Jamais aucun succès pour les V.I.P.s. Celui-ci ─ qui restera modeste ─ n’adviendra que lorsque le groupe prendra le nom de Spooky Tooth, et c’est une histoire dont je vous dirai un mot, ultérieurement.

Ils venaient tous de Carlisle, pas loin de la frontière écossaise, et signent en 1964 un contrat avec le manager des Kinks, avant de décider d’aller chercher le succès à Londres, ou à un certain moment au Star Club de Hambourg, rendu célèbre par les Beatles.

C’est en 1966 que les choses commencent à bouger, au moment où le groupe signe un contrat avec Island Records et son patron, Chris Blackwell, et où arrivent deux membres essentiels, le guitariste Luther Grosvenor, en remplacement des guitaristes Jimmy Henshaw et Frank Kenyon, et le batteur Mike Kellie, sans même parler de Keith Emerson qui passa quelques mois avec eux avant d’aller fonder The Nice.

Le producteur Guy Stevens leur fait reprendre une chanson de Joe Tex, “I Wanna Be Free”, et, par miracle, le petit Français que j’étais eut la chance de voir paraître dans son pays, un mémorable EP comprenant, outre “I Wanna Be Free” et “Don’t Let It Go”, le fabuleux “Smokestack Lightning”.

Lorsque Jimi Hendrix débarqua à Londres en compagnie de Chas Chandler, le premier “bœuf” qu’il fit, ce fut en compagnie des V. I. P. s., mais ceux-ci déclinèrent l’offre de devenir l’orchestre de Jimi, et Noel et Mitch furent recrutés par Jimi.

Il y avait deux autres membres des V.I.P.s : le fondateur, Mike Harrison et le bassiste Greg Ridley. L’insuccès persistant fit que le groupe changea de nom et de style, pour s’appeler Art*, et verser dans le psychédélisme, puis, après avoir recruté un chanteur et claviériste américain, Gary Wright, changea une nouvelle fois de nom pour devenir Spooky Tooth.

Pourquoi s’attarder sur cette chanson inconnue d’un groupe inconnu ? Pour une simple raison qui vous paraîtra évidente quand vous entendrez “I Wanna Be Free” : la voix véritablement exceptionnelle de Mike Harrison, tout à fait au niveau des plus grands “blues shouters” de l’époque, des britanniques blancs qui avaient pour nom Eric Burdon, Paul Rodgers, Steve Winwood**, Terry Reid, Joe Cocker, Rod Stewart ou Robert Plant, et j’en oublie. Mais quand vous aurez entendu Mike Harrison, vous ne l’oublierez plus***.

Mes lecteurs attentifs auront remarqué que je reviens vers un titre de l’année 1966. Je l’avais omis de mon programme, car je n’en avais pas, jusqu’à hier, la disponibilité.

*Un album, Supernatural Fairy Tales, pas mal du tout d’ailleurs.

**On dit que c’est Steve Winwood qui joue de la guitare sur “I Wanna Be Free”, mais je vous donne cette information sous réserve de confirmation.

***Depuis l’écriture de cette chronique, j’ai appris le décès de Mike Harrison, le 25 mars 2018.

Le choc. La déflagration. Le bouleversement. Il faut essayer de se représenter ce qu’a été pour le jeune amateur de musique rythmée que j’étais à cette époque, l’irruption de “Hey Joe”, dans ma vie. Désormais, rien d’autre n’existait que cet Américain ramené à Londres dans les bagages de Chas Chandler, bassiste des Animals, et enregistrant, le 23 octobre 1966 dans les studios De Lane Lea, cette chanson piquée à Tim Rose, mais composée au début des 60’s par un illustre inconnu. Pour ceux qui aiment les anecdotes, Noel Redding jouait de la basse sur la Gibson de Chas, et les chœurs étaient assurés par trois filles, les Breakaways.

Le son inouï de la Stratocaster, qui ouvre, la batterie de Mitch Mitchell, très jazzy, la voix de Jimi, son chorus dont on nous disait qu’il le jouait avec les dents. Révolution. Mais je ne vais pas en dire beaucoup plus, vous avez, comme moi, écouté “Hey Joe” trois millions de fois, et c’est un soleil qui brille encore.

