Très honnêtement, je ne suis pas un grand spécialiste de cette belle américaine à la splendide chevelure rousse, auteur, compositeur, pianiste, chanteuse, maintenant à la tête d’une longue discographie, et qui, avec le titre que j’ai choisi de vous présenter, s’imposait dans le panorama des artistes les plus talentueuses. J’ai peut-être jugé qu’elle était un peu trop proche d’un “mainstream” dont je souhaite me tenir éloigné. Je préfère penser, aujourd’hui, que c’est une sorte de Kate Bush d’outre-Atlantique, ce qu’il faut considérer comme un vrai compliment.

“Crucify” figure, en effet, dans le premier album de Tori, “Little Earthquakes”, et est, sans doute, son titre le plus célèbre. C’est aussi, probablement, l’une des premières chansons qu’elle a composée pour cet album, et il faut reconnaître que, pour un coup d’essai, il s’agit d’un coup de maître.

N’hésitez pas à aller regarder les différentes vidéos des interprétations en public de “Crucify” ; vous pourrez y constater que Tori Amos est une interprète très attachante dont l’engagement artistique et émotionnel est entier, une vraie personnalité, une grande artiste.

Après l’album du succès, “Out Of Time”, vint, l’année suivante, l’album de la consécration, sans doute l’œuvre la plus célèbre de R.E.M., “Automatic For The People”, et ses six singles, qui furent autant de succès commerciaux.

J’ai pourtant choisi de mettre en lumière un titre de cet album qui n’eut pas l’honneur de sortir en single, et qui est pourtant l’un de mes titres préférés de AFTP, si ce n’est mon préféré.

“Monty Got A Raw Deal” qui met en avant la guitare et la mandoline de Peter Buck, évoque la figure de Monty, l’acteur Montgomery Clift (1920-1966) dont la vie agitée (homosexualité, addictions, alcoolisme, accident de voiture, décès prématuré..) fournit à Michael Stipe un modèle d’identification trop évident. Mais, cependant, la proximité émotionnelle entre ces deux hommes est telle, que la chanson fonctionne, et parvient à transmettre aux auditeurs le désarroi de Stipe.

Oui, il s’agit d’une chanson bouleversante dans la discographie de R.E.M., une chanson forte et sombre, l’une de celles qui font l’importance du quatuor d’Athens (Georgia) dans la musique, et même dans la conscience de l’Amérique de cette époque.

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*voir les chroniques, “Shiny Happy People” et “Me, In Honey”.

“Us”, le 6ème album studio de Peter Gabriel est un album superbe, d’une tonalité assez sombre, mais qui se hisse presque au niveau de la merveille qui l’a précédé, “So”.

Je vous avoue cependant que j’écoute plus souvent le live issu de la tournée, “Secret World Live”.

Peter a écrit cette chanson pour déplorer le manque de communication qu’il avait avec sa fille Melanie, après qu’il eût quitté le domicile conjugal. Pas d’inquiétude, Melanie est maintenant la choriste principale de son père, au cours des tournées !

Produit par Peter et Daniel Lanois, La structure percussive de base de “Come Talk To Me” a été élaborée par le percussionniste sénégalais Doudou N’Diaye Rose. La cornemuse qui illustre le début de la chanson est jouée par Chris Ormston, et les musiciens principaux qui entourent Peter sont David Rhodes aux guitares, Tony Levin aux basses, et notre Manu Katché national à la batterie, sans oublier la voix de Sinead O’Connor.

Ceux qui me suivent ne seront pas étonnés que j’attire leur attention sur la reprise que Bon Iver a faite de “Come Talk To Me”…

Très jolie chanson, qui figure sur le 3ème album de The House Of Love, “Babe Rainbow”. Rien ne va plus chez House Of Love quand ils entrent en studio pour cet album, sous la houlette de Warne Livesey. Terry Bickers est parti, et les musiciens, outre Guy Chadwick, guitares et voix, sont Pete Evans à la batterie, et Chris Groothizen à la basse. Simon Walker n’est crédité que comme “guitariste additionnel”, tout comme sont “additionnels” Pandit Denesh, Carol Kenyan, Warne Livesey et Andrea Heukamp, ancienne membre à part entière.

