Magnifique chanson qui figure sur le 1er album solo post-Beatles de John Lennon, “John Lennon/Plastic Ono Band”. Elle a demandé beaucoup de travail à John, qui n’a jamais été satisfait de son interprétation au point d’enregistrer une centaine de pistes de voix. De même l’édition de la chanson a été faite sans beaucoup de soins, puisque le son de la guitare change entre 2 couplets, une mesure a été coupée avant le chorus…

Mais John voulait faire passer son message révolutionnaire et anti-establishment (l’utilisation, à 2 reprises de l’adjectif “fucking”), lequel, s’il nous fait un peu sourire aujourd’hui, 46 ans plus tard, me paraît toujours sincère et honnête.

Quoique John se soit toujours défendu du caractère très dylanien de sa chanson, tant en ce qui concerne les paroles que l’accompagnement à la guitare, il est très difficile de contester ce fait, ce qui ne diminue en rien son impact ou son authenticité.

La chronique qui suit est écrite en se référant à la version acoustique de “Beware Of Darkness”, parue sur un disque pirate, puis intégrée à la remastérisation cd de 2001, celle-là même que j’écoute actuellement en lisant les remerciements de George sur le livret.

George et sa guitare, au studio 1 d’Abbey Road, le 27 mai 1970, présentant ses compositions à Phil Spector.

“All Things Must Pass”, le triple album, avec la pochette où on voit George sur son tabouret, et les 4 nains de jardin (les 4 Beatles ?) à terre.

Et George, sans doute le plus ébranlé par la séparation des Beatles, sans doute le plus frustré par les refus incessants des 2 demi-dieux, des chansons qu’il proposait (P. et J. venaient de refuser “Isn’t It A Pity” et “All Things Must Pass”) qui se permet de sortir le-meilleur-album-jamais-créé-par-un-ex-Beatle.

“Beware Of Darkness” est probablement le sommet de ATMP, et peut-être le sommet du génie d’Harrison. Sa voix est à la limite de ses possibilités. P. et J. chantaient bien mieux, mais George nous tire des larmes.

Ceux qui sont musiciens s’étonneront et s’émerveilleront de la progression d’accords assez inhabituelle, et qui, selon un musicologue (S. Leng), “ne devrait pas fonctionner, d’un point de vue harmonique”. Je vous renvoie à l’article sur WikiPedia, et aux bouquins qui ont bien étudié la question.

Cette chanson, dans sa nudité, dans son dénuement (c’est pour cela que j’ai mis de côté la version de l’album original, qui est presque aussi belle) nous confronte à quelque chose de l’ordre du mystère. George surpasse ses anciens copains, parce qu’il est le seul ex-Beatle qui a accès à une spiritualité qu’il nous fait rencontrer ici, dans toute sa puissance, et sa grâce.

Une autre chanson de “Tea For The Tillerman”*. Et encore une superbe mélodie de Cat Stevens, dont on s’aperçoit qu’il est également un chanteur inspiré. Ce n’est plus le barde avec sa guitare en bois, c’est le pianiste lyrique et romantique, produit par un Paul Samwell-Smith assez éloigné de ses bases bluesy. Les arrangements de cordes que l’on doit à Del Newman ont, certes, un peu vieilli, mais, restons charitables, tout le monde en est là. Les guitares sont employées d’une façon très inhabituelle dans ce contexte : une électrique avec un flanging**, et une acoustique dont ne ressort que le côté percussif.

Je ne m’attarderai pas trop sur les paroles ; Internet regorge d’interprétations plus ou moins pertinentes ; disons que ce n’est pas trop mal écrit, et n’en parlons plus.

Mais la ligne mélodique est tellement belle ! Et quelqu’un capable de composer cette chanson, “Into White”, et un certain nombre d’autres du même tonneau, est un grand artiste, et pas simplement un hippie attardé sur lequel il est de bon ton d’ironiser. Dont acte.

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*voir ma chronique de Into White

**je ne suis pas hyper-spécialiste, mais je crois que c’est ça. Si je me trompe, dites-le moi gentiment

Ma chanson préférée de Cat Stevens. Apparue sur l’album “Tea For The Tillerman”, c’est une merveille de délicatesse, rehaussée par des paroles qui évoquent la fragilité, l’évanescence, “Et tout qui se vide dans le blanc”, et la très belle modulation dans la mélodie, laquelle crée une tension non résolue d’une confondante efficacité et d’une élégance juste troublée par un violon un peu trop romantique.

Bon, me dis-je, allons écouter ce que Carly Simon a fait de ce bijou, car je savais que la chanteuse américaine avait sorti, en 2007, un album de reprises, où figurait ce “Into White”, et j’étais curieux d’entendre ce qu’une femme possédant son talent, en avait fait.

