Évidemment, la première fois que vous posez “Octopus” sur votre platine et que vous arrivez à la plage nommée “Knots”, vous vous grattez le cuir chevelu en signe de perplexité.

“Octopus” est le quatrième album de Gentle Giant*, le premier dans lequel apparaît le batteur John Weathers, le dernier dans lequel joue Phil Shulman (qui intervient dans “Knots” en chantant et en jouant du saxophone ténor). Pourquoi “Octopus” ? Parce que octo (huit) opus (œuvres), le nombre de plages sur l’album.

Vous êtes perplexes, parce que, en 1972, et même aujourd’hui, vous n’avez jamais entendu un morceau de pop musique qui commence par quatre voix différentes qui chantent “a capella” suivant les règles du contrepoint**.

Quelques notes de xylophone, ponctuées par le saxo de Phil et le violon de Ray et hop ! ça recommence, sauf que ce n’est plus la même chose ; et une autre ponctuation xylo-saxo-violon, soulignée par la batterie de John, et un troisième motif vocal, encore légèrement différent, avec le son aigrelet du violon, et le xylophone, à chaque mesure.

Et ça continue à changer, avec l’entrée en scène des claviers de Kerry et de la batterie, qui consent à nous indiquer qu’on évolue quand même dans le domaine de la musique pop, mais avec toujours les voix, derrière, qui continuent à explorer l’inédit. La batterie s’arrête, et commence un petit dialogue piano-xylophone, plutôt atonal, qui achève de nous perdre.

Ah ! Le rock revient avec la guitare de Gary, et cet accord de piano dont le martèlement nous fournit d’indispensables repères. Maintenant, les instruments dialoguent avec les voix, et tout le monde se réunit pour un final qui nous permet également de nous y retrouver.

Mais, qu’est-ce que c’est que ces gens qui oublient qu’une chanson, c’est des couplets et un refrain, et puis, basta !!?

Ces gens, je vais redire leurs noms, car ils sont inoubliables, ce sont les plus grands créateurs de musique de cette décennie. Le fait qu’ils aient eu un succès d’estime en Angleterre (et un peu en Italie) est déjà pour moi une source d’étonnement. Le reste du monde les a ignorés, malgré leur touchant et vain acharnement à conquérir l’Amérique. Saluez, s’il vous plaît, Gary Green, John Weathers, Kerry Minnear, et les frères Shulman, Phil, Ray et Derek.

J’entends des voix qui s’élèvent : « Mais cette musique est compliquée ; on ne peut pas la chantonner sous la douche, on ne peut pas danser. À quoi ça sert, tout ça ?».

D’abord, je voudrais faire un sort à cet adjectif, “compliqué”. La musique de Gentle Giant est aussi simple et simplement mémorisable que la musique des grands compositeurs des siècles passés, pour une raison qui tient uniquement à la qualité et donc à la rigueur du processus de composition. La musique est un Art, mais c’est également une Science, assez proche des Mathématiques, et ce qu’on ne retient pas en Musique, c’est ce qui ne se soumet pas à cette indispensable rigueur, dont J.-S. Bach nous a montré la fécondité.

Gentle Giant a publié une douzaine d’albums pendant la décennie de son existence, dont au moins la moitié doit figurer dans votre discothèque. Je n’ai aucun problème pour connaître par cœur les morceaux les plus marquants de cette discographie, même s’il m’a fallu un certain nombre d’écoutes pour cela. Grâces en soient rendues au travail, à la sensibilité et à l’intelligence de ces musiciens.

Mais il s’agissait bien d’un groupe de rock. Visionnez des extraits de concerts de Gentle Giant. Ils savaient créer l’excitation et la dynamique propres à cette musique. Soyez-en certains : nous n’en aurons jamais terminé avec Gentle Giant.

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*voir ma première chronique consacrée à GG : “Prologue”.