“Babe Rainbow” marque le déclin commercial de The House Of Love (très mauvais résultat au Royaume-Uni, résultat plutôt bon en France), alors qu’il s’agit d’un très bon album. Ce “Fade Away”, composé par Chadwick (comme à peu près tout dans The House Of Love) est une dentelle fine et légère, un petit morceau de mélancolie amoureuse qu’effleure la voix de Guy (sans doute rejointe par celle d’Andrea, dans le dernier couplet). Pourquoi le public, qui avait bâti à The House Of Love un succès mérité, a-t-il boudé et dédaigné les chansons tout aussi belles qui composaient cet album ? L’absence de Bickers ? L’absence de chansons du calibre de “Shine On” ? L’arrivée du grunge et de Nirvana ? Quoi qu’il en soit, cette chronique est une tentative de réhabilitation, et j’espère que la cible est atteinte, car “Fade Away” et la plupart des autres chansons de ce disque , le méritent.

Je vous ai déjà*exprimé toute l’admiration que je portais aux Nits. J’ai choisi, pour commencer, de mettre en avant cet album, “Ting”, mais j’aurais pu choisir 10 autres albums et soyez certains que j’y reviendrai.

L’instrumentation particulière présente dans tout l’album imprime à celui-ci sa couleur inédite : Rob Kloet n’utilise pas de batterie, mais des timbales d’orchestre classique et des percussions diverses. Robert Jan Stips et Henk Hofstede se partagent les voix et les pianos ; il n’y a pas de guitare, seulement une basse, ainsi qu’un violoncelle.

Et puis, il y a ces pierres sculptées par l’artiste suisse Arthur Schneiter, qui chantent quand on les frotte et qui font “ting” quand on les frappe. Schneiter lui-même et un autre percussionniste utilisent ces différents sons dans ce morceau.

“Ting” est la démonstration que la musique pop, loin d’être le pilonnage sonore dénoncé par certains**, peut être d’une légèreté et d’une délicatesse exquises. Bien entendu, l’emploi de percussions résonnant dans un registre aigu souligne l’ambiance “clochettes” de tout cela ; mais j’écris ça sans ironie aucune, tant ces petits bruits confèrent à “Ting” un caractère reposant et apaisant. Nous ne sommes pas, pour autant, dans ces musiques “new age” qui privilégient la relaxation et un certain type de spiritualité, car “Ting” bénéficie d’une structure mélodique rigoureuse qui ne laisse la place à aucun relâchement.

Cette place assez unique, aussi bien dans la discographie des Nits que dans la pop musique en général, fait tout le prix de “Ting”.

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*voir ma chronique de “Cars And Cars”.

**ne soyons pas hypocrites, ça existe aussi !

Je ne sais pas si “Ting”, l’album des Nits d’où est tirée cette chanson, “Cars And Cars”, est leur chef-d’œuvre, car, de mon point de vue, les Nits, qui ont produit une vingtaine d’albums, depuis leur formation, en 1974, à Amsterdam, jusqu’à nos jours, n’ont produit que des chefs-d’œuvre.

Mais il est vrai que “Ting” est l’un des sommets des Nits, et que l’onomatopée cristalline du titre représente bien la quinzaine de chansons qui y figurent. Car qu’y a-t-il de plus délicat, de plus élégant, de plus européen, au sens où les Nits sont des héritiers lointains de la grande culture flamande du XVIIème siècle, que “Ting” ? Remercions Henk Hofstede, le chanteur, Rob Kloet, le batteur et percussionniste, l’inoubliable partition de piano de Robert Jan Stips. Ils sont ici secondés par la basse de Martin Bakker, et le violoncelle de Dieuwke Kleijn.

Les Nits sont un trésor caché, une mine inépuisable de mélodies somptueuses et délicatement ciselées. Je me souviens les avoir vus en concert, à Paris, en juin 1994, et j’en garde un souvenir ébloui. Il faut toujours revenir vers les Nits et leur conception de la musique, qui ne laisse aucune place au racolage, à la vénalité et à la médiocrité.

Pour leur premier album chez 4AD, le label d’Ivo Watts-Russell, Anthony Koutsos, Jerry Vessel, Gordon Mack et Mark Kozelek apportèrent leurs maquettes à Ivo. Celui-ci, par choix artistique délibéré se contenta de les remixer, en les gavant d’effets d’écho et de réverbération, comme l’époque l’exigeait.

Il n’en reste pas moins que “Down Colorful Hill”, et en particulier le morceau éponyme que j’ai choisi de vous présenter, est un album impressionnant, pas autant que “Ocean Beach” ou “Rollercoaster”, mais déjà impressionnant par ce qu’il révèle de la maturité et de la profondeur de Mark Kozelek, auteur et compositeur de tous les titres.

Koutsos, par son jeu de batterie, transforme cette chanson en une sorte de marche funèbre, effet encore accentué par les presque 11 minutes que dure le morceau.

