au saxophone, ancienne membre de Cardiacs, et ex-épouse de Tim.

« Dirty Boy » ouvre le 2^ème album, et cette chanson, du haut de ses 9 minutes, est rien moins que renversante. Vue de loin, la chanson a l’aspect d’un hymne religieux, elle en a la grandeur, la solennité, l’élévation, avec cette suite d’accords qui grimpe d’une façon incessante, se jouant des changements de tonalité, sans qu’on puisse repérer exactement d’où elle vient et où elle va. Cela dit, vers la 10^ème écoute, j’ai commencé à m’y retrouver dans ce labyrinthe, et je peux vous dire que le chemin qui mène vers le mot final (out) est d’une rigueur absolue, d’autant plus que ce « out » se poursuit par une note tenue par les chanteurs, et qui se prolonge pendant 3 minutes jusqu’à l’accord final !

Mais Tim écrit souvent suivant les règles modales, et l’apparente répétitivité mélodique est en fait d’une complexité inouïe, dont la maîtrise n’est pas à la portée du premier venu ! Il vous faudra beaucoup de temps avant de pouvoir chantonner correctement « Dirty Boy » sous la douche*… Cela n’a jamais empêché Cardiacs de reprendre « Dirty Boy » sur scène, et j’en profite pour vous dire que je connais peu de groupes dont les prestations scéniques se hissaient à ce niveau de qualité.

Je reviens sur le sens des paroles de « Dirty Boy », et je vous avais suggéré, ci-dessus, une sorte de pièce montée à caractère religieux, dont je vois qu’elle arrachait d’avance quelques bâillements à certains. En fait, pas du tout ; le thème de « Dirty Boy » est la branlette, ce qui est, vous l’avouerez, nettement plus sympathique.

Les œuvres complètes de Cardiacs sont téléchargeables sur Bandcamp, mais également, en partie sur Apple Music, et le site officiel Cardiacs.net réédite depuis quelques jours la majorité de la discographie. Pas un seul titre disponible sur Spotify. Pas un mot sur le groupe dans aucune des éditions du Dictionnaire du Rock de Michka Assayas ; rien dans la presse française, y compris spécialisée, lors de la mort de Tim. Je rappelle simplement qu’il s’agissait de l’un des plus grands compositeurs européens du XXème siècle. Je ne comprendrai jamais rien au monde dans lequel je vis.

*La plupart des chansons pop peuvent être accompagnées à la guitare en employant 4 ou 5 accords. Mais il faut utiliser 25 accords différents pour « Dirty Boy » !

L’un de mes films préférés de 1999 fut American Beauty de Sam Mendes, avec Kevin Spacey, Annette Bening, Mena Suvari… La bande originale du film comprenait cette chanson tirée du second album du groupe Gomez, Liquid Skin. Je ne sais plus si c’est cette bande originale*qui m’a amené à Gomez, ou autre chose, mais, en tout cas j’ai réécouté Liquid Skin ; je continue à bien aimer “We Haven’t Turned Around”, mais, pour le reste de l’album mon conseil c’est : on peut s’en passer…

Gomez était un quintet britannique d’où émergeait la voix particulière de Ben Ottewell. Ils ont sorti sept albums entre 1998 et 2011, puis Ben Ottewell a poursuivi une carrière solo que je n’ai pas jugée très bouleversante.

Mais “We Haven’t Turned Around” est une chanson qui tient le coup, et elle mérite de figurer dans ce blog, sans pour autant que je me creuse la tête pour ajouter des commentaires superflus.

https://www.youtube.com/watch?v=RRFFfsF9Pe4

*Bande originale excellemment composée puisqu’on y trouvait également Elliott Smith, Free, Eels, The Who, etc.

J’ai eu l’occasion, dans ce blog, de faire un survol assez complet de la carrière de l’Anglais Ben Christophers*, et je vais terminer par le commencement, puisque My Beautiful Demon est le titre du premier album de Ben, produit par David Kosten (qui fait également de la musique sous le nom de Faultline).

La chanson éponyme, qui ouvre l’album, est l’une des plus connues de Ben ; c’est la fameuse chanson-préférée-de-Françoise-Hardy, et il en existe une version en duo, Ben et Françoise, parue sur un album de la Française. Il faut dire que, pour un coup d’essai, il s’agit d’un coup de maître, tant ce titre est réussi ; l’instrumentation, les arrangements et la production, et, par-dessus tout, la voix de Ben, installent une atmosphère très personnelle, et d’une grande maturité, pour un premier disque.

