C’est l’histoire de cinq prolos de Derry (Irlande du Nord) qui décident de former un groupe de rock en 1975. Feargal Sharkey (chant), Billy Doherty (batterie), Michael Bradley (basse), Damian O’Neill (guitare solo) et son frère John (guitare rythmique). En 1977, John O’Neill, très influencé par les Ramones, écrit cette chanson, “Teenage Kicks”. Le célèbre DJ John Peel tombe amoureux de la chanson et commence à la passer sur les ondes. Le single est réédité par une autre maison de disques, et les Undertones feront une carrière honorable, et des tournées en compagnie d’autres groupes punk, eux qui n’étaient jamais sortis de Derry.

La première édition de leur premier album ne contient pas “Teenage Kicks”, contrairement à la deuxième édition, quelques mois plus tard. Le groupe s’arrêtera en 1983, suite au départ de Feargal Sharkey.

John Peel déclarait jusqu’à sa mort que “Teenage Kicks” était “la meilleure chanson de tous les temps”, et sur sa pierre tombale figurent ces mots : « Are teenage dreams so hard to beat? » c’est-à-dire le premier vers de la chanson. Je ne dirais sans doute pas qu’il s’agit de la plus grande chanson jamais écrite, mais l’authenticité de cette frustration adolescente est réelle, et si j’avais à faire une compilation des dix meilleures chansons punk, nul doute que “Teenage Kicks” y aurait sa place.

Les spécialistes s’esclaffent. Déjà, pour certains, s’intéresser à Gentle Giant est la marque d’un esprit compliqué, voire d’un manque de goût ; alors, s’intéresser à une chanson du onzième album studio de Gentle Giant, le mal-aimé Giant For A Day, c’est donner la preuve d’une bizarrerie pas très éloignée du sectarisme.

Quand je vous aurais dit que Giant For A Day est considéré comme étant le pire album du groupe, vous trouverez certainement que j’aggrave mon cas. Et il est vrai que le groupe avait purement et simplement abandonné les recherches musicales qui avaient fait sa réputation.

Mais voyez un peu le contexte ; le public de Gentle Giant s’évanouissait comme une peau de chagrin; le punk était triomphant, au point que l’année précédente, Vertigo (la maison de disques) avait sorti une compilation du groupe, Pretentious, sur laquelle le géant dessiné sur la pochette portait une épingle à nourrice au travers du nez ! Un concert dans l’Ontario fut annulé, faute de spectateurs. Genesis devenait le seul groupe “progressif” accepté. Le second cd du disque “live” Out Of The Fire – The BBC Concerts donne un exemple ─ très honorable, à mon avis ─ de ce que le groupe jouait à cette époque.

Giant For A Day fut enregistré dans ce contexte, dans un obscur studio, à Battersea, au printemps, et sortit à l’automne, avec une assez bonne promotion, mais à un moment où tout le monde avait oublié GG. Pour vous donner une idée, entre décembre 1977 et mai 1980, Gentle Giant se produisit une seule et unique fois sur scène.

Derek Shulman, marié, vivait maintenant au Texas et commençait à s’intéresser à l’aspect commercial de l’industrie musicale, Kerry Minnear devenait papa et très chrétien.

Donc, pour en revenir à la musique, “Friends” est une très belle chanson folk, jouée à la guitare acoustique ; et une fois n’est pas coutume, c’est bien le batteur, John Weathers qui l’a composée, et qui la chante avec un talent certain. Rien que pour “Friends”, Giant For A Day mérite d’être sauvé, mais sur cet album dont je n’hésite pas à dire qu’il est un très bon album de pop-music, d’autres chansons méritent le détour : “Words From The Wise”, “Thank You” (splendide composition !), mais aussi “Spooky Boogie” et “It’s Only Goodbye”. Pas mal pour un album méprisé !