J’avais raté le premier concert de l’Experience, à Paris, mais j’étais bel et bien au parterre de l’Olympia, ce 9 octobre 1967. Le mur de Marshall derrière Jimi et Noel ; Mitch, au centre. Jimi, pantalon bleu, chemise rouge, Strat blanche. Ils commencent avec “Stone Free”, et tout de suite après, “Hey Joe”…

Cinq mois avant que les Beatles ne mettent sur le marché “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, objet, un demi-siècle plus tard, d’une admiration, certes méritée, mais parfois exagérée, un petit groupe américain de New York a sorti cette chanson qui ne ressemblait à rien de ce qui existait alors dans la pop*.
Il faut dire que Michael Brown, le compositeur de cette exquise miniature n’avait d’yeux que pour la petite amie de Tom Finn, son bassiste, l’adorable Renée Fladen, au point de ne pas pouvoir jouer de son piano lorsque Renée apparaissait ! On ne s’étonnera pas trop que Michael ait quitté le groupe peu de temps après ! La chanson est chantée par Steve Martin Caro, qui arrivait tout droit de Madrid, et le batteur s’appelait George Cameron.
“Pretty Ballerina” est une merveille de sophistication fragile, une porcelaine transparente ; la partie instrumentale fait intervenir un quatuor à cordes et un hautbois. Grâces en soient rendues au papa de Michael Brown, Harry Lookofsky, musicien, propriétaire du studio d’enregistrement, et tout indiqué pour devenir le producteur du groupe du fiston.
Je dois dire qu’en 1966, à Paris, personne n’a entendu parler de The Left Banke, et j’ai découvert le groupe à la faveur de la parution, en 1992, de la compilation “There’s Gonna Be A Storm”. C’est ainsi que je suis en mesure de vous dire que la très jolie Renée a également inspiré à ce pauvre Michael la très connue “Walk Away, Renée”, ainsi que “She May Call You Up Tonight”. Je vous reparlerai de The Left Banke.

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*Alors que la plupart des chansons pop de l’époque étaient écrites dans les modes majeur et mineur, “Pretty Ballerina” mêle savamment les modes lydien et mixolydien…

Ne croyez pas que les Easybeats sont le groupe d’une seule chanson, parce que, à cette époque, ils étaient, en Australie, presque aussi célèbres que les Beatles.

C’est d’ailleurs cette célébrité qui leur a permis de venir à Londres en 1966, et d’enregistrer à Abbey Road, sous la direction de Shel Talmy, cet immarcescible hymne mod, “Friday On My Mind”. The Easybeats voulaient prendre la place des Small Faces.

La première fois que Paul Mc Cartney a entendu cette chanson, dans sa voiture, il s’est arrêté pour demander à la BBC de la passer plus souvent ; ce qu’ils ont fait.

Ce n’est donc pas pour rien que “Friday On My Mind”, composée par Vanda et Young, a été votée “Meilleure Chanson Australienne de tous les temps”*. Tous les Australiens vous la chantent par cœur, c’est une sorte d’hymne national.

Il est également important de noter que tous les musiciens des Easybeats étaient des immigrés de fraîche date ; Harry Vanda, le guitariste soliste venait de Hollande, de même que Dick Diamonde, le bassiste. Gordon Fleet, le batteur, tout comme Stevie Wright, le mignon chanteur, venaient d’Angleterre. Quant à George Young, le frère aîné de deux futurs musiciens de AC/DC, guitariste rythmique, il arrivait d’Écosse**.

Le crash sur les cymbales pour vous réveiller et c’est parti avec cette introduction urgente et universellement connue à la guitare.

Monday morning feels so bad

Everybody seems to nag me

On est en 1966 ! L’humanité somnole encore dans la prospérité qui a suivi la Deuxième Guerre Mondiale, enfin, disons que personne n’est encore prêt à entendre la voix des pauvres et des opprimés. Les chansons parlent d’amour et de soleil qui brille.

Et là, le malaise. Je veux dire le malaise social, le malaise de ceux qui bossent toute la semaine et qui attendent le Vendredi, lequel Vendredi n’est pas un jour de la semaine, mais un état d’esprit.

“Friday On My Mind” est la première grande chanson de frustration et de colère sociales.

I’m gonna have fun in my city

Be with my girl, she’s so pretty

She looks fine tonight

She is out of sight to me

C’est ni plus ni moins le quotidien des travailleurs, des prolétaires, des gens qui ont l’impression de perdre leur vie à essayer de la gagner, des immigrés pas encore bien intégrés à la société qui les accueille, comme je le notais ci-dessus, que le texte de la chanson évoque.

No one, nothing else that bugs me

More than workin’ for the rich man

Vanda et Young l’écrivent clairement : le travail n’est fait que pour le profit de “l’homme riche”.