**En musique, le contrepoint rigoureux (souvent appelé contrepoint) est une forme d’écriture musicale qui trouve ses origines avec la polyphonie du Moyen Âge et qui consiste en la superposition organisée de lignes mélodiques distinctes. (Wikipédia)

Encore un exemple du talent particulier de Joan Armatrading pour écrire une chanson, mais également du talent non moins grand de Pam Nestor pour en écrire les paroles.

L’influence d’Elton John transparait très nettement dans cette œuvre de jeunesse, affirmation d’autant plus simple à énoncer que ce sont, en effet, deux musiciens d’Elton John, Davey Johnstone à la guitare, et Ray Cooper aux percussions, qui participent à l’enregistrement.

On m’objectera que j’ai beaucoup insisté sur ce premier album de Joan Armatrading, “Whatever’s For Us”, assez peu représentatif du travail ultérieur de l’artiste, mais c’est justement cette matière assez brute qui lui donne un caractère touchant et authentique que n’auront plus les albums plus tardifs. Et j’ai toujours trouvé assez déplaisant le sort fait à la pauvre Pam Nestor, dont l’apport à cet album est considérable, et qui en a été exclue, “à la mode soviétique”. Ceux à qui cette expression ne dit pas grand chose se reporteront à l’article WikiPédia sur Pam Nestor, et constateront avec satisfaction que Pam a soutenu une thèse de doctorat en Littérature Moderne, ces dernières années.

Je vous ai déjà dit*tout le prix que j’attachais à ce premier album de Joan Armatrading, “Whatever’s For Us”, écrit en collaboration avec la pauvre Pam Nestor, dont le travail sera systématiquement mis entre parenthèses par la maison de disques.

Produit par Gus Dudgeon, il s’agit donc de l’album le plus folk de Joan, comme en témoigne la chanson-titre, dans laquelle Joan s’accompagne à la guitare.

Toujours co-écrite avec P. Nestor, cette chanson permet d’apprécier la maturité de la jeune femme de 22 ans, pas encore dégagée de ses influences (Cat Stevens, Elton John), mais affirmant déjà une personnalité dont l’importance sera reconnue avec les albums suivants.

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*voir mes chroniques de “It Could Have Been Better” et “Visionary Mountains”

J’insiste. Joan Armatrading mérite d’être découverte ou redécouverte, et en particulier, grâce à son premier album, écrit en collaboration avec Pam Nestor, et si différent des albums qui suivront.

Résultant, comme la plupart des compositions de ce disque, de la collaboration entre Pam Nestor et Joan, “Visionary Mountains” bénéficie d’une mélodie exceptionnelle, qui voit Joan s’accompagner au piano. Et, signe des temps, l’instrument qui intervient tout au long de la chanson, et qui est joué par Davey Johnstone, est, bien entendu…un sitar.

Je vais tenter de réhabiliter Joan Armatrading. Réhabiliter est bien le mot, car cette jeune femme, qui a sorti son premier album, le splendide “Whatever’s For Us” en 1972, a sombré, dans les années 80, dans une pop, formatée pour le grand public et insipide, dont je me suis détourné. Elle continue, à ce jour, à sortir des disques dont je ne peux rien vous dire.
Joan, originaire de Saint-Kitts, alors colonie britannique, élevée à Birmingham, a travaillé avec Pam Nestor pour cet album, ce qui ne s’est pas reproduit par la suite. La maison de disques, en effet, souhaitant promouvoir Joan alors que les deux femmes se présentaient comme un duo ; et seules les chansons chantées par Joan furent retenues pour ce premier album.
“Whatever’s For Us” fut enregistré principalement au Château d’Hérouville, avec Gus Dudgeon à la production, et constitue le volet le plus folk de toute la carrière artistique de Joan Armatrading. Elle y joue de la guitare et du piano.
“It Could Have Been Better” tranche donc par sa riche orchestration de cordes et de cuivres, due à Del Newman, que je peux peut-être trouver aujourd’hui un peu pompeuse (mais les années 70 ont fait pire !). Cependant, la mélodie reste d’une qualité renversante ; le lyrisme de Joan et la beauté de son écriture sont déjà pleinement matures, tout comme le sont les paroles de Pam Nestor.
“Whatever’s For Us” fait partie des albums vers lesquels je reviens souvent, et je continuerai à vous en parler prochainement.