Si Bernard Edwards et Nile Rodgers ne s’étaient pas fait refouler du Studio 54, la veille du Jour de l’An, alors que Grace Jones, qui les attendait à l’intérieur, avait oublié de mettre leurs noms sur la liste, on n’aurait peut-être pas eu ce qui allait être le single le plus vendu de tous les temps chez Atlantic* : “Le Freak”.

Les deux compères, furieux retournent chez eux avec deux bouteilles de champagne, empoignent leurs instruments, et improvisent sur des paroles qui résument leur état d’esprit : « Fuck off!». Dans le studio, en compagnie de Bob Clearmountain, cela deviendra «Freak off » (bof), puis enfin «Freak out».

Chic, c’était 3 musiciens, le guitariste Nile Rodgers, le bassiste Bernard Edwards (décédé en 1996) et le batteur Tony Thompson, plus deux chanteuses, Alfa Anderson et Diva Gray, et l’album dans lequel on trouvera ce titre sera leur deuxième, C’est Chic.

Si vous trouvez ce morceau parmi mes chroniques, alors que je proclamais fièrement, il n’y a pas si longtemps, que je n’avais que mépris pour la musique qui passait dans les clubs et discothèques**, c’est tout simplement parce que Edwards et Rogers sont de véritables artistes, et certainement pas des tâcherons de studio, et l’impressionnante liste des gens avec lesquels ils ont travaillé vient appuyer mon point de vue, mais il suffit d’écouter ce qu’ils ont produit à cette époque, pour en être convaincus.

L’autre raison, et sans doute la principale, en ce qui me concerne, c’est que quand j’entendais les premières notes de “Le Freak”, je ne pouvais pas m’empêcher de ressentir des fourmillements dans les doigts de pieds, qui me faisaient bondir de mon siège pour me lancer dans des déhanchements savants, millésimés “Studio 54”.

Aujourd’hui, quand j’entends “Le Freak” je me contente de dodeliner de la tête en souriant…

*13 millions d’exemplaires avec les rééditions.

**Voir ma chronique “Paul McCartney”

Bon. Comme vous le savez déjà*, je pense que Some Girls est le dernier grand album des Stones, et je ne pouvais pas louper la chanson-titre ─ que j’adore ─ car c’est l’une des dernières grandes chansons scandaleuses de nos amis.

Chauffés à blanc par l’harmonica de Sugar Blue, qui vivait à Paris, à ce moment-là, et jouait habituellement dans le métro, les Stones se surpassent et Jagger en rajoute dans le sexisme manifestement humoristique, mais que certains, à l’époque n’avaient pas du tout apprécié. En particulier le Révérend Jesse Jackson qui s’était plaint directement à Ahmet Ertegun, patron d’Atlantic Records, qui distribuait les Stones, et qui voulait que le disque soit retiré de la vente pour racisme et sexisme. Il n’en fût rien, bien sûr, mais je ne suis pas persuadé qu’il en serait de même aujourd’hui. Si vous voulez savoir, les paroles qui n’ont pas plu au Révérend, étaient «Black girls just wanna get fucked all night I just don’t have that much jam». C’est ce pauvre Mick qui n’arrive pas à assurer, et on lui fait un mauvais procès ! Quelle honte…

Pas mal de filles en prenaient pour leur grade à commencer par Marsha Hunt à qui s’adressent ces lignes : «Some girls give me children I never asked them for», et, plus bas «Some girls give me children I only made love to her once ». Mais c’est à Bianca, dont Jagger allait bientôt divorcer, pour vivre avec Jerry Hall, qu’il décoche ses flèches les plus acérées «So give me all your money Give me all your gold I’ll buy you a house at Zuma Beach I’ll give you half of what I own».

Les French girls veulent ci, les Italians girls veulent ça, les American girls veulent tout, je trouve cette avalanche de poncifs sexistes plutôt drôle**, et je vous assure que c’est loin d’être la pire chanson des Stones, de ce point de vue-là. D’ailleurs le comble du sexisme de Mick, c’est quand il était avec Chrissie, car c’est de cette époque que datent “Stupid Girl” et surtout “Under My Thumb”.

