“Clothes Of Sand” semble avoir été écrite pour Five Leaves Left, mais ne figure évidemment pas sur cet album. Le monde l’a découverte en 1986, avec sa première parution sur le disque bonus qui accompagnait le coffret Fruit Tree, Time Of No Reply.

Comme vous le savez déjà, elle figure également sur la compilation Made To Love Magic de 2004, et c’est sur ce support que je vous conseille de découvrir cette sublime lamentation, qui fait donc partie, je vous le rappelle, des premières chansons de Nick.

On reste ébahi devant la maturité  et la qualité de cette chanson. Nick avait 20 ans, et j’en connais beaucoup qui se damneraient pour pouvoir écrire “Clothes Of Sand” !

En tout cas, cela fait trois chansons* de Made To Love Magic que je chronique, ce qui me dispense de vous dire à quel point cette compilation est indispensable, après, bien sûr, que vous vous soyez procurés les trois albums de Nick Drake parus de son vivant.

*Voir mes chroniques de “Rider On The Wheel” et de “Black Eyed Dog”

Ce n’est pas la version du premier album de Jethro Tull, This Was,* qui illustrera cette chronique, mais bien celle enregistrée lors du fameux “Rolling Stones Rock n’ Roll Circus” du 11 décembre 1968, et jamais diffusé, à l’époque. Tiens, d’ailleurs, vous savez pourquoi ? On a dit que les Stones n’avaient pas aimé leur prestation. Pas du tout ; ils n’étaient ni pires, ni meilleurs que d’habitude (quoique Brian…)**, mais les Who leur ont carrément volé la vedette, ce qui n’étonnera personne.

À part Jethro Tull, les musiciens prévus étaient les Who, Taj Mahal, Marianne Faithfull, bien sûr les Stones (avec Nicky Hopkins), et un super-groupe baptisé The Dirty Mac, qui comprenait John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Keith Richards (à la basse) et Mitch Mitchell.

Sur This Was, le guitariste est encore Mick Abrahams, qui partira peu de temps après la sortie du disque pour fonder Blodwyn Pig, et ne vous inquiétez pas, c’est bien lui que vous entendez jouer de la guitare sur cette version. Il y a, bien sûr, Clive Bunker à la batterie et Glen Cornick à la basse ─ je pense que Glen était le meilleur bassiste que Jethro Tull ait jamais compté dans ses rangs ─ et à l’harmonica, mais ils miment leur prestation et ce sont les pistes instrumentales du disque que l’on entend. Le seul à jouer (de la flûte) et à chanter en direct, c’est Ian Anderson, et le moins qu’on puisse dire c’est qu’ils n’ont pas énormément de succès. Je vous rappelle que le public est essentiellement constitué par les adhérentes du fan-club des Stones, c’est-à-dire des jeunes filles pour lesquelles le blues de Jethro Tull est une énigme.

Mais avec tout ça, je ne vous ai pas dit qui était le guitariste que l’on voit mimer la partie de guitare d’Abrahams. Eh bien, c’est Tommy Iommi, en rupture de son groupe habituel, et avant de fonder Black Sabbath, et qui passera très peu de temps avec Jethro Tull, avant de laisser sa place à Martin Barre.

https://www.youtube.com/watch?v=zqDxL2oyl-Y

*Où la chanson s’appelle d’ailleurs, “A Song For Jeffrey”.

**Le pauvre Brian arrivait à peine à accorder sa guitare, et ce sera sa dernière apparition publique.

Si vous lisez régulièrement ce blog, le nom de Townes Van Zandt ne vous est pas inconnu*.

Et cette chanson est particulière car il s’agit de la toute première que Townes ait écrite , et qui est d’ailleurs parue sur son premier album, For The Sake Of The Song. Mais on la trouve aussi sur l’album Townes Van Zandt (1969), sur le Live At The Old Quarter, Houston, Texas, dont je vous ai déjà parlé, et sur l’album posthume, Far Cry From Dead.

D’abord il faut lire les paroles, car cette chanson est glaçante, et sans doute assez proche de la biographie de Van Zandt. Elle raconte tout, la route, la solitude, la douleur, la prison, la codéine, l’alcool, le jeu, les filles faciles, les parents terribles, toutes ces choses « plus faciles que de simplement attendre la mort dans son coin », tout ce qui conduira Townes à mourir à Nashville (Tenn.) le jour de l’An de l’année 1997. Et puis il y a sa voix, la voix d’un jeune homme déjà vieux et usé. C’est terrible, c’est ancré dans ce coin impossible des USA, et c’est universel, car ça parle à tous ceux pour lesquels la vie est trop difficile, c’est-à-dire beaucoup de monde.

