Vous qui me connaissez déjà un peu, vous savez que je pense que Mark Kozelek est le meilleur parolier américain actuel. Mieux que…? Oui.

Témoin ce splendide et désespéré “Uncle Joe” qu’on trouve sur le 3ème album du groupe, “Red House Painters”*, mais dont les morceaux ont été enregistrés pendant les sessions de “Rollercoaster”.**

Je traduis le premier couplet pour que vous ayez la curiosité de vous confronter au texte de Mark.

“Où sont partis tous les gens de ma vie

Je regarde le plafond avec

Un sentiment horrible de perte et de solitude

La douleur de l’écran neigeux de télévision la nuit”…

Et il est ensuite question de larmes, de maladie mentale et de suicide ; vous l’aurez compris, Kozelek n’est pas un rigolo.

Et ce texte est servi par une musique qui lui va comme un gant, des guitares qui sonnent comme si elles avaient été enregistrées dans une cathédrale, et la voix de Mark, comme si elle avait été enregistrée dans un hôpital psychiatrique.

Chef-d’œuvre.

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*dont le titre officieux est “Bridge”, pour le distinguer du “Rollercoaster” qui le précède et qui se nomme également “Red House Painters”.

**voir la chronique de “Down Colorful Hill”

Bien sûr, on va me demander pourquoi, sur ce deuxième album de Mazzy Star, l’inoubliable “So Tonight That I Might See”, je n’ai pas mis en avant “Fade Into You”. La réponse est simple : “Fade Into You” est une chanson de toute beauté, mais “Into Dust”, composition de Dave Roback sur des paroles d’Hope Sandoval, touche au sublime.

Une guitare, un violon, et la voix d’Hope Sandoval. Comme le dit Matthew Horton, journaliste au NME, Mazzy Star est “le plus grand groupe du monde à n’avoir jamais influencé personne”. Et, en effet, Mazzy Star est unique, parce que Dave Roback sait parfaitement installer des ambiances de rêverie, d’hypnose, de paradis artificiels. Et Hope Sandoval le complète de manière admirable avec une voix d’une sensualité sans pareille, une voix qui est une invitation à la luxure. Mais attention ! aucune vulgarité dans cette voix, aucun appel à un débridement des sens, comme chez une Tina Turner, par exemple ; c’est une voix qui ne se révèle à vous que si vous acceptez de la suivre, on l’a dit assez souvent, une voix de sirène, une voix dangereuse et toxique.

Cette musique d’évanouissement, de fusion dans l’autre, de perte des repères, est aussi une musique d’immobilité et de renoncement. Elle est l’antidote parfait, en 1993, comme aujourd’hui, à la course et à la folie du monde qui nous entoure

Si vous me demandiez quelle est la chanson qui a passé le plus de temps sur ma platine cd, en 1993, il y a de grandes chances que je vous réponde “Sometimes”, par James.

James est un groupe originaire de Manchester, formé en 1982, qui a connu le succès dans les 90’s, et qui a cessé son activité en 2001, avec le départ du chanteur, Tim Booth.*

“Laid” est leur 5ème album, et il est important de savoir qu’il a été produit par Brian Eno, qui les adorait et qui voyait en eux l’équivalent anglais du Velvet Underground. Le groupe, à l’époque, comportait six musiciens : Tim Booth, bien sûr, au chant, Larry Gott à la guitare solo, Saul Davies à la guitare rythmique, Mark Hunter aux claviers, Jim Glennie à la basse et David Baynton-Power à la batterie.

“Sometimes” est donc, pour moi, le sommet de l’œuvre de James, même si “Come Home” ou “Sit Down” peuvent être plus connus. C’est vraiment une chanson destinée à être interprétée en public, et de préférence devant une large assemblée, tant elle se prête à déclencher le chant de ce public : “Sometimes, when I look in your eyes, I can see your soul”. Cette chanson rend HEUREUX, il n’y en a pas d’autre qui fasse, à ce point, cet effet-là, et quand le refrain final est  repris en chœur par des dizaines de milliers de spectateurs, croyez-moi, ça ne peut pas ne pas vous faire frissonner.

“Sometimes” est construite très simplement, comme toutes les grandes choses, avec la guitare de Davies qui joue continuellement trois accords ; le retour sur la fondamentale installe une sorte de bourdon, encore mis en valeur par l’orgue qui redouble et insiste, par la basse, qui le redouble,  et par le motif circulaire construit par la batterie. Là-dessus, la voix, mi-parlée, mi-chantée de Tim fait graduellement monter tout le groupe  vers l’explosion chorale de la fin. J’ai commencé en vous disant que “Sometimes” était probablement la chanson que j’avais le plus écouté en 1993 ; si ça continue comme ça, ça pourrait devenir ma chanson la plus écoutée en 2017 !