Mon avocat vient de me rappeler pour me déconseiller formellement d’écrire une chronique sur “Cocksucker Blues”. Sympathique chanson des Stones, pourtant, mais ne comptez pas sur moi pour vous indiquer où vous pouvez l’écouter…

*Voir ma chronique de “Beast Of Burden”.

**Je m’interromps un instant pour téléphoner à mon avocat, toujours d’excellent conseil. «Oui, Maître, je ferai selon ce que vous me dîtes». Cause toujours.

Je ne vous mentirai pas : Some Girls est probablement le dernier album des Rolling Stones qui soit à la hauteur de ce que j’attendais d’eux. Je ne veux surtout pas dire qu’il n’y a rien eu de bien, après. Il y a même eu un assez grand nombre de très bonnes chansons jusqu’à la fin du siècle*, mais rien qui fasse qu’on attendait les nouveaux albums des Stones avec cette passion qui nous animait depuis le début.

Enregistrée entre octobre 1977 et début mars 1978 aux Studios Pathé Marconi, à Paris, écrite essentiellement par Keith, j’aime bien ce que ce dernier joue, parfaitement secondé par Ron Wood ; c’est apaisé, il n’y a plus rien à prouver, le punk, qui en a renversé plus d’un, n’est pas parvenu à ébranler le piédestal des Stones. D’ailleurs, “Beast Of Burden” va être assez souvent joué en public, et d’une manière plutôt satisfaisante. Vous pouvez vous en rendre compte en regardant le DVD Some Girls Live In Texas ’78, ou en écoutant des parutions plus récentes, comme par exemple la version du 25 novembre 1981 enregistrée à Chicago et qui figure sur Rarities 1971-2003, ou encore celle du concert du Wiltern Theatre de Los Angeles enregistrée le 4 novembre 2002, qu’on trouve sur Live Licks. Il y en a d’autres, bien sûr, mais, pardonnez-moi, j’ai perdu toute prétention encyclopédique par rapport aux Stones depuis bien longtemps…

https://www.youtube.com/watch?v=EuXxfYDbhZs

*Ne me demandez pas pour le siècle en cours.

Cela faisait longtemps que j’avais abandonné les Kinks à leur danse du ventre impudique destinée à conquérir le marché américain. Il y avait eu un petit sursaut, l’année précédente*, mais c’est en 1978 que survient la bonne surprise de Misfits, leur 16ème album studio, dont la conception et l’esprit ne peuvent d’ailleurs être séparés de Sleepwalker.

Cela dit, à cette époque, les Kinks commençaient à ressembler à une peau de chagrin : le bassiste Andy Pyle et le pianiste John Gosling avaient prévu de quitter le groupe après l’enregistrement de cet album, et le batteur historique Mick Avory n’avait plus très envie.

Les frères Davies se retrouvent donc et font ce qu’ils savent faire, c’est à dire du rock n’ roll, et je trouve que “A Rock n’ Roll Fantasy” est une chanson très touchante. Il s’agit de la tentation , pour Ray Davies, auteur de la chanson, d’arrêter ce cirque du rock n’ roll, de «start a new life, be a new man». Et il raconte l’histoire de Dan, un fan des Kinks, qui passe sa vie à écouter leurs disques et à assister à leurs concerts, et qui se sent mieux de cette façon, qui ne pourrait pas vivre autrement. Mais en même temps, Ray pointe l’absurdité qu’il y a à vivre dans ce monde imaginaire du rock n’ roll, d’autant plus que «The King is dead**, rock is done».

Musicalement, la chanson ne démérite pas même si les Kinks des années 60 sont loin, et j’ai réécouté ça avec beaucoup de plaisir en écrivant ces quelques lignes.

https://www.youtube.com/watch?v=RPiBOWwt7tA

*voir ma chronique de “Sleepwalker”.