Pour illustrer WATD, je vous ai mis un petit bout d’un documentaire qui s’appelle Heartworn Highway. On y voit la copine de Townes, Cindy, qui fait la vaisselle, et son vieux copain Seymour Washington qui écrase une larme en l’écoutant chanter. C’est pas du show-business, c’est la vraie vie de ces gens. Townes Van Zandt, qui était né dans une grande famille texane n’a pas choisi d’être chanteur, il ne pouvait pas faire autrement.

https://www.youtube.com/watch?v=vASFMouQwxE

*Voir ma chronique de “Kathleen”.

Rien ne peut me mettre plus en colère que lorsque j’entends, à propos de Procol Harum, «Ah, oui, A Whiter Shade Of Pale !». C’est comme si on disait, pour les Rolling Stones «Ah, oui, Satisfaction !», manière, pour moi, d’insister sur le fait que les deux groupes ont une importance musicale équivalente ─ je n’ai pas mentionné l’importance commerciale ou médiatique ─ et que l’absurdité est la même dans les deux cas.

En tout cas, cette chanson-titre du chef-d’œuvre qu’est Shine On Brightly, le deuxième album du groupe, s’impose par sa magnificence. Composée par Gary Brooker sur des paroles de Keith Reid, avec, comme précédemment, Denny Cordell à la production, chacun des musiciens brille par son excellence.

Le chorus de guitare de Robin Trower, sur deux notes, est d’une imparable intelligence ; la basse de Dave Knights joue un contrepoint qui va mettre encore plus en valeur les claviers, le piano de Brooker, et surtout l’orgue de Matthew Fisher, lequel se souvient bien de “A Whiter Shade Of Pale”. Et comment passer sous silence l’incroyable B. J. Wilson que je considère comme l’un des meilleurs batteurs de cette époque ? Quant à Gary Brooker, son timbre, la qualité de son chant le placent également parmi les plus grands.

“Shine On Brightly” fait partie de ces chansons sur lesquelles le temps n’a aucune prise, que je réécoute aujourd’hui aussi admiratif et bouleversé qu’il y a 50 ans.

Et sachez que tout l’album mériterait des louanges sans fin, puisque, comme je l’écrivais déjà en septembre 2016, aucun groupe de cette époque ne peut se vanter d’avoir aligné ses cinq premiers albums qui sont autant de chefs-d’œuvre. Vous savez ce qu’il vous reste à faire, les acheter tous les cinq.

https://youtu.be/c1XImxFEI-g

Au cours de cette belle année 1968, je ne m’intéressais nullement à Dusty Springfield. Elle n’était pas de ma génération (elle est née en 1939), et avait du succès en Angleterre, en chantant des adaptations un peu affadies des grands succès Motown, des standards de Broadway, une sorte de Peggy Lee britannique que je rangeais dans le grand fourre-tout de la variété, moi qui me farcissais la tête avec Jimi Hendrix, les Rolling Stones, ceux qui me lisent savent très bien de quoi je parle.

Il m’a donc fallu mûrir, évoluer, m’ouvrir à d’autres musiques, il a fallu que Dusty Springfield succombe à un cancer en 1999, pour que je tombe sous le charme de la reprise qu’elle avait faite de la chanson de Randy Newman, “I Think It’s Gonna Rain Today”.

Pourquoi elle ? ITIGRT a été reprise par des dizaines et des dizaines d’artistes parmi lesquels je distinguerais en priorité Nina Simone, Barbra Streisand et Judy Collins. Mais, pour moi, la version parue sur Dusty…Definitely les surpasse toutes.

Il y a dans la voix de Dusty, dans ce mezzo-soprano qui en fait l’une des plus grandes chanteuses anglaises, dans ce timbre légèrement voilé, une sensualité, un pouvoir de séduction, je dirais même une puissance d’envoûtement qu’on ne retrouve chez personne d’autre. Dusty Springfield avait une voix qui donnait des frissons, une dangereuse voix de sirène ; écoutez les trois autres chanteuses citées ci-dessus ; ─ les chanteurs ne valent rien, là-dedans ─ Barbra, Nina ou Judy chantent mieux, mais Dusty est la seule qui chante comme si vous étiez en tête-à-tête avec elle. Et c’est pour cela qu’on est amoureux de Dusty*.