Ayant réécouté de nombreuses fois cette chanson, ainsi que tout l’album, d’ailleurs, le côté dépressif de cette première œuvre un peu inaboutie de Kozelek me semble toujours aussi évident, mais j’y perçois aujourd’hui plus de douleur que de tristesse. Plus précisément, il me semble que la tristesse est un sentiment éphémère, même si je ne remets pas en cause son authenticité ou sa profondeur. La douleur kozelekienne est perpétuelle et continue à irriguer toute sa production. Ce “chant grégorien pour incroyants” n’est que le bourgeon d’une œuvre immense.

Les Screaming Trees se sont formés vers 1985 dans la région de Seattle, ce qui les place parmi les groupes qui ont favorisé l’émergence du grunge et de Nirvana.

En 1992, les Screaming Trees sortent leur 6ème album, probablement leur meilleur et leur plus commercial, avec Barrett Martin à la batterie (impressionnant sur le clip vidéo de “Shadow Of The Season”), les frères Conner, Van et Gary Lee, respectivement à la basse et à la guitare, et Mark Lanegan au chant. Le groupe s’est séparé en 2000. Je ne vais pas vous raconter leur histoire en détail, mais dites-vous que, à côté des frères Conner, les frères Gallagher, d’Oasis, étaient des enfants de chœur ; quant à Lanegan, il est clean depuis pas mal de temps, mais ce n’était vraiment pas le cas du temps des Screaming Trees. Passons.

“Shadow Of The Season” est ma première rencontre avec la voix abyssale de Mark Lanegan. Je serais assez enclin à dire que Mark était le meilleur chanteur de ce mouvement grunge, et sa carrière solo que j’aborderai dans des chroniques ultérieures est d’une qualité suffisante pour qu’on s’y arrête assez longuement.

En tous cas, cette chanson vaut surtout par cette voix au timbre unique, ce baryton magnifique que peu de chanteurs rock possèdent ; le regretté Leonard Cohen, ou Tom Waits ne soutiennent à mon avis pas la comparaison avec Mark.

On pourrait d’ailleurs se demander pour quelle raison le rock et la pop ne produisent que des chanteurs dont l’unique ambition est de tutoyer le registre aigu, comme s’il s’agissait d’une épreuve de saut en hauteur dans un concours d’athlétisme ! J’ai quelques éléments de réponse qui pourraient apparaître dans une chronique ultérieure, mais n’hésitez pas, chères lectrices et chers lecteurs, à me transmettre vos idées et hypothèses sur cette question ; il y a là matière à un débat intéressant.

Cette chanson proprement miraculeuse est une reprise. L’organiste d’un groupe pop néo-zélandais, The Fourmyula, Wayne Mason, âgé seulement de 19 ans, l’écrivit en à peine une heure, assis sur le porche de sa maison, et le single de The Fourmyula, sorti en 1969 permit à “Nature” d’être classée “Meilleure chanson néo-zélandaise du XXème siècle”.

Reprise par un groupe d’Auckland, The Mutton Birds, sur leur premier single, dans une interprétation plus “rock”, elle permit à ce groupe, mené par le chanteur et guitariste Don McGlashan d’obtenir un grand succès dans leur pays.

Il est vrai que je viens d’écrire que cette chanson est miraculeuse. Peut-être faudrait-il que je vous définisse ce qu’est, pour moi, une chanson miraculeuse ; c’est très simple, il s’agit d’une chanson que vous entendez une fois et qui ne vous lâchera plus jamais, une chanson qui vous appartient et à qui vous appartenez.

Sur un rythme que je qualifierais de tellurique, rentrent une basse et une guitare plutôt distordue, ce qui crée un contraste frappant et réjouissant avec une partie vocale beaucoup plus aérienne, où la voix de Don est rejointe par des chœurs qui évoquent fortement les Beach Boys. Le refrain, tout en onomatopées, vous emmène encore plus haut, d’autant qu’après le très classique chorus de guitare électrique, les onomatopées se piquent de ressembler à une chorale d’anges, soutenue par une guitare acoustique. Celle-ci  parvient à dominer le grondement toujours présent de l’électrique, laquelle finit par reprendre le dessus dans une explosion finale proprement dionysiaque.

C’est cet équilibre assez extraordinaire entre deux directions diamétralement opposées, qui me paraît si fascinant et si réussi dans cette chanson.*

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* Le clip vidéo est très sympathique, également.