Tonight, I’ll spend my bread

Tonight, I’ll lose my head

Tonight, I’ve got to get tonight

Monday, I have Friday on my mind

Ce “Tonight”, cri de libération, de victoire, pris dans une magnifique spirale musicale ascensionnelle ! Cinquante ans plus tard, il est d’une actualité aussi brûlante. Et c’est la raison pour laquelle, outre la version définitive des Easybeats, je vous invite à écouter et regarder la reprise qu’en donne Bruce Springsteen, sur scène, à Sidney, évidemment.

Bruce ne sourit pas en chantant “Friday…”, son visage est fermé, il serre les poings, il veut simplement faire passer le sentiment qui a nourri la naissance de cet hymne immortel : la frustration et la colère face à l’exploitation de l’homme par l’homme.

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*Oui ! Devant AC/DC et Midnight Oil.

**On vient d’apprendre le décès de George Young, le 22 octobre 2017, à l’âge de 70 ans.

Qui l’eût cru ? “Try A Little Tenderness” est une reprise. Un truc sirupeux des années 30 ; aucun intérêt. Aretha Franklin l’a chantée avant Otis. Oublié. Sam Cooke, aussi, mais là c’est important parce que Cooke était l’idole d’Otis, et il y a un lien de parenté entre les deux versions. Sam Cooke a beau être le père spirituel de tous les chanteurs de “soul”, la version d’Otis a effacé toutes les autres.

Et pourtant Otis ne voulait pas chanter TALT. Sous la pression de sa maison de disques (Stax/Volt, faut-il le rappeler), il décide d’enregistrer une version tellement geignarde qu’il est certain qu’elle sera refusée par les patrons. Raté ! Il s’agit de la version qui sera incluse dans ce qui sera le dernier album enregistré par Otis, et sorti de son vivant. Le titre complet est : “Complete & Unbelievable : The Otis Redding Dictionary Of Soul”. Il existe aussi une version “single”, un peu raccourcie.

“Dictionary Of Soul” est un album évidemment indispensable, avec beaucoup de reprises*, car c’était l’époque pendant laquelle Otis tentait le “crossover”, c’est à dire le fait, pour un musicien Noir de se faire accepter par le grand public Blanc. Il va réussir son coup au Festival de Monterey, au cours duquel, justement, il chantera TALT, mais, à ce moment-là, il ne sait pas qu’il lui reste 6 mois à vivre.

Les Memphis Horns, la section de vents d’Otis ouvre la chanson avec une phrase un peu pompeuse. Arrivent alors l’orgue de Booker T. Jones, le piano d’Isaac Hayes, responsable des arrangements, la basse de Duck Dunn et la suprême guitare de Steve Cropper. Otis donne à la population mâle qui l’écoute les indispensables conseils pour continuer à être aimé par les femmes qui partagent leur vie : “Essaie un peu de tendresse”…

Et puis le deuxième couplet commence, et curieusement, Al Jackson se met à taper tous les temps sur le rebord de sa caisse claire. Et puis, ça monte ; ce qui était un lac calme devient une mer bouillonnante. Tous les instruments haussent le ton, la sueur se met à couler ; et Otis qui relance, comme un prêcheur visité par l’Esprit Saint. On espère que ça ne s’arrêtera jamais, et, sur scène, ça pouvait se passer comme ça. Allez voir les différents enregistrements publics de TALT**, et en particulier celui de Monterey. Otis Redding éternellement vivant.

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*Certains disent que sa version de “Day Tripper” fait pâlir celle des Beatles…

**dont un réalisé la veille du crash de l’avion.

Moi, personnellement, j’adore cette chanson ! Mais sortie en single en septembre, le succès fut, pour le moins, mitigé. Il faut dire que c’était à prévoir : dans quel monde un hit-single commence et finit-il par un feedback de guitare ? Le mixage est un vrai fouillis. Quant à la pochette !…Les Stones déguisés en infirmières de la Deuxième Guerre Mondiale, Brian prenant une pose ouvertement sexuelle, et Bill, en fauteuil roulant ; c’est surtout ça qui n’a pas plu. Pour toutes ces raisons, le titre n’a pas beaucoup été joué en public, le Ed Sullivan Show, et puis le concert du 7 octobre 1966 au Colston Hall de Bristol qu’on trouve sur “Got Live If You Want It”.