*Ça marche aussi pour les filles, puisque Dusty Springfield était gay.

On dit de cette chanson que c’est la reprise la plus extraordinaire de toute l’histoire de la pop, surpassant sans peine la version de son créateur.

Le créateur en question c’est Bob Dylan, se remettant, à Woodstock, de son accident de moto de juillet 1966, en écrivant les chansons de son disque John Wesley Harding.

En tout cas, Jimi entend la chanson, à Londres, pendant une “party”, et annonce immédiatement qu’il veut l’enregistrer.

Les premières sessions ont lieu à l’Olympic Studios de Londres, avec, évidemment, Eddie Kramer comme ingénieur. Chas Chandler produit. Au début, c’est un morceau acoustique. Jimi joue sur une 6-cordes acoustique, Mitch Mitchell est à la batterie, et Dave Mason, en rupture de Traffic, complète le trio avec une 12-cordes acoustique. Quant à Noel Redding, il boude au café d’en face, ce qui fait que les premières prises ne comportent pas de basse. Mason tiendra ensuite la basse, après être venu à bout, non sans mal, de sa partie de 12-cordes. On verra s’échouer dans le studio le Rolling Stone Brian Jones, devenu à peu près incapable de faire quoi que ce soit. Il essaiera, en vain, de jouer du piano, et réussira seulement à utiliser un vibraslap (qu’on entend au début du morceau) avant de s’endormir sur la moquette.

Le mix réalisé sur le 4-pistes londonien par Kramer et Chandler ne plait pas à Jimi qui décide d’aller passer l’été au Record Plant de New York, où on travaille en 12-pistes. Eddie Kramer en profite pour s’installer à New York, et Jimi prend totalement le contrôle des opérations en permettant que le studio soit toujours rempli de musiciens avec lesquels il organise de longues jam-sessions. C’est de cette façon que sera élaboré, par exemple, “Voodoo Chile”. Chas Chandler ne supporte pas ce qu’il considère comme étant de l’anarchie, de la désorganisation et une grosse perte de temps, et il rompt professionnellement avec Jimi. Redding abandonne quasiment la partie, ce qui fait que la basse qu’on entend sur “All Along The Watchtower” est jouée par Jimi. Ce dernier multiplie également les pistes de guitare, (il y a quatre chorus de guitare dans AATW) puis enregistre sa voix, avec toujours les mêmes précautions pour qu’on ne le voie pas chanter.

Le single sortira environ 1 mois avant Electric Ladyland et sera le seul succès de Jimi aux USA.

Quant à Dylan, il mettra AATW à son répertoire de scène à partir des mid-70’s, et cette chanson deviendra celle qu’il interprètera le plus souvent en public. Et il le fera avec un arrangement tout à fait inspiré de Hendrix rendant ainsi hommage à celui qui avait su faire de sa chanson l’une des plus grandes re-créations musicales qui soient.

Electric Ladyland est peut-être, pour Jimi, ce qu’avait été la 9ème Symphonie pour Ludwig Van Beethoven. Il n’y avait pas moyen d’aller au delà. Qu’on me pardonne cette comparaison, d’autant qu’il restera au Viennois à écrire les Derniers Quatuors, mais, pour en revenir à Hendrix, que s’est-il passé après Electric Ladyland ? Que son travail avec Buddy Miles ou avec Billy Cox soit d’un intérêt majeur, que les concerts de cette dernière période soient parmi les plus excitants qu’il ait pu donner, je n’en disconviens pas. Mais la trilogie magique Are You Experienced?, Axis: Bold As Love, Electric Ladyland était close, avec ce dépassement constant, cette montée vers l’inouï, au sens propre du terme, à laquelle on assiste en passant d’un album au suivant. Je suis persuadé qu’il ne pouvait pas y avoir de quatrième album de The Jimi Hendrix Experience*.

Electric Ladyland, le double-album, la pochette (britannique) avec les femmes nues, évidemment, aucune autre n’est acceptable**. Et “1983…”, qu’on ne peut séparer de “Moon, Turn The Tides, Gently, Gently Away” et qui nous offre un quart d’heure de l’Apocalypse selon Saint Jimi. Car “1983…” est un morceau apocalyptique dans lequel Jimi et son amour, Catherina, rescapés de la guerre qui ravage la terre, décident de revenir vers la mer pour y vivre, confiants, contrairement à leurs amis, dans la machine qui leur permettra de respirer sous l’eau. Les amants font l’amour sur le sable avant de s’enfoncer dans l’océan.