OldClaude, quel sexiste tu fais ! La délicatesse, la fragilité, l’émotion, la féminité sont, à n’en pas douter (mais on a le droit de ne pas être d’accord) du côté de Cat Stevens. Les féministes radicales viennent sans doute de se trouver une nouvelle cible, mais je persiste et signe…

Badfinger ou la Tragédie. Avant d’écrire ce qui va suivre, j’ai consciencieusement réécouté le “Without You ” de Harry Nilsson, tube mondial en 1972. Bien réalisé, aguicheur, ostensiblement tourné vers le grand public, j’admets que Nilsson a eu un succès mérité. Mais je préfère la version des créateurs. Ecrit par Tom Evans et Pete Ham, produit par Geoff Emerick, “Without You” trouve sa place sur le 1er album (je ne compte pas “Magic Christian Music”) de Badfinger chez Apple, la compagnie des Beatles, “No Dice”.

Plus doués que Badfinger, plus talentueux dans les premières années de cette décennie, je ne connais pas. Sans diminuer les mérites de Joey Molland (son chorus dans Baby Blue !) et de Mike Gibbins, Pete Ham était un chanteur, guitariste, compositeur, pianiste sans égal, et il y avait pourtant de la concurrence, en Angleterre, à cette époque !

Avec Tom Evans, bassiste et chanteur, il formait une paire que je peux facilement mettre sur le même piédestal que celle formée par Lennon et McCartney.

Ils auraient dû tout emporter sur leur passage, mais il semblerait que ce soit leur manager qui ait tout emporté, les laissant sans ressources, et désespérés.

Pete Ham s’est pendu à 27 ans, le 23 avril 1975.

Tom Evans s’est pendu le 19 novembre 1983.

Ne cessez jamais d’écouter Badfinger ; c’est le seul hommage que vous pouvez leur rendre.

Je collectionnais, à une époque, les versions de “Song To The Siren”. Je me suis arrêté quand je me suis aperçu qu’il n’y en avait que 2 ou 3 qu’on pouvait qualifier d’insurpassables. L’une de celles-ci n’est autre que celle du compositeur, Tim Buckley. Mais oui, jeunes amis, Jeff avait un papa, lequel avait également beaucoup de talent. Les paroles sont de Larry Beckett.
C’est sur l’album “Starsailor” qu’on trouve cette magnifique chanson, mais c’est la version de 1968, dans l’émission de télévision des Monkees, qui est vraiment bouleversante ; Tim et sa 12-cordes….
Les paroles ne sont pas à négliger ; L. Beckett a vraiment fait un travail de très grande qualité littéraire, et il est toujours poignant d’entendre Tim chanter “Or should I lie with death my bride ?” lorsque l’on sait qu’il mourra d’une overdose en 1975.
Je pourrais dire beaucoup de choses à propos de cette chanson magique, mais je vais seulement vous laisser l’écouter encore et encore car rien n’approche la tristesse insondable de cette musique quand Buckley la chante. Pour moi, la version de This Mortal Coil, qui est pourtant l’une des plus belles, pâlit à côté de Buckley 68.
Et encore une chose : la seule raison pour laquelle j’aimerais savoir chanter, ça serait pour chanter “Song To The Siren”.

J’aime beaucoup la folk-music britannique et irlandaise venue du vieux fonds celte. Et donc, ce 4ème album de Pentangle me ravit particulièrement car il renferme uniquement des chants traditionnels. Produit par Bill Leader, producteur spécialisé dans ce style, il comporte, en particulier, la chanson qui donne son titre à l’album, et qui raconte l’histoire de deux sœurs, une blonde et une brune (devinez qui est la méchante) ; un chevalier vient demander la blonde en mariage et la brune, jalouse, s’en va noyer sa sœur dans la mer, malgré les supplications de cette dernière. Des ménestrels viennent à passer, et, ne pouvant sauver la pauvrette, récupèrent ses os et ses cheveux, afin de fabriquer une harpe, laquelle, posée dans la salle du château, en face de la méchante sœur, se mettra à jouer seule…
La pochette du disque nous permet d’admirer 2 œuvres d’Albrecht Dürer (et là, on voit bien la supériorité du vinyle, parce que sur le boîtier du cd, franchement, c’est riquiqui). Pour ceux qui attachent une importance à ça (pas moi !), ce disque fut un désastre commercial.
Tous les musiciens méritent d’être cités, car Pentangle était certainement un “supergroupe”, en ce sens qu’il réunissait des individualités absolument remarquables : tous les cinq participent aux voix, dans ce morceau ; Terry Cox tient la batterie et joue du dulcitone (une sorte de Fender Rhodes acoustique, si vous voyez ce que je veux dire) ; Danny Thompson est à la contrebasse, Bert Jansch est à la guitare acoustique, John Renbourn a laissé sa guitare de côté, et montre (tout comme George Harrison) qu’il était l’un des rares musiciens britanniques à savoir utiliser un sitar, à cette époque. Et bien sûr, par dessus tout, la voix magnifique de Jacqui McShee, sans doute l’une des plus extraordinaires chanteuses folk qui soit.