Que dire d’autre ? Jack Nitszche est au piano, et pour la première fois dans une chanson des Stones, il y a des trompettes, arrangées par Mike Leander. Quant au sens des paroles, je n’ai toujours pas compris de quoi il s’agissait. Pas grave. Les Stones faisaient n’importe quoi, et c’était exactement ce qu’on attendait d’eux…

En 1966, Norman Whitfield* avait commencé à produire les Temptations, en s’éloignant du son moelleux que concoctait jusque là Smokey Robinson ; l’inflexion s’était faite avec “Ain’t Too Proud To Beg”, et s’affirmait avec “I’m Losing You”. Les Funk Brothers jouaient comme s’il s’agissait de James Brown ; le riff de guitare qu’on doit à Cornelius Grant, est plus rock, les cuivres sont plus acérés.
Eddie Kendricks, Paul Williams, Melvin Franklin et Otis Williams créent le background vocal parfait sur lequel la voix rauque de David Ruffin vient constater que sa petite amie a un autre homme en tête, et qu’il est en train de la perdre.
La chanson fut incluse sur l’album “With A Lot O’ Soul”.
Regardez les vidéos des Temptations, à cette époque, la perfection des voix, des chorégraphies. Seuls les Noirs savaient faire ça ; et les Blancs tentaient de les imiter, mais ça restait assez pathétique, et de toutes façons, du fait de la ségrégation, le public blanc ne s’intéressait pas aux productions Motown qui ne touchaient que le public noir. Le changement des mentalités allait prendre du temps.

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*La chanson est co-écrite par Whitfield, Cornelius Grant et Eddie Holland.

The Yardbirds ! Le groupe-matrice. Le groupe des trois guitar-heroes. Le groupe qui a enfanté Led Zeppelin, lequel s’est appelé pendant un temps les New Yardbirds.

À cette époque, les Yardbirds venaient d’enregistrer l’album “Roger The Engineer”. Paul Samwell-Smith partait, remplacé par Jimmy Page. Chris Dreja acceptait d’endosser le rôle de bassiste pour permettre à Page de continuer à utiliser sa Telecaster, instrument que jouait également Jeff Beck. Keith Relf chantait comme s’il s’agissait d’un chant grégorien et Jim Mc Carty tapait sur les peaux de sa batterie.

Et c’est donc cette formation qui enregistra seulement trois titres, mais trois titres qui les firent entrer dans la légende.

En particulier cette tuerie qui s’appelle “Happenings Ten Years Time Ago”. Précisons tout d’abord que, pour la séance d’enregistrement, le sympathique Chris Dréja fut prié de laisser les 4 cordes entre les mains de John Paul Jones. Et les deux Telecaster de croiser le fer, avec dans le rôle du pyromane, Jeff Beck. C’est sans doute pour cette raison qu’il choisit de commencer son chorus par ce pin-pon démoniaque, chorus d’ailleurs totalement parasité par des voix et des rires, comme si les doigts de Jimmy et de Jeff avaient entrouvert les portes de l’enfer. Il fallait au moins ça pour mériter l’étiquette “psychédélique” qui ne manqua pas d’être appliquée à ce brûlot.

Encore un souvenir personnel : j’étais, le 20 juin 1965, au Palais des Sports de Paris, pour l’un des concerts des Beatles, mais je me souviens parfaitement de la première partie, qui était assurée par les Yardbirds, lesquels firent un show époustouflant, devant un public un peu décontenancé. La lead guitar était entre les mains de Jeff Beck. Quelle belle époque !

Au moment d’enregistrer leur 3ème album, “Parsley, Sage, Rosemary And Thyme”, les choses avaient beaucoup changé pour Paul Simon et Art Garfunkel pour la simple et bonne raison qu’ils avaient eu un “hit”. Plus de temps, plus d’argent, plus de réflexion, en amont, ça donne un vrai album, et non pas seulement quelques bonnes chansons avec du remplissage, à côté.

Cependant tout le monde s’accorde à dire que le joyau de cet album, c’est “Scarborough Fair”, qui, évidemment, n’est pas une composition de Paul Simon.

Ce dernier, lorsqu’il était en Angleterre, avait eu connaissance de la version enregistrée en 1965 par Martin Carthy, mais il faut savoir que l’origine de “Scarborough Fair” se perd dans la nuit des temps, sans doute sous la forme d’une ballade écossaise médiévale. Celle-ci est entrée dans le patrimoine anglais au XVIIème siècle, et la chanson est restée très populaire jusqu’au XIXème siècle.