Je ne sens pas de la colère dans cette chanson, mais une grande mélancolie, la tristesse d’un départ définitif, prémonitoire, si l’on se réfère à ce qui se passera deux petites années plus tard.

Les sessions finales et le mixage ont lieu au Record Plant de New York*** sous la direction d’Eddie Kramer. C’est Jimi lui-même qui s’occupe de la production, et non plus C. Chandler. Il chante, joue de la guitare, en reprenant cette trouvaille du temps d’Axis : Bold As Love qui consiste à passer la piste à l’envers ; c’est également lui qui joue de la basse et trouve le moyen d’imiter le cri des mouettes avec un micro. Il utilise un flexitone, refait les prises qu’il ne trouve jamais parfaites, se cache pour chanter, peu sûr de sa voix, invite Chris Wood, en rupture de Traffic, à jouer de la flûte ; il y avait d’ailleurs toujours foule dans la cabine, et c’est l’une des raisons de la rupture professionnelle avec Chas Chandler qui ne supportait pas cette situation. Et Mitch, superbement inspiré, ne recule pas devant un rythme de boléro sur sa batterie…

L’un des titres les plus marquants  du Voodoo Chile, sur l’un des albums les plus importants de toute l’histoire de la musique pop.

https://vimeo.com/208085174

“Merman” est tout simplement le masculin de “mermaid”, la sirène.

*Et pas seulement parce que Jimi ne supportait plus Noel Redding ! D’ailleurs Noel ne joue pas dans “1983…”, et à part sur “Little Miss Strange”, sa présence est anecdotique sur Electric Ladyland.

**Même si Jimi détestait cette pochette qu’il jugeait très inconvenante.

***L’un des tout premiers studios à être équipé en 16-pistes.

Beggars Banquet*. Les Stones avec Nicky Hopkins, produits par Jimmy Miller. J’écoute mon SACD de 2002 ; le son est impeccable et je laisse la version vinyle aux masochistes, et en plus de ça, la pochette représente les murs de chiottes graffités qui avaient été censurés dans les 60’s. Que du bonheur !

La chanson est écrite par Keith, et certains pourraient s’étonner de cette ballade pensive et contemplative, surtout si on la compare aux autres chansons de Beggars Banquet. Mais je sais que Keith est un grand sentimental ! Ce qui est remarquable dans “No Expectations”, c’est la partie de bottleneck de Brian, qui n’était pourtant pas très frais, la plupart du temps, et qui jetait là ses tout derniers feux. Et il y a aussi les magnifiques interventions de Nicky Hopkins au piano.

Je possède également “No Expectations”, dans une édition monophonique, sur la compilation The Rolling Stones Singles Collection – The London Years (1989), ainsi que sur le cd-dvd du Rock n’ Roll Circus. J’ai vu Mick Taylor le jouer pour la première fois à Hyde Park le 5 juillet 1969, et je n’ai pas vu Ron Wood le jouer à l’Olympia de Paris le 11 juillet 2003 (mais le dvd Four Flicks existe).

https://www.youtube.com/watch?v=RFNJBatJhDM

Décembre 68. Mais les Américains le connaissaient depuis août, car c’était la face B du single “Street Fighting Man”

Ce titre est une expression idiomatique dont une bonne traduction serait : « Je l’ai appris par la rumeur ». C’est l’une des chansons “soul” les plus connues, et le premier vrai succès de Marvin Gaye, qui sortait tout de même son huitième album, In The Groove.

Barrett Strong écrivit la musique, et Norman Whitfield les paroles et ils firent enregistrer la chanson dès 1966 par Smokey Robinson & The Miracles. Cependant, Berry Gordy, patron de la maison de disques Tamla Motown bloqua la sortie du disque jusqu’en 1968, de même qu’il bloqua plusieurs enregistrements du titre par Marvin Gaye, et la première version publiée de IHITTG, le fut par Gladys Knight & The Pips, lors d’une session dirigée par Whitfield, en 1967, et ce fut un grand succès. D’autres artistes, comme par exemple les Temptations furent mis à contribution, mais Whitfield restait persuadé que l’interprète idéal était Marvin Gaye. In The Groove sortit donc, et, devant le succès de IHITTG, Berry Gordy décida la sortie d’un single, vers la fin de l’année, lequel se classa n° 1, un peu partout. L’album fut réédité, nommé cette fois, bien entendu, I Heard It Through The Grapevine.

