The Byrds ? En 1990 ? OldClaude commence à tout mélanger, le pauvre…

Pas du tout, les ami(e)s ! Même s’il s’agit d’une composition de Bob Dylan, écrite en 1962, c’est bien en août 1990 que Chris Hillmann, David Crosby et Roger McGuinn se réunirent dans un studio de Nashville pour enregistrer les 4 dernières chansons jamais gravées par The Byrds, parmi lesquelles ce “Paths Of Victory”, flamboyant.

Michael Clarke n’était pas là, et allait mourir le 19 décembre 1993, non plus que Gene Clark, qui allait nous quitter le 24 mai 1991.

Le prétexte de cette réunion était la préparation du coffret commémoratif, “The Byrds”.

Mais on peut également trouver ce titre sur le coffret “There Is A Season” de 2006, ainsi que sur la compilation de 2002, “The Byrds Play Dylan”.

Aussi indispensable que les titres des années 60 !

N’en déplaise à certains, je tiens les Milltown Brothers (quintette anglais mené par les frères Nelson) pour l’un des groupes les plus recommandables de cette période, et donc l’un des plus injustement sous-estimés.
Leur 1er album, “Slinky” fait aisément partie des meilleurs albums de 1991, et Sally Ann, en particulier, est une petite perle de naïveté et de nostalgie adolescentes ; Matt Nelson n’arrive pas, en effet, à admettre que ce qui fut un jour à lui (sic), en l’occurrence la nommée Sally Ann, soit maintenant partie, et il ne peut donc l’oublier.
Les guitares acoustiques tintinnabulent et précèdent la voix menaçante de la guitare électrique et de la basse, opposant peut-être le passé si heureux et le présent si oppressant, tout cela avec le rythme sautillant, en faveur au début de cette décennie.
Je dois vous avouer que je n’étais plus, depuis longtemps, un adolescent, en 1991. Mais, avec Sally Ann, en 2016, je suis encore un adolescent…

Ecrite par Stephen Duffy, produite par Duffy et John Leckie, cette chanson est initialement sortie en face B du single “The Laundry”. Les rééditions cd l’ont alors fait figurer sur l’album “And Love For All”, mais je me suis personnellement contenté de la dénicher sur l’impeccable compilation de The Lilac Time : Compendium – The Fontana Trinity (2001).
C’est une chanson sur le caractère éphémère et vain de nos possessions terrestres, une valse lente et triste avec la voix de Stephen, doublée par des chœurs somptueux, une guitare 12-cordes, une basse, une batterie et un synthétiseur singeant un accordéon.
N’oubliez pas The Lilac Time, groupe toujours en activité, et injustement sous-estimé. S. Duffy est, à n’en pas douter, un artiste majeur !

Lorsque j’avais chroniqué There She Goes, je m’étais, après cela, un peu reproché de ne pas avoir insisté sur la qualité de l’unique album des La’s, qui, n’en déplaise à Lee Mavers, est une merveille de pop à guitares, précédant d’au moins 3 ans l’explosion de la Britpop d’Oasis et consorts. Grâces en soient rendues à Steve Lillywhite, qui, contre vents et marées et surtout contre la folie de Mavers, a réalisé un album impeccable.
Témoin, ce “Feelin”, sorti en single l’année suivante et qui (ce qui, après tout, est assez naturel pour un groupe de Liverpool) nous démontre que la leçon des Beatles a bien été retenue par les La’s. Mais, bien sûr, ceux qui veulent de l’originalité, de la nouveauté, doivent chercher leur bonheur ailleurs que chez les La’s (ou que chez les groupes de Britpop) !

C’est de 1990 que je date cette chanson, œuvre la plus connue et la plus remarquable des La’s de Liverpool, dirigés d’une poigne de fer par leur leader, Lee Mavers, par ailleurs auteur et compositeur de cette emblématique réussite.
En fait la chanson date de 1988, et a connu une sortie en single, cette année-là, puis une réédition en 1990, ainsi qu’une autre en 1998, et enfin, une dernière, en 2008.
Je me réfère donc à la version de l’album, remixée par Steve Lillywhite, et qui a permis de donner à “There She Goes” un retentissement planétaire.
Les La’s ont toujours refusé de reconnaître qu’il s’agissait d’une ode à l’héroine. Quoi qu’il en soit, elle s’écoute toujours avec grand plaisir.

J’aime beaucoup ce “Aion” (éternité, en grec), 5ème album du groupe DCD, composé des Australiens Brendan Perry et Lisa Gerrard. La pochette représente un détail du panneau central du “Jardin des Délices ” de Jérôme Bosch.
Enregistré dans une église irlandaise, après la rupture de leur relation amoureuse, ce disque explore les musiques de la Renaissance européenne, en les revisitant, c’est-à-dire en ne cherchant aucune authenticité, ni recréation (comme peut le faire, par exemple Jordi Savall), mais en créant une atmosphère qui nous plonge habilement dans ces époques reculées.
Et c’est plutôt bien réussi sur ce Saltarello, pièce instrumentale inspirée d’une dance italienne du XIVème siècle, joyeuse et tournoyante, dominée par les percussions, les tambourins, sur lesquels vient se poser une magnifique phrase musicale, jouée, sauf erreur, par un instrument à anche double, (hautbois)peut-être ancien (cromorne).