Les critiques que j’ai pu lire ont cité diverses influences (Thom Yorke, Jeff Buckley, The Blue Nile), mais je préfère retenir les deux artistes dont Ben se revendique : Talk Talk et David Sylvian, qui me semblent, en effet, bien plus proches de l’esprit de Christophers.

“My Beautiful Demon” fait cohabiter la guitare de Ben avec un violoncelle, et surtout avec des claviers électroniques qui sculptent une matière sonore faite de grésillements et de crachotements, une électronique féline, douce et qui sait ronronner, mais capable également de griffer. À l’arrière-plan, une voix féminine et un échantillon (sample) tiré du volume 2 du Mystère Des Voix Bulgares.

Très bien, très chic, et le reste de l’album vient confirmer le talent de ce jeune homme dont je rappelle tout de même que la carrière s’est interrompue après la sortie de son cinquième album, en 2010, pour cause d’insuccès chronique. Il met maintenant son talent au service d’autres artistes.

*Voir mes chroniques de “Martian”, River Song” et “The Stream”.

Il y a, tout d’abord, la magie de la voix de Karen Peris, dont j’avais dit quelques mots dans une chronique passée. *

The Innocence Mission, c’est Karen, qui compose la plupart des chansons, son mari et guitariste Don Peris, et le bassiste Mike Bitts. Je ne connais pas l’intégralité de la dizaine d’albums qu’ils ont sortis depuis 30 ans, mais mon attention a été attirée sur leur production du XXème siècle par la reprise de “The Lakes Of Canada” qu’en a faite Sufjan Stevens (qui d’autre !) en 2007.

J’étais donc aussitôt parti à la recherche de la version originale qu’on trouve sur le quatrième album de The Innocence Mission, Birds Of My Neighborhood, et, sauf si l’on souffre d’une grave addiction à la voix de Karen, tout n’est pas inoubliable chez The Innocence Mission ; mais pour cet album, et les trois précédents, vous pouvez y aller les yeux fermés !

Les paroles de “The Lakes Of Canada” me semblent assez obscures, et c’est peut-être en rapport avec la profonde foi catholique des Peris, mais, quoi qu’il en soit, il s’agit de l’une des plus belles mélodies de Karen.

*Voir “One For Sorrow, Two For Joy”

Cette année-là, le monde appartenait aux Chemical Brothers, le duo électronique londonien formé par Tom Rowlands et Ed Simons. Pensez-donc ; double disque de platine en Grande-Bretagne. C’est plutôt mérité, parce que Surrender, leur 3ème album, est aussi leur meilleur, celui dans lequel ils se détachent en grande partie du “big beat” qu’on trouvait, par exemple sur leur précédent, Dig Your Own Hole, pour aller vers une musique moins sombre, plus electronica et “acid house”. Il y a plus de chœurs et d’instruments rock, plus de “samples”, plus d’invités, et donc beaucoup d’atmosphères différentes, au point que le terme “psychédélique” a pu être accolé à ce disque.

Quant au morceau que j’ai choisi, vous le connaissez, bien évidemment, car, en 1999, mais également en 2002, vous n’avez pas pu passer à côté de cette publicité pour Air France, réalisée par Michel Gondry, où l’on voyait un minuscule avion atterrir sur un disque 33-t vinyle, et la voix qui chantait sur cette musique des Chemical Brothers ─ à partir d’un “sample” emprunté à Brian Eno ─ reste dans toutes les mémoires, parce que c’est celle d’Hope Sandoval, qui faisait partie de Mazzy Star*. Et “Asleep From Day” est particulièrement bien choisie, parce que la voix d’Hope Sandoval est l’une des rares qui vous permette de voyager tout en restant immobile.

*voir ma chronique de “Into Dust”

Il n’y a pas que les Beatles à Liverpool ! Au début des années 80, Michael Head, auteur-compositeur surdoué forma The Pale Fountains, lesquels sortirent deux très beaux disques, avant de se perdre dans la poudre blanche. Michael en réchappa, et forma Shack, avec son jeune frère John, à la guitare électrique. Il reste de cette épopée quelques albums dont le succès fut inversement proportionnel à la qualité, comme il se doit.