Pour en revenir à Martin Carthy, celui-ci en a beaucoup voulu au duo américain de lui “emprunter” purement et simplement les arrangements de la chanson, sans le signaler d’aucune façon sur la pochette de leur disque. Le contentieux se règlera, comme d’habitude, avec de l’argent, et avec l’invitation de Paul Simon à Martin Carthy de venir chanter “Scarborough Fair”, sur scène, avec lui, lors d’un concert à Londres.

La chanson est une dentelle diaphane, portée par la voix d’Artie, et les arpèges d’une guitare. Au moment même où je me demande pour quelle raison on a dit que “Scarborough Fair” était une chanson psychédélique, arrivent un xylophone, puis un clavecin, la basse, puis la voix de P. Simon ; ça se complique à chaque seconde, les harmonies vocales se tarabiscotent. La dentelle diaphane s’est transformée en une mousse légère. Le goût exquis de nos deux artistes fait que cette richesse instrumentale ne donne aucune impression de lourdeur, et c’est, bien sûr, ce qui en fait la qualité. Grâce à Simon et Garfunkel, cette chanson venue du fond des âges continuera à enchanter des générations d’auditeurs.

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*Voir ma chronique de “The Sounds Of Silence“

Le 7 février 1966, Brian Wilson commença à travailler sur cette chanson proprement miraculeuse qui allait devenir “Good Vibrations”.

Influencé par le travail de production de Phil Spector, piqué au vif par la réussite des Beatles, qui venaient de sortir “Rubber Soul”, déçu par la réception tiède faite à “Pet Sounds”*, Brian se mit en tête d’écrire et de réaliser une “symphonie de poche”. Les paroles sont dues à l’infâme Mike Love, qui décida d’en faire un hymne “flower power”.

Brian accumula, dans quatre studios différents, vingt-deux sessions d’enregistrement, en compagnie de musiciens professionnels, connus aujourd’hui sous le nom de “The Wrecking Crew”. Il y avait, par exemple Hal Blaine à la batterie, Carol Kaye à la basse**, un clavecin, un orgue Hammond, un violoncelle, une flute, un harmonica, et Paul Tanner qui jouait un Électro-Theremin de son invention.

Quant aux Beach Boys eux-mêmes, on reconnaît le baryton de Mike Love dans les refrains, mais la voix soliste principale est celle de Carl Wilson. Brian est responsable de certaines harmonies vocales, et Dennis ajoute, vers la fin de la chanson, quelques mesures d’orgue Hammond.

Ces sessions durèrent jusqu’en septembre et coûtèrent au bas mot $ 50,0000***, ce qui fit de “Good Vibrations”, le single le plus cher jamais produit. À la fin, Brian se retrouva à la tête de 90 heures de bandes magnétiques, qu’il se mit à découper et assembler comme s’il s’agissait d’un puzzle ou d’une mosaïque.

Pour ne pas trop alourdir mon propos, je renvoie ceux qui sont intéressés par l’analyse de la structure de “Good Vibrations” à l’article WikiPedia (en Anglais) très complet qui lui est consacré, et en particulier à ce qui est dû au théoricien de la musique Daniel Harrison.

Une autre façon de se repérer dans “Good Vibrations” est de le faire en découpant la chanson en 6 sections. Ainsi la section A, celle du début, commence par « I, I love the colorful clothes she wears » ; Carl (et, sans doute, Brian, qui double sa voix) chante, et les accords sont en mode mineur.

La section B commence par « I’m pickin’ up good vibrations » et passe en mode majeur, alors que la voix soliste devient celle de Mike Love. L’instrumentation fait intervenir l’Électro-Theremin et le violoncelle, et les chœurs prennent une importance considérable.

Le début du morceau est donc A-B-A-B (0.00-2.01).

Puis, on repère une section C « I don’t know where but she sends me there » (2.01-2.21) très psychédélique, et une section D «Gotta keep those lovin’ good vibrations a-happenin’ with her », très solennelle , avec les maracas, l’orgue d’église (2.22-2.57) et les voix qui se mettent au diapason, vite remplacées par l’harmonica.

Enfin, se place une section B’, assez semblable à la section B, sauf que les harmonies sont descendantes, une section E où les voix ne prononcent plus de mots, et sont simplement soutenues par le tambourin, et la section F finale où les vibrations se matérialisent par la réapparition de l’Électro-Theremin et du violoncelle. Pour résumer, la structure de “Good Vibrations” est A-B-A-B-C-D-B’-E-F.