J’ai à peine besoin de vous le rappeler, mais Colin Blunstone était l’un des chanteurs des Zombies, le groupe auteur de l’un des grands albums du psychédélisme anglais, “Odessey And Oracle”.
Et puis, comme beaucoup, le garçon s’est mis à pondre des albums solos, et je crois bien que son dernier est sorti en 2012. Mais je ne connais que les deux premiers hautement recommandables, le premier, le magnifique “One Year”, et le second, légèrement moins magnifique “Ennismore” dont j’ai pourtant choisi de mettre en lumière cette ballade, “I’ve Always Had You”.*
La voix de Colin est merveilleuse, mais ça vous le saviez depuis “She’s Not There”, des Zombies, la guitare acoustique fait ce qu’il faut. Arrive une guitare électrique, et surtout, un saxophone, qui gâche un peu les choses. Mais le bilan est globalement positif, et vous avez le droit de couper ce qui ne vous plait pas. Mais franchement, il y a sur ces deux albums suffisamment de belles choses pour que vous vous les procuriez séance tenante !__________________________________________________________________

*La vidéo de cette très belle chanson n’étant pas disponible sur YouTube, je vous invite à vous procurer un téléchargement ou, pourquoi pas, le disque.

En 1972, il était temps pour Stevie Wonder de prendre son destin en mains. Il venait de faire une tournée avec les Rolling Stones qui l’avait fait connaître du grand public. Il était majeur et avait la possibilité de renégocier son contrat avec Motown, de façon à ce que la maison de disques ne formate pas trop son travail, suivant les directives très rigides imposées à la plupart des artistes maison. Stevie voulait un son moderne, et il travaillait avec deux producteurs qui savaient programmer les synthétiseurs. Il manquait un “hit”.

Jeff Beck et lui enregistraient dans deux studios différents d’Electric Lady, à New York, et Stevie pénétra dans le studio occupé par Jeff, alors que ce dernier, seul, s’amusait à faire tourner un motif de batterie. Ils travaillèrent un peu autour de ce motif, et Jeff trouva aussi le riff principal. Stevie termina le morceau et se dépêcha de l’enregistrer*.

“Talking Book” est quand même le 15ème album studio de Stevie, qui avait eu 22 ans, cette année-là, qui avait été pris sous contrat par Motown à l’âge de 11 ans, et qui avait sorti “Fingertips”, son premier “hit-single” à l’âge de 13 ans !

Stevie, en studio, s’est occupé de jouer du Moog Basse, de la batterie, et surtout de ce Hohner Clavinet qui est vraiment la signature sonore caractéristique de “Superstition”. Et il y a, bien sûr, cet incroyable riff à la trompette (Steve Madaio) et au saxophone (Trevor Laurence) qui relance la machine avec une implacable efficacité.

“Talking Book” est le premier chapitre de la trilogie magique de Stevie Wonder (“Innervisions” et “Fulfillingness’ First Finale”). Allez, on va rajouter “Music Of My Mind” et “Songs In The Key Of Life”. Si vous n’avez pas ces cinq albums, c’est que vous n’aimez pas la musique.

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*Jeff Beck l’enregistra l’année suivante sur son unique album avec Tim Bogert et Carmine Appice. Très bien, mais, bon, que voulez-vous…

Résumé des chapitres précédents* : je suis un gentil garçon, je vous parle du Captain Beefheart le plus accessible qui soit, celui qui fait grimacer les Vrais Amateurs du Captain, ceux qui ne jurent que par “Trout Mask Replica” ou “Lick My Decals Off, Baby” et qui voient dans ce “Clear Spot” que j’aime par dessus tout, d’infâmes concessions au business et à la variété. Ah, bon ?