Le 3ème album, H.M.S. Fable, est un peu inégal mais est quand même considéré comme l’un des meilleurs albums parus en 1999. Il contient “Streets Of Kenny”, une chanson qui aborde frontalement, un peu comme le “I’m Waiting For My Man” du Velvet Underground, la question de la recherche de la drogue, du manque, de l’addiction. Et c’est magnifique !

J’ai suivi le début de la carrière d’Archive, et, un jour (probablement après avoir écouté un album un peu moins satisfaisant), j’ai cessé de m’y intéresser. Mais lorsqu’on est un amateur, même passionné, il est impossible de suivre toute l’actualité et il m’est arrivé de m’apercevoir, à certains moments, que j’aurais pu suivre des pistes plus pertinentes que celles que j’avais choisies.

En tout cas, en cette fin de siècle, Archive me semblait digne d’intérêt. Je réécoute. Ces sons, qui n’ont que vingt ans d’âge me semblent plus anciens que d’autres, écoutés récemment, qui pourraient en afficher le double ! Ce n’est pas un très bon point. Mais j’avais dû être séduit par le contraste, plutôt bien réalisé entre les sons électroniques un peu dissonants de l’accompagnement musical et la voix féminine, toute en retenue.

Take My Head, qui s’ouvre par cette chanson, est le deuxième album de ce quatuor londonien, mené par Darius Keeler et Daniel Griffiths. La chanteuse, Suzanne Wooder, n’apparaît, à ma connaissance que dans cet album. Il faut dire que le premier album, Londinium était vraiment très bien, dans le genre trip-hop, à la mode, à cette époque, et, qu’au dire des spécialistes d’Archive, Take My Head, avec son électrorock assez daté, serait le moins bon. Tant pis pour moi, parce que je ne connais pas la suite, qui, paraît-il, est vraiment digne d’être écoutée.

On dit que l’une des pires choses qui puissent arriver à un artiste, dans ce domaine, est de rater son deuxième album. En voilà une évidente démonstration.

Cosmic Rough Riders est un groupe écossais auquel j’ai déjà consacré quatre chroniques, une pour leur dernier album, The Stars Look Different From Down Here (2006), et trois pour leur plus grande réussite Too Close To See Far. (2003).

Cependant, si l’on remonte jusqu’au siècle dernier, avec leur premier album, autoproduit, Deliverance, le groupe était mené par Daniel Wylie, guitariste, chanteur principal, et surtout, auteur-compositeur de quasiment toutes les chansons. Wylie décida de quitter le groupe en 2002, et Stephen Fleming se retrouva en charge à la fois de l’écriture des chansons, et du chant principal. Il s’en acquitta avec un talent que je ne crains pas de juger supérieur à celui de Wylie.

Écoutez donc ce charmant “New Day Dawning”, jolie mélodie, chant, claviers, guitare et chœurs. Cependant, je trouve que la voix de Daniel Wylie, dans son falsetto un peu limité, n’est pas à la hauteur de ses talents d’écriture. Et c’est son départ qui a permis l’émergence d’une réussite aussi imposante que Too Close To See Far. Un groupe n’est pas que l’addition d’individus plus ou moins talentueux. Il faut parfois savoir également faire des soustractions.

C’est toujours cet essentiel Whereabouts*qui nous fournit un autre air remarquable, “Riverbed”. Et pourtant, comme avec la plupart des compositions de Ron, on a l’impression que cette chanson a toujours existé, tant sa mélodie coule comme une eau pure. Des violons, et un banjo, parfaitement intégrés à l’ensemble viennent nous rappeler la maîtrise de Mitchell Froom et Tchad Blake lorsqu’il s’agit de construire un son. On pourra objecter que Ron n’est sans doute pas le plus grand parolier qui existe, ni, bien sûr, le plus grand chanteur, mais qui pourrait, comme lui, aligner sur le même disque une douzaine de chansons, dont aucune ne démérite ?

Quand Whereabouts, son 3ème album, est sorti, il avait 35 ans, et malgré la reconnaissance de ses pairs, était inconnu du grand public. Il a, aujourd’hui, 55 ans ; son 15ème album est sorti, je crois, il y a 2 ans, mais Ron Sexsmith reste toujours un parfait inconnu, pour le grand public.