Ayant beaucoup de mal à quitter ce “Nonsvch”, si riche et si beau, c’est encore vers Colin Moulding que je vais me tourner, avec ce “My Bird Performs”, dont Andy disait que c’est “la plus belle mélodie que Paul Simon n’a jamais écrite”.
Les très belles interventions de trompette sont dues à Guy Barker, le synthétiseur de Dave Gregory figure un oiseau acceptable, et sa Rickenbacker est toujours en bonne place. Dave Mattacks, comme à chaque fois, bat avec une précision, un goût et une économie de moyens, remarquables. Quant à Andy, il se charge du riff de guitare. Mais il faut souligner, une nouvelle fois, la qualité du chant de Colin, et celle de son jeu sur sa basse fretless*.
Je ne l’ai pas encore signalé, car cet aspect commercial m’intéresse assez peu, mais “Nonsvch” aura une carrière commerciale peu brillante, fait encore aggravé par la reprise de Virgin par EMI. Le signe principal de ce désintérêt de la maison de disques, c’est la destruction de ce single prévu**.
Et XTC va entamer un long sommeil qui ne s’achèvera-mais de quelle façon !- que six ans plus tard…

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*Moulding, à la basse, est certainement du niveau d’un Paul Mc Cartney, et ma comparaison est loin d’être fortuite.
**voir ma chronique de “Wrapped In Grey“

L’un des sommets de “Nonsvch”, dont vous savez maintenant* qu’il est l’un des sommets de l’œuvre de XTC.

Au cas d’ailleurs, où vous auriez entre les mains un exemplaire du single fabriqué, puis immédiatement retiré du marché et détruit par Virgin, de ce “Wrapped In Grey”, gardez-le précieusement : j’ai vu qu’un des rares exemplaires préservés était proposé à plus de $ 5 000 sur un site marchand !

Mais, pour moi, cette chanson vaut beaucoup plus par sa qualité artistique : pas de guitare, ici, mais un quatuor à cordes, la basse de Colin et la batterie de Dave Mattacks, les percussions et le tambourin d’Andy, qui chante sa magnifique composition, jouant sur l’alternance de passages en tonalités mineures et majeures.

C’est Dave Gregory qui débute le morceau par des accords de piano sur un rythme ternaire, vite rejoints par le quatuor et par Andy. Se déroule ensuite l’alternance de couplets et refrains, redoublant l’alternance tonale évoquée plus haut, et, témoignant de la liberté et de la maîtrise d’Andy ; et c’est une phrase musicale tout à fait différente qui vient conclure cette splendide composition.

Je dirais qu’avec cette chanson, bourgeonne ce qui va éclore 7 ans plus tard dans “Apple Venus vol. 1”. J’aurai, évidemment, l’occasion d’y revenir.

 

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*voir “Then She Appeared” et “The Smartest Monkeys“

Sans l’insistance de Gus Dudgeon, le producteur, “Then She Appeared” n’aurait jamais dû figurer sur “Nonsvch”. Andy Partridge n’aime pas trop cette chanson, qu’il avait écrite pour qu’elle figure sur un disque gratuit donné aux lecteurs d’un magazine destiné aux amateurs de musique psychédélique*.

Mais le magazine n’est jamais paru, et si on veut avoir une idée de cette chanson initiale, il faut aller l’écouter sur l’un des disques de maquettes de Partridge**, avec des paroles un peu différentes.

Un mot sur les paroles, pour dire que, d’après Andy, cette chanson est la seule chanson pop connue qui cite Fox Talbot***! Et le bonnet phrygien (phrygian cap) est une référence à Marianne qui, à l’époque, était son épouse.

Et, bien sûr, on ne peut passer sous silence le fait que dans le premier vers de la chanson, on trouve les mots “apple venus”, qui seront les titres des deux futurs et derniers albums d’XTC.

Enfin, si on veut bien se reporter à un autre volume des “Fuzzy Warbles”****, on trouvera une chanson d’Andy, “Goodbye Humanosaurus”, qui partage une ligne mélodique commune avec “Then She Appeared”.

Quant à la chanson elle-même, je trouve qu’Andy est sévère avec lui-même, et qu’elle a toute sa place dans “Nonsvch”. Colin est impérial sur sa fretless basse, Dave Mattacks fait exactement ce qu’il faut sur sa batterie, et est responsable de l’échantillon de sitar, Dave Gregory nous fait venir des sourires de béatitude avec sa Rickenbacker 12-cordes, et c’est lui qui est responsable de ces petits sons de flûte qu’on croirait sortis d’un Mellotron (parce qu’ils ne sont pas complètement justes) mais qui ont été réalisés sur un E-mu Proteus.

Et Andy chante, fait les chœurs et joue l’autre guitare électrique, 6-cordes.

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*un certain nombre d’informations contenues dans mon texte sont empruntées à une interview donnée par Andy à Todd Bernhardt en 2007.

**Fuzzy Warbles volume 2

***William Henry Fox Talbot (1800-1877), pionnier britannique de la photographie

****volume 3