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*Il y a eu une brève réunification en 2007.

Je ne me sens pas très compétent pour parler de “Violently Happy”. La techno est un genre que je n’explore guère, même si je peux parfois y trouver un certain plaisir.
Mais j’ai acheté, à l’époque le cd “Debut” de Björk, parce que je connaissais et appréciais son travail beaucoup plus pop avec les Sugarcubes. Cette nouvelle orientation me semblait très réussie ; “Debut” est un excellent album, et j’ai suivi l’évolution de Björk avec beaucoup d’intérêt, et pendant de nombreuses années.
Il faut dire que Björk est une artiste majeure, dont la créativité semble sans limites, et la reconnaissance et le respect dont elle jouit dans le monde de la musique (et bien au-delà) sont amplement mérités.
Il faut dire aussi qu’elle possède une voix sans égale qui fait que ses possibilités et son timbre sont uniques ; s’il y a bien une chanteuse que l’on reconnaît dès les premières notes qu’elle émet, c’est Björk.
“Violently Happy” a été écrite par Björk et Nellee Hooper, est sortie en single, et a fourni la matière à un clip dirigé par J-B. Mondino.
Pour vous dire un peu plus ma position par rapport à Björk, c’est une artiste que je rapproche souvent de Radiohead : énormément de talent et de possibilités, mais un goût pour le sérieux et l’expérimentation qui la font parfois se perdre aux confins de la musique contemporaine, dans des contrées envahies par la complaisance et l’ennui.

Qui a entendu parler des Trash Can Sinatras, basés à Irvine, sur la côte ouest de l’Ecosse ? Pas grand monde apparemment. Et pourtant, les TCS existent depuis 1987, et la meilleure nouvelle, c’est qu’ils continuent à jouer, 30 ans plus tard, évidemment avec une reconnaissance commerciale limitée.
Je n’ai fait leur connaissance qu’au moment de la sortie de leur 2ème album, “I’ve Seen Everything”, qui contient la chanson éponyme, qui va m’occuper plus longuement, mais leurs six albums ne m’ont pas échappé, et j’espère qu’il en sera de même pour vous.
Ils me font un petit peu penser à Teenage Fanclub, par leur longévité, et par cette façon qu’ils ont de tracer leur sillon, sans se soucier des modes, ni de la reconnaissance du public. Ils évoluent cependant dans un style qui les rapprochent de groupes comme les Smiths, mais sans la pompe et le sérieux de Morrissey.
Il y a un adjectif qui me vient à l’esprit à propos de cet album, c’est “féminin”. Ne me taxez pas de sexisme, mais la qualité des émotions, la tendresse de ces chansons, la délicatesse de tout l’album, la grâce de ce qui se déroule, et de ce qui se dit dans les paroles, m’évoquent des qualités qu’on n’associe pas habituellement à ces rudes hommes du nord.
Et puis, l’album a été produit par Ray Shulman, et ce blog vous apprendra, sans doute, à quel point Ray Shulman est important, pour moi.
Donc, David Hughes à la basse, Stephen Douglas, à la batterie et au chant, John Douglas à la guitare rythmique et au chant, Paul Livingston à la guitare lead, et Frank Reader, chanteur principal et guitare acoustique*, nous offrent cette chanson où affleurent toutes ces émotions, une chanson un peu triste, bien sûr, une chanson d’amour, de nostalgie, propice à la rêverie. On ne peut pas faire autrement que de chérir les Trash Can Sinatras (qui ont maintenant modifié leur nom en Trashcan Sinatras), de les connaître mieux et de les faire connaître. Je compte sur vous.
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*et pour cette chanson, Allison Thomson à la trompette.

Je n’ai pas une grande familiarité avec l’œuvre enregistrée de Midnight Oil. Ce sont de grands musiciens, mais j’ai toujours été un peu hérissé par la voix de Peter Garrett. Cela dit, j’ai pris connaissance, assez récemment de leur 8ème album studio, “Earth And Sun And Moon”, et j’ai été plus qu’agréablement surpris par la qualité des compositions, l’engagement très australien et très écologique des textes, alors que, par ailleurs, cet album, produit par Nick Launay a représenté le début du déclin commercial de MO.
J’ai particulièrement retenu (mais je vous l’assure, tout l’album mérite d’être écouté) la dernière chanson, composée par Garrett et Jim Moginie (guitares, claviers) qui explore un côté un peu “folk” des Australiens. Débutant d’une façon funky, grâce à la basse de Bones Hillman et l’excellente, quoique ici métronomique, batterie de Rob Hirst, cette chanson trouve son épiphanie dans le magnifique refrain qui voit se rejoindre tous les chanteurs du groupe, accompagnés par les guitares de Martin Rotsey. La modulation, à la fin de ce refrain est particulièrement audacieuse et splendide. Ces chœurs donnent au morceau toute sa profondeur et son émotion, en particulier parce qu’ils dérivent vers une sorte de chant tribal (Hey la hey la hey la ha ha ha ha hey hey hey).*
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*Et puis, vous commencez à me connaître : un morceau dans lequel je reconnais le son d’une Rickenbacker 12-cordes a toutes les chances d’emporter mon adhésion !