*Voir mes chroniques “In A Flash” et “Still Time”.

Ce Whereabouts est décidément inépuisable* ! Il est vrai qu’il est sorti à une période de ma vie au cours de laquelle je roucoulais beaucoup dans les bras de ma fiancée. C’était la bande sonore idéale pour ce genre de situation** !

Cela dit, si vous vous reportez aux paroles de cette chanson, elle n’évoque rien moins que la disparition brutale de quelqu’un, et j’ai lu quelque part que Ron l’avait écrite en hommage à Jeff Buckley***.

Une mélodie pure et simple, une orchestration qui ne laisse aucune place au superflu, la production discrète et si juste de Blake et Froom, il n’en faut pas plus pour créer une chanson inoubliable… que peu de gens connaissent. Raison de plus pour dire à quel point “In A Flash” a su toucher le cœur de ceux qui ont croisé sa route. J’espère que vous ferez partie de ceux-là.

*Voir “Still Time”.

**Tout comme le Roy Orbison que j’évoque également cette semaine !

***le 29 mai 1997, comme vous le savez, depuis que vous lisez mon blog.

“Still Time” ouvre le troisième album de l’un de nos Canadiens préférés, le très réussi Whereabouts. La réussite de cet album tient à deux facteurs essentiels, d’une part la facilité mélodique étourdissante de Ron, d’autre part la production riche mais limpide de Mitchell Froom et Tchad Blake.

Vous aviez peut-être le souvenir, avec les albums Ron Sexsmith ou Other Songs d’un Ron assez ancré dans le folk. Ce Ron-là n’a certes pas disparu, mais est complété, voire recouvert par un Ron crooner. Oh ! ce n’est pas Frank Sinatra, car la voix de Ron, quoique parfaitement agile et timbrée ne joue pas dans cette cour-là, mais c’est une voix tout de même susceptible de vous donner des frissons.

On entend un cor anglais (english horn) *, et on ne s’étonne plus que des gens comme Elvis Costello ou Paul McCartney considèrent Ron Sexsmith comme l’un de leurs pairs.

*Ce qui a fait écrire à un critique, soucieux d’étaler sa grande culture musicale : «…un cor, comme dans le “For No One” des Beatles…» Jeune homme, vous me copierez 100 fois “je ne confondrai plus le cor d’harmonie” (french horn) ─ qu’on entend, effectivement, dans “For No One” ─ avec le cor anglais (english horn) ─ qui ressemble plus à un gros hautbois ─.

Cette année-là, j’ai été l’un des dix millions d’acquéreurs du cd de Moby, Play. Je m’en souviens comme d’un bon album d’électro, bâti à partir de nombreux “samples”, mais je dois vous avouer que, contrairement à mon habitude, je n’ai pas réécouté l’intégralité de Play, me focalisant sur ce très singulier “My Weakness”.

Moby est le nom qu’a choisi Richard Melville Hall, arrière-petit-neveu d’Herman Melville, d’où son nom d’artiste, évidemment.

Le morceau commence par un “sample”, dont Moby, lui-même, ne savait pas très bien d’où il sortait, «probablement un chant africain» disait-il. Grossière erreur, cher ami ! Il existe dans l’archipel de Nouvelle-Calédonie une petite île (10 km₂, 150 habitants) appelée Tiga. Au cours des années 80, des ethnologues sont allés enregistrer sur place un chant traditionnel, “Nyine u a tero”, lequel s’est retrouvé sur le disque de Moby. Les insulaires n’ont pas été très contents, et auraient au moins voulu que ce “sample” soit documenté avec précision sur la pochette du disque, ce en quoi on ne peut leur donner tort.

Ce très beau chant est bientôt recouvert par une nappe orchestrale en boucle, pseudo-debussyenne, et un piano, utilisé rythmiquement. La fin du morceau voit la résurgence du seul chant de la Mer de Corail. Les deux fragments sonores fonctionnent plutôt bien ensemble, et je crois bien que “My Weakness” a été utilisé lors d’un épisode de la série télévisée X-Files. Très agréable. Comme quoi, on peut faire beaucoup d’effet avec peu de choses.