Comme chacun sait, cette chanson écrite par Prince en 1984, a été reprise par la chanteuse irlandaise sur son 2ème album, “I Do Not Want What I Haven’t Got”, et a alors connu un succès mondial, cet album ayant été en tête des ventes, cette année-là.
Succès, à mon avis, amplement mérité car Sinead chante ces paroles de perte et d’absence avec une émotion palpable, et, quoique la production puisse apparaître, aujourd’hui, comme assez “datée”, la chanson a trouvé sa place parmi les “classiques”, et ce n’est que justice.

Eh bien, oui, c’est ce qui s’appelle enfoncer le clou. Récemment, je vous ai entretenu de l’amour que je porte au 1er album des Sundays, sorti en 1990, “Reading, Writing And Arithmetic”.
C’est la raison pour laquelle, quoique ayant choisi le point de vue de la chanson, c’est d’abord à une recommandation d’écouter tout l’album, à laquelle je voudrais vous convier, car c’est simplement dans cette perspective que vous pourrez mieux juger de l’importance du couple Harriett Wheeler-David Gavurin, pour la musique de ces années-là.
My Finest Hour est donc une autre merveille portée par la guitare tournoyante et toujours aussi inspirée de David, et la voix incroyable d’Harriett, qui chante des paroles dont je vous invite à apprécier l’ironie.
Il y a deux ans environ, j’ai entendu dire que le couple avait l’intention de revenir à la musique (les enfants doivent être grands, maintenant !), mais rien, depuis.
Il y aurait pourtant, contrairement à certains groupes dont la reformation fut inutile, une vraie occasion de se réjouir, si cela arrivait.

Allez ! Je n’y vais pas par quatre chemins : voilà l’un des 5 meilleurs albums de 1990. Et même si le single proposant cette chanson est sorti en 1989, je n’ai eu la révélation du génie des Sundays qu’en 1990.
Génie ? Vous y allez un peu fort. Grande réussite, talent certain, mais génie !..
Je maintiens. D’abord parce que, à part Can’t Be Sure, cet album offre 2 ou 3 autres titres renversants, et qu’à ce niveau-là, ce n’est plus le hasard heureux d’une mélodie bien troussée.
Ecoutez bien. Le batteur, Patrick Hannan, se contente de taper sur ses toms pendant 2 minutes et demie d’une chanson qui ne fait pas 3 minutes et demie. Le bassiste, Paul Brindley, n’intervient, lui, que pendant cette dernière minute. D’ailleurs cette chanson n’est pas fichue comme beaucoup d’autres, l’alternance couplet-refrain n’est pas respectée.
Ecoutez le guitariste, David Gavurin, par ailleurs compositeur ; il sublime cette chanson en créant autour du chant un accompagnement qui doit, certes, beaucoup à Johnny Marr des Smiths, mais qui n’a rien à lui envier. Ce garçon, qui formera bientôt un couple avec la chanteuse, fait partie des plus grands guitaristes des 90’s !
La chanteuse. Harriett Wheeler. Une voix qui ne ressemble à aucune autre, l’une des plus belles que l’Angleterre nous ai données, la voix que la Lolita de Nabokov aurait dû avoir, une voix de sucre d’orge ou de sucette à l’anis. Quiconque a entendu un jour cette voix, aura simplement envie de la retrouver, Dimanche après Dimanche.
Et, qu’est-ce qu’elle raconte dans Can’t Be Sure, votre Harriett ? Certainement des bêtises de petite fille. Jugez plutôt :
“Savez-vous, le désir est une chose terrible, la pire que je puisse trouver, mais j’ai confiance dans le mien”, et, plus loin, “et si je ne peux pas être sûre de ce que je veux, c’est ma vie”

Pas mal, pour une petite fille ?

Voilà encore des gens qui n’existeraient pas sans le Velvet Underground. Originaires d’Hoboken, actifs depuis le milieu des années 80, Ira Kaplan et Georgia Hubley, rejoints par Dave Schramm et Dave Rick, ce dernier, vite remplacé par Mike Lewis, sortent, en 1990 un disque de reprises, plutôt obscures, “Fakebook”, parmi lesquelles brille d’un éclat particulier, le remarquable You Tore Me Down.
La version originale de ce titre figure sur le “Shake Some Action” des Flamin’ Groovies de 1976, et est hautement recommandable, mais, une fois n’est pas coutume, la reprise est largement supérieure. Le morceau est traité de façon très “acoustique”, le son des guitares est très pur et très clair, et le motif magnifique qui ouvre la chanson, et la ponctue, avant que n’entrent les deux voix, est de ceux que l’on n’oublie pas. Al Greller est à la contrebasse, et le travail de Georgia aux balais est d’une remarquable délicatesse.