Encore un magnifique album, que je vous conseille vivement d’écouter dans son intégralité, mais dont j’extrais la chanson qui lui donne son titre, “Fuzzy”.
Grant Lee Buffalo était un trio californien, composé de Grant-Lee Phillips, au chant et aux guitares, Paul Kimble, au piano, à la basse et Joey Peters à la batterie.
C’est Paul Kimble qui a produit l’album, et tout l’intérêt de “Fuzzy” est qu’il fait une admirable synthèse de beaucoup de choses très intéressantes qui créaient le son de cette époque. C’est, en effet, un mélange de folk, d’americana, de rock alternatif, voire de britpop, avec quelques réminiscences noisy. Et la mayonnaise prend bien ! il faut dire que Grant-Lee est un extraordinaire chanteur*, et qu’il utilise sa grosse 12-cordes à caisse avec une amplification et des effets qui l’éloignent considérablement du champ des musiques acoustiques traditionnelles. Joey Peters n’est pas en reste, lui que R.E.M. a choisi pour remplacer au pied levé Bill Berry, victime d’un accident vasculaire cérébral. Et Paul Kimble est un bassiste talentueux et spectaculaire.
Tout cela est au service d’une chanson, “Fuzzy”, dont la mélodie simple, immédiate, évidente, s’impose à vous pour ne plus vous lâcher, et, au risque de me répéter, portée par une voix dont l’ampleur, l’expressivité, la décontraction, la puissance, me font m’interroger sur la suite de carrière, plutôt modeste, que Grant-Lee Phillips a connue**.
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*le magazine Rolling Stone l’a désigné comme meilleur vocaliste en 1994.
** voir mes chroniques de l’album de Grant-Lee Phillips, “Mobilize”.

Comme à peu près tout le monde, j’ai découvert Radiohead avec ce disque, “Pablo Honey”, sur lequel figure cette chanson, “Thinking About You”, mais les “spécialistes” et autres maniaques de Radiohead ne manqueront pas de me faire remarquer que “Thinking About You” était déjà sur la compilation de démos “Manic Hedgehog” de 1991, ainsi que sur le EP “Drill” (1991). Dont acte.
Et puis, en faisant mes petites recherches sur Internet, je suis tombé sur un site de critiques français, que je ne nommerai pas, dans lequel certains collaborateurs font la fine bouche devant “Pablo Honey” (en mettant de côté l’intouchable “Creep”, évidemment !), en le désignant comme “plus mauvais album de Radiohead”. N’écoutant que ma conscience professionnelle, je me suis fait un devoir de revenir vers “Pablo Honey” dans son intégralité (ce qui, je l’avoue, ne m’était pas arrivé depuis longtemps) ; eh bien, messieurs (oui, que des hommes parmi ces critiques), laissez-moi vous dire que “Pablo Honey” est un très bon, très honorable album de pop à guitares comme il s’en faisait beaucoup dans ces années post-grunge. D’accord, ça ne sort pas de l’ordinaire comme ce qu’ils pourront faire par la suite, mais, au moins, ils ne se prennent pas pour Beethoven, John Cage et Stockhausen réunis*, comme dans un certain nombre d’œuvres postérieures que je ne nommerai pas.
D’autre part, mettre en regard une “œuvre de jeunesse” et une “œuvre de la maturité” peut être intéressant pour discerner ce qui dans celle-ci annonce celle-là, mais n’est pas pertinent pour tenter de hiérarchiser la “qualité artistique”. Ou, pour le dire plus simplement, ce n’est pas parce que l’album suivant est plus abouti que “Pablo Honey”, qu’il l’annihile et lui fait perdre toute valeur. Pour critiquer une œuvre de quelque nature qu’elle soit, il faut, certes, la replacer dans son contexte historique et culturel, mais ensuite lui appliquer des critères esthétiques qui, eux, ne doivent pas être relativisés.
Et ce “Thinking About You”, chanson préférée de la maman de Thom, avant qu’elle apprenne que ça parle de masturbation, est vraiment une chanson excellente, révélant tout le talent de Phil Selway, Colin Greenwood, Ed O’Brien, Jon Greewood et Thom E. Yorke, brillant parolier et brillant chanteur.
Oui, je donnerais aisément deux ou trois albums récents de Radiohead contre ce “Thinking About You”…

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*Quelqu’un pourrait-il m’héberger quelques jours afin que j’échappe à la vengeance des Radiohead’s maniacs qui veulent me faire subir les derniers outrages ?