La maladie de Tammi Terrell avait laissé Marvin profondément déprimé, et sa vie avait pris un tour chaotique ; le texte de Whitfield était parfaitement adapté à la personnalité de Marvin. En outre Whitfield avait demandé à Marvin, au fur et à mesure des cinq sessions d’enregistrement qui furent nécessaires, de chanter dans une tessiture plus aiguë que celle dans laquelle il se sentait à l’aise, habituellement. Allez, je vous en prie, chercher sur YouTube un enregistrement de IHITTG qui isole la voix du chanteur, des pistes instrumentales, comme s’il chantait a cappella ; vous pourrez vous rendre compte à quel point Marvin savait faire passer dans son interprétation les sentiments de peur et de doute que le texte charrie.

Et quelle élégance dans cet arrangement musical ! le claquement initial, et les Funk Brothers qui déclenchent leur implacable machine rythmique, avec le piano Wurlitzer de Johnny Griffith, la batterie minimaliste ─ trois batteurs furent employés ; Richard “Pistol” Allen, Uriel Jones, et je ne connais pas le nom du 3ème ─, la basse de James Jamerson, la guitare du seul Blanc du groupe, Joe Messina, l’orgue Hammond d’Earl Van Dyke, sans oublier le percussionniste Jack Ashford. Les cordes sont dues au Detroit Symphony Orchestra, et le trio de voix qui assure les chœurs, et qui semble prendre plaisir à humilier le pauvre Marvin, en insistant sur sa déconvenue amoureuse, s’appelle The Andantes.

Cette version 1968 de Marvin Gaye est indépassable, mais, franchement, la chanson est tellement géniale que je vous invite à explorer les innombrables reprises* qui en ont été faites, à commencer par celle de Creedence Clearwater Revival qui figure sur leur Cosmo’s Factory. John Fogerty est trop joyeux pour qu’on y croie, mais c’est quand même très bien. Les autres que je pourrais connaître ? Gladys Knight, Smokey Robinson, Ike & Tina Turner, Bill Frisell, Dusty Springfield, Amy Winehouse & Paul Weller et la très étrange mais assez pertinente version de Tuxedomoon. Mais qui, au dessus de Marvin ? Personne, évidemment.

*335 au dernier comptage.

Trésor caché. Duncan Browne avait 21 ans en 1968. Clarinettiste pendant son enfance, la découverte de Bob Dylan lui donne l’envie de se mettre à la guitare. Il forme un trio, Lorel, avec sa petite amie de l’époque et un de ses amis Davey Morgan, pour chanter du folk. Andrew Loog Oldham, manager et producteur des Rolling Stones venait de perdre ce poste et s’occupait de sa maison de disques, Immediate (Small Faces, The Nice, Chris Farlowe…). Il remarque le trio dans un club et demande à Duncan de travailler sur un projet d’album solo qu’Immediate se chargerait de vendre. Duncan reprend contact avec un de ses amis, David Bretton, à qui il demande d’écrire des textes pour les musiques qu’il compose.

Lentement s’élabore en studio ce Give Me Take You, jusqu’au jour où Andrew L. Oldham, crédité comme producteur, mais n’ayant quasiment pas participé à son élaboration, prévient Duncan qu’il ne reste plus d’argent dans les caisses et qu’il lui faut terminer son disque sous 48 heures !

Inutile de dire que la promotion de Give Me Take You est nulle, qu’il s’en vend quelques centaines d’exemplaires ; ce qui reste est pilonné, et, de plus, les bandes master sont perdues. Donc, mesdames et messieurs, si vous détenez un exemplaire original de Give Me Take You, c’est comme si vous aviez de l’or entre les mains. L’autre conséquence, c’est que le cd que je possède (réédition Sanctuary de 2000, avec 5 “bonus tracks”) a été fabriqué à partir d’un disque vinyle original, et pas à partir de la bande magnétique.

J’ai choisi de vous parler de “Ninepence Worth Of Walking”, mais tout le disque baigne dans cette ambiance d’un folk très ouvragé, certains disent baroque, qui peut évoquer ce que faisait Left Banke aux USA, mais surtout, The Zombies avec Odessey & Oracle*.