Je veux bien admettre que la musique populaire ne mérite pas toujours d’être élevée à la dignité d’un Art, avec ce que cela implique de visée vers le Beau, mais, en ce qui me concerne je n’hésite pas un instant à accorder à “Good Vibrations”, l’une des plus célèbres et magnifiques chansons pop de tous les temps, le statut d’œuvre d’Art.

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* L’album ne sortira qu’à la mi-mai, et “Good Vibrations” sera édité en simple le 10 octobre 1966.

**Cependant, aucune des pistes qu’elle a enregistré ne figure sur le single ; celles-ci reviennent à Ray Pohlman.

***au moins $ 400,000, aujourd’hui.

Là on rentre dans ce que l’on appelle la “bubblegum music”, destinée aux filles de 10 à 14 ans.

Mais, en ce qui me concerne, “No Milk Today” est surtout une nouvelle preuve du génie de Graham Gouldman, sur le point de former 10cc. D’ailleurs, on trouve également “No Milk Today” sur un disque solo de Graham Gouldman enregistré en 1968.

Quoi qu’il en soit, “No Milk Today” a eu un succès mesuré quand il est sorti au Royaume-Uni en 1966, puis l’année suivante aux USA, ainsi que sur l’album des HH ‘There’s A Kind Of Hush All Over The World”.

Et pourtant, Peter Noone, le chanteur, originaire de Manchester, était mignon à croquer, n’est-ce-pas, les filles ?

Au cas où vous auriez la curiosité d’aller lire les paroles ─ il s’agit d’une assez triste histoire de rupture amoureuse ─ Peter chante : « The company was gay…..». Ne croyez pas, cher(e)s ami(e)s, que l’ensemble des personnes présentes aient été homosexuel(le)s ; ce serait un contresens total ! Mais notez, qu’en 1966, “gay” n’avait pas le même sens qu’aujourd’hui, et signifiait simplement… gai.

Pour l’enregistrement, Noone et Mickie Most, le producteur avaient demandé aux Hermits d’aller jouer au bac à sable voisin, et c’est pour cela qu’il y a une honorable section de cordes, arrangée par rien moins que John Paul Jones, qui tient aussi la basse.

Je crois savoir qu’à 60 ans passés, et un peu moins frais qu’en 1966, Peter Noone continuait à chanter “No Milk Today”. Rien d’original : une grande majorité d'”artistes” ayant eu un petit succès au XXème siècle viennent polluer le XXIème en supposant que la nostalgie est une valeur positive. Ce qui n’est pas le cas. 

Phil Spector avait besoin de relancer sa carrière de producteur, et il vint un jour, avec sa guitare, pour rencontrer le couple de compositeurs Jeff Barry et Ellie Greenwich. Cette réunion accoucha de “River Deep Mountain High”, et Spector sut tout de suite à qui proposer ce titre. Mais, il fallait, pour cela éloigner le mari, Ike Turner, dont les idées de production étaient à l’opposé de celles de Spector. Ce dernier n’hésita pas à donner à Ike une grosse somme d’argent, pour aller passer des vacances en Alaska, et c’est ainsi que Spector se retrouva en tête à tête avec Tina. Enfin, pas tout à fait en tête à tête, puisque Spector avait recruté une vingtaine de musiciens de studio, parmi les plus demandés de Los Angeles, ce qui fera de cette session d’enregistrement l’une des plus chères de l’époque.

Essayez d’écouter simplement la production, tout ce qui est derrière l’extraordinaire voix de Tina, le moins que l’on puisse dire, c’est que c’est…chargé !

Mais, bon, est-ce qu’on aimerait autant ce morceau sans ce gigantesque “mur de son” derrière Tina ?

Pauvre Tina ! Ce malade de Phil Spector lui fit recommencer sa prise vocale des dizaines de fois, tant et si bien qu’à la fin, elle se retrouva trempée de sueur et en soutien-gorge, devant son micro.

Et tout ça pour quoi ? L’album “River Deep Mountain High” se promena quelques semaines vers la 70ème place du “Billboard”, puis sortit du classement, même si l’Europe lui réserva un bien meilleur accueil. Phil Spector, dégoûté, se retira de la production discographique**.

Et en écrivant cette chronique, j’écoute en boucle ce chef-d’œuvre spectorien, la voix magique de Tina, que j’imagine dans la pénombre du studio d’enregistrement, seulement vêtue de ses sous-vêtements…

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*le 6ème album d’Ike & Tina Turner, la moitié des chansons produite par Ike, l’autre moitié par Phil.

**pour réapparaître quelques années plus tard avec le “Let It Be” des Beatles