** Elvis Presley était mort le 16 août 1977.

C’était au Record Plant, à New York. Le Patti Smith Group travaillait sur son troisième album, Easter, pendant que dans un studio voisin, Bruce Springsteen accumulait les chansons pour Darkness On The Edge Of Time. Les deux artistes partageaient le même producteur, Jimmy Iovine. C’est donc tout naturellement que Springsteen confia à Iovine une chanson inachevée (musique et quelques indications du texte) à l’intention de Patti. Celle-ci écrivit les paroles en une soirée, paroles sensuelles, enflammées…

Il n’en fallait pas plus pour que Patti enregistre avec cette chanson, son plus gros succès commercial, tant en single, qu’avec l’album.

Portée par le piano de Bruce Brody*, Patti nous livre une version sensuelle mais rageuse, presque militante de cette magnifique chanson, poussée par la batterie de Jay Dee Daugherty. Lenny Kaye à la guitare et Ivan Král à la basse ne sont pas en reste, et cette version du Patti Smith Group me semble dominer largement la discographie de “Because The Night”, même si la version de Springsteen plane sur les même hauteurs. Grande chanson !

*Richard Sohl, le pianiste habituel du Patti Smith Group était malade.

Bien sûr, ça fait un peu bizarre d’écouter ça, 40 ans plus tard, et je me souviens maintenant que je les avais même vus sur scène, au Gibus, à cette époque. On était dans le post-punk, et Pere Ubu était réputé inaudible par la plupart des amateurs de rock. Mais pas par moi.

Pere Ubu était un groupe de Cleveland (Ohio) mené par la voix impossible de David Thomas, avec Tom Herman (guitare), Scott Krauss (batterie), Tony Maimone (basse, piano) et Allen Ravenstine (synthétiseurs et saxophones), et ce premier album, The Modern Dance est un sacrément bon album, même si pas à mettre à la portée de toutes les oreilles.

Avant d’être le lieu où l’on construisit le Rock And Roll Hall Of Fame, Cleveland, au bord du lac Erié, était une ville industrielle, et The Modern Dance porte la marque de cette industrie déclinante, puisqu’elle sera la première ville des USA à se déclarer en cessation de paiement.

“The Modern Dance” est rythmé par les coups d’un marteau et les halètements d’une machine à vapeur sortis des synthétiseurs analogiques de Ravenstine, et je m’aperçois en réécoutant ce titre, puis en réécoutant tout l’album, que  The Modern Dance reste l’une des choses les plus essentielles de toute l’histoire de la musique moderne.

Parce que, croyez-le ou non, et à la notable exception de Captain Beefheart, mais aussi du Velvet Underground, le rock avait, jusque là, des préoccupations esthétiques. Je veux dire que, de Chuck Berry jusqu’aux Sex Pistols (quoique, pour les Sex Pistols, je n’en mettrais pas ma main au feu…) le fil rouge qui court est celui de la recherche du beau (un peu comme dans les arts plastiques jusqu’à Marcel Duchamp). Mais le premier album de Pere Ubu n’a que faire de cette prétention ; il est la première manifestation d’une musique où la préoccupation sociologique prend le pas  sur tout le reste. D’une certaine façon, le rock du XXIème siècle commence avec The Modern Dance, et il n’y a pas ni à s’en féliciter, ni à le déplorer, c’est un fait.

La radicalité, mais, en même temps, l’humour noir de David Thomas et de ses amis permet que je puisse, en 2018, écouter avec le même plaisir cet intemporel chef-d’œuvre, et ce n’est certainement pas par snobisme que la plupart des critiques sérieux classent The Modern Dance parmi les disques les plus importants que le rock ait produit. Pere Ubu nous annonçait, même si la plupart se bouchaient les oreilles, que ce siècle qui avait hâte de commencer (puisque dès la chute du Mur de Berlin, on y était) serait bien celui de l’effondrement, de la mort de la planète, de la cacophonie et du cauchemar climatisé. Alfred Jarry doit sourire, dans sa tombe.