Je regrette vraiment de ne pas avoir les connaissances musicales nécessaires pour entamer une analyse fine de tout ce qui se passe dans “Circumstances”, mais c’est un boogie, et, en ce sens, il est assez proche de “Sun Zoom Spark”. Dominé par la voix et l’harmonica du Captain, il permet à Rockette Morton et à Zoot Horn Rollo de rivaliser pour créer un balancement rythmique quasi-reptilien, je veux dire à peu près aussi hypnotique que la vision d’une tête de cobra qui se balance de droite à gauche avant de vous frapper. Parfois interrompu par la batterie d’Ed Marimba, curieusement augmentée d’un “phasing”, ce découpage du morceau en plusieurs sections permet de créer une tension qui ne sera pas résolue, et qui donne l’impression que vous ne pouvez jamais appréhender “Circumstances” dans sa totalité, qu’il se dérobe quand vous avez l’impression d’avoir compris comment il était construit. Essayez donc d’attraper un cobra sur le point de mordre

https://youtu.be/pa4uT1aNTVM

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*voir ma chronique de “Sun Zoom Spark”.

Je vous avais précédemment confié que mon album préféré de Captain Beefheart était “Clear Spot”*. Et là, les puristes de ronchonner, parce que, objectivement, “Clear Spot” est l’album le plus accessible du Captain, un peu moins avant-gardiste et difficile que ce qu’il conviendrait d’admirer. Ted Templeman, qui avait produit des artistes plutôt “grand public” dirigeait les opérations, et il y avait même des choristes, les Blackberries !

Le Captain était entouré de son fidèle Magic Band (Zoot Horn Rollo, Rockette Morton, Ed Marimba et Roy Estrada).

Il n’y a pas un seul titre faible sur “Clear Spot”, et j’ai longtemps hésité avant de choisir “Sun Zoom Spark”.

Un petit riff de guitare et hop, ça démarre avec la voix du Captain ; en fait je devrais dire avec une voix du Captain, car il se trouve qu’il en a plein à sa disposition, comme vous pourrez le constater ; une petite percussion un peu vicieuse, la basse, tout ça bien au fond du temps ; la batterie ; et puis la guitare, jouée avec un bottleneck ; le pont, avec cette phrase d’harmonica qui insiste. Un chorus de guitare joué sur une seule note, économie de moyens. « I’m gonna zip up my guitar », et, dans l’autre sens, « I’m gonna zip down my guitar ». 1972, folks ! Et vous imaginez : c’est l’album le plus “commercial” de Captain Beefheart. Aujourd’hui, on fait écouter ça à un jeune homme nourri de rap ou de Rn’B ; il résilie aussi sec son abonnement de streaming en hurlant que ce n’est pas de la musique.

Mais si, jeune homme ; c’est la musique des esprits libres.

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*voir ma chronique de “Click Clack“

Tous les temps marqués sur la charleston.
La ligne de basse, avec ces six notes, obsédantes.
Les violons, à l’arrière-plan.
La pédale wah-wah qui transforme la guitare en instrument de percussion.
Les cuivres, qui esquissent discrètement la mélodie.
Le piano électrique Wurlitzer.
Les claquements de main.
Un seul accord de Si bémol mineur pendant toute la durée de PWARS.
Ce sont Norman Whitfield et Barrett Strong qui écrivirent ce monument pour le groupe The Undisputed Truth, dont tout le monde a oublié la version. L’année suivante, Whitfield dirigea, non sans quelques frictions, la session d’enregistrement de PWARS, destinée à être incluse sur l’album “All Directions” des Temptations. Dennis Edwards, Melvin Franklin, Richard Street et Damon Harris questionnent leur mère sur leur père qu’ils n’ont pas connu. L’ambiance est sombre ; il s’agit de la réalité du ghetto ; on est loin de l’insouciance des 60’s !
La version de l’album, la seule qui compte, dure 12 minutes, mais PWARS fut édité en single dans une version de 7 minutes.