Guitares acoustiques qui tentent d’imiter le toucher du clavecin (cordes nylon ?), voix douces, chœurs d’enfants, claquements de mains, “Ninepence Worth Of Walking”, ainsi, vous l’avez compris, que tout Give Me Take You, est un enchantement, à l’image de la pochette qui présente une œuvre préraphaélite, spécialité typiquement britannique, ce qui a permis à un critique américain de parler de “musique préraphaélite”. Croyez-moi, ce disque vaut mieux que toutes les étiquettes qu’on lui a affublées, et reste l’un des plus importants de cette année 1968, qui n’en manquait pourtant pas.

La suite de la carrière de Duncan Browne fut aussi discrète que son début : un “single” en 1970, un autre en 1972, des collaborations avec d’autres artistes, la reprise d’une de ses chansons par David Bowie, jusqu’à sa disparition, en 1993, emporté par un cancer.

*Merci de vous reporter aux chroniques que j’ai consacrées à ces deux groupes.

“Peace Of Mind” représente un autre aspect de l’impact que Music In A Doll’s House a pu avoir sur la scène londonienne, cet été-là*. Emmené conjointement par la voix de Roger et le violon de Ric Grech, la chanson, qui met également en valeur la voix de Jim King, illustre bien ce mélange de rock, de musique progressive, de psychédélisme et de rhythm n’ blues qui fait la singularité de cet album. Mais l’importance de cette première œuvre de Family est à chercher dans la qualité des chansons, l’originalité n’étant pas une fin en soi ; et, de ce point de vue, Music In A Doll’s House est une réussite totale. J’ai longtemps fait la fine bouche devant la production de Dave Mason, lequel, en mariant Traffic avec Family s’était rendu coupable d’une union assez mal assortie. Mon jugement n’est pas, aujourd’hui, aussi péremptoire, et je trouve un certain charme à cette alliance inattendue. Vous l’avez compris, Music In A Doll’s House fait partie de ces disques indispensables de la fin des années 60, et il serait dommage de l’ignorer.

*Voir ma chronique de “Mellowing Grey”.

Histoire de changer d’air après le mai 1968 parisien, je débarque à Londres, et le 9 juillet, je reçois, au Marquee Club de Wardour Street, à Soho, l’incroyable choc d’un concert de Family. Ceux qui n’ont pas vu Family sur scène, et qui ne connaissent que les disques ne peuvent pas prendre la mesure de ce qu’était ce groupe, sur scène, de l’incroyable sauvagerie de Roger Chapman, frappant son tambourin et paraissant toujours sur le point de perdre l’équilibre, s’arrachant les cordes vocales avec ce vibrato chevrotant caractéristique, que certains lui ont reproché ; sauf que c’était sa voix, à prendre ou à laisser. Je prenais ! Il était secondé par John “Charlie” Whitney, aux guitares, qui composait. Et quelles chansons ! Jim King jouait du saxophone, Ric Grech, de la basse, et Rob Townsend, de la batterie.

Le problème qui s’est vite posé avec Family, dont le premier album, Music In A Doll’s House, est sorti quelques semaines plus tard, c’est que personne ne savait exactement quel genre de musique ils faisaient. Inclassable. Moi, ça ne me gênait pas, ce patchwork de folk, de rock, voire de hard rock, de pop psychédélique, de rhythm’n blues, de musique progressive, de jazz, de musiques ethniques, mais ça explique leur échec commercial, en particulier aux USA. Et ce disque magnifique qu’est Music In A Doll’s House n’a rien fait pour arranger les choses, d’autant que la sauvagerie que j’évoque ci-dessus, était largement gommée par la production de Dave Mason, lequel, sortant de Traffic avec son Mellotron, a tenté de faire rentrer Family dans cette case-là, sans y arriver, bien évidemment. Il n’empêche ; l’album, je le répète, est une splendeur, et les deux chansons que je vais évoquer, pour l’illustrer, sont loin d’en épuiser toutes les richesses.

“Mellowing Grey” est sans doute la plus belle trouvaille mélodique de Whitney ; des petites clochettes, une guitare acoustique, et le Mellotron de Mason forment le tapis psychédélico-bucolique que vient griffer l’insensé vibrato de Roger Chapman ; je regrette simplement qu’ils ne l’aient jamais joué sur scène. C’est à la fois fascinant et beau, le disque chimérique par excellence, si on se souvient qu’une chimère est, selon le dictionnaire, un animal fabuleux ayant la tête et le poitrail d’un lion, le ventre d’une chèvre et la queue d’un serpent…

https://www.youtube.com/watch?v=HAgle8Xdpx0