“After The Gold Rush”, 3ème album de Neil Young paraît 6 mois après Déjà Vu, l’album de CSN&Y, et il me semble que, autant Déjà Vu était un album ancré dans l’idéalisme des 60’s, autant l’album de Young s’ancre dans les questions sociales et écologiques qui commencent à bouillonner.
Dans cette chanson, Neil est, bien sûr, à la guitare et au chant, Greg Reeves à la basse, Ralph Molina à la batterie, et le tout jeune Nils Lofgren, au piano (alors que chacun sait qu’il s’agit d’un guitariste).
Je ne suis pas un grand spécialiste de Neil Young, et peut-être est-ce dû à mon édition cd 2009, mais lorsque je veux écouter cette chanson, je me tourne plutôt vers les deux magnifiques prestations publiques de Neil, celle de décembre 1970 au Cellar Door de Washington D.C., et celle de janvier 1971 au Massey Hall de Toronto. Là, ça devient vraiment grandiose. Et vous, quelle version préférez-vous ?

Pour son 3ème album, le connu mais pas encore célèbre Cat Stevens voulait un son plus folk-rock, moins orchestré.
Il fit donc appel à un nouveau producteur, Paul Samwell-Smith, et cela donna “Mona Bone Jakon”, sur lequel on trouve cette très jolie chose.
Très jolie chose inspirée par une très jolie personne, en l’occurrence la nommée Patti D’Arbanville, qui venait de quitter Cat Stevens pour commencer une carrière de comédienne à New York (et se précipiter dans les bras de Mick Jagger, mais on n’est pas chez Gala) et qui n’a pas dû être très contente en écoutant cette déclaration d’amour, puisque Cat Stevens la décrit ni plus ni moins comme un cadavre attendant d’être déposée dans son cercueil !
Mais je trouve ça très joli, ces guitares acoustiques (et Cat Stevens qui marque le rythme en frappant sur le bois de sa guitare), cet orgue, cette basse, ces percussions, ces chœurs un peu bizarres.
Que ceux qui préfèrent la reprise de Dalida se dénoncent ; ils ont tout de même droit à toute ma considération.
Et, c’est curieux : en écoutant en boucle le fruit de ces tourments amoureux, j’ai l’impression que je commence une petite crise d’acné, sur le visage. Vraiment curieux.

Cette chanson, un vieil air du folklore anglais, figure sur le 4ème album studio de Traffic (le Traffic reformé, sans Dave Mason), “John Barleycorn Must Die”.
Chris Wood joue de la flûte et des percussions, Jim Capaldi assure les chœurs, et se charge du tambourin, Stevie Winwood est au piano, à la guitare, et chante.
Et si la version de Traffic ne vous convient pas, sachez, chers amis, qu’il en existe des dizaines et des dizaines d’autres !

Les années 60 sont terminées, et avec l’album “Open Road” ( 8ème album studio) sur lequel figure ce splendide Roots Of Oak, commence le déclin commercial de Donovan.
Et pourtant ce n’était pas faute, pour Donovan, de tenter de se renouveler, en n’étant plus, tout d’abord, que le chanteur-guitariste d’un groupe dénommé Open Road, qui comprenait Mike Thomson à la guitare et à la basse, et John Carr à la batterie, en électrifiant sa guitare, en étant l’un des producteurs de son disque, et en posant les jalons d’un style musical qu’il définissait comme du Celtic Rock.
Roots Of Oak célèbre la beauté de l’Ecosse natale du chanteur, dans le registre qui est le sien, qu’on a parfois pu décrire comme obscur et naïf, mais que je préfère appeler impressionniste, car Donovan n’est pas un raconteur d’histoires, mais un peintre, sensible aux formes et à la lumière, se désintéressant des “faits” et de la “logique”, et recherchant dans ce voyage écossais les “légendes” et la “magie”.
Les chœurs, assurés par les trois musiciens, s’attachent à évoquer cette ambiance mystérieuse, soulignée par une très belle 12-cordes. Le refrain propose une rupture de tempo et de rythme inspirée de la musique celtique. Une réussite totale qui ne fait que me conforter dans mon opinion que Donovan est l’un des artistes majeurs du XXème siècle.

Une des plus célèbres chansons des Kinks, écrite par les frères Davies, et sortie en single, puis sur l’album “Lola Versus Powerman And The Moneygoround, Part One”.
Avec tout le talent d’écriture que l’on reconnaît à Ray Davies, la chanson décrit la rencontre, dans un club de Soho, de l’auteur avec une femme transgenre, ce qui, à l’époque, était loin d’être banal dans les chansons à succès.
D’ailleurs, la chanson fut interdite d’antenne à la BBC, pas par son sujet, cependant, mais parce que les paroles citaient la boisson Coca-Cola, ce qui força Ray à réenregistrer la voix du single pour l’Angleterre, en remplaçant la marque par le nom générique “cherry cola”.
Le son de guitare est obtenu par le mixage d’une Martin (achetée, pour l’occasion, par Ray) avec une National métallique avec résonateur.