Quand on demandait à Robert Plant quelle était la meilleure chanteuse du Royaume-Uni, il répondait : « Sandy Denny ». D’ailleurs, il y a sur “Led Zeppelin IV” une chanson qui s’appelle “The Battle Of Evermore”, et c’est bien Sandy Denny qui chante avec R. Plant.

Mais là, il s’agit de “Quiet Joys Of Brotherhood”, la chanson écrite par Richard Fariña sur un air du folklore irlandais.

Elle apparaît sur le 2ème album de Sandy Denny, “Sandy”, produit par Trevor Lucas, même s’il existe des enregistrements plus anciens, réalisés avec Fairport Convention, mais non encore publiés en 1972.

Sandy avait été séduite par des airs chantés par un Ensemble Féminin de la République Bulgare, et cela lui avait donné l’idée de chanter “Quiet Joys Of Brotherhood” a capella.

Elle chante le premier couplet ; la justesse est impressionnante, la voix très réverbérée.

Dans le deuxième couplet Sandy se multiplie par trois ; magie de l’enregistrement multi-pistes !

D’autres Sandy apparaissent dans le troisième et dernier couplet, comme si la chorale Sandy avait pris possession du studio d’enregistrement, et, en même temps, de nos cœurs.

Puis brusquement les voix se taisent, laissant le violon de Dave Swarbrick terminer seul un dernier couplet, sans paroles. Car personne, à part un violon, ne peut chanter après Sandy Denny…

Jeunes gens, il faut imaginer l’irruption de Roxy Music dans le paysage musical de 1972 !

Car, comme vous le savez, Roxy Music, c’était également un style. Et ce style tranchait impitoyablement avec la dégaine des amateurs de musique pop de l’époque. Souvenez vous : les jeunes à cheveux longs étaient, en général, vêtus de hardes informes, blue-jeans “pattes d’eph” et vestes des surplus de l’US Army, décorées d’inscriptions diverses.

C’est la raison pour laquelle lorsque, le 26 novembre 1972, avec les autres spectateurs du Bataclan, j’ai vu arriver sur scène ces six musiciens, vêtus de costumes chatoyants, maquillés, adeptes d’une théâtralité et d’une esthétique qui nous paraissaient, à cette époque, pas simplement étrangères, mais parfaitement incongrues, j’ai eu un moment de perplexité.

Mais je faisais partie des enthousiastes, de ceux qui avaient succombé aux charmes du premier album de Roxy Music, qui avaient fait le succès de “Virginia Plain”*.

“Virginia Plain”, qui ne ressemblait à rien de ce qui définissait, jusqu’à ce jour, un single de pop music. Écrite par Bryan Ferry, produite par Pete Sinfield, la chanson commence par une partie instrumentale piano/synthétiseur, que le mixage met très en arrière ; le volume augmente brusquement, quand s’imposent la batterie et la voix affectée de Bryan, ainsi que des instruments que l’on n’entendait pas beaucoup dans le rock, à cette époque, comme le synthétiseur d’Eno, ou le saxophone d’Andy Mackay. La fin de chaque couplet est marquée par un arrêt instrumental, qui laisse la seule voix de Bryan le conclure, parodiant ainsi les codes du rockabilly, et jetant, de ce fait, un pont virtuel vers la musique qui se pratiquait 15 ans plus tôt.

Quant à la fin de la chanson, elle est aussi étrange, puisque les derniers mots prononcés par Bryan, «What’s her name? Virginia Plain » sont également la première fois qu’est indiqué le titre de la chanson !

Phil Manzanera, le guitariste, a toujours dit avoir improvisé, sur l’instant, son chorus de guitare. Et je ne serais pas complet si je ne mentionnais pas la qualité de la frappe martiale du batteur, Paul Thompson, ainsi que la basse de Rik Kenton.

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*Je rappelle que “Virginia Plain” ne figurait pas sur la première édition du premier album, “Roxy Music”.