Lorsque j’ai décidé de clôturer ce blog, je ne connaissais pas ce groupe anglais de Thurston-upon-Thames, et il m’a fallu attendre le décès de son leader, chanteur et compositeur, Tim Smith (3 juillet 1961-21 juillet 2020) pour m’apercevoir qu’un génie musical dont je n’avais jamais entendu parler (remarquez, je ne suis pas le seul) avait quitté ce monde. Il faut malheureusement ajouter que Tim Smith n’était plus très présent depuis quelques années, puisqu’en juin 2008, en sortant d’un concert de My Bloody Valentine, il fut frappé par un accident vasculaire cérébral, qui le laissa très diminué, dont la récupération fut très longue et très incomplète, ce qui marqua donc la fin de Cardiacs.

Cardiacs s’est formé en 1977, année punk, s’il en fût, et une grande partie de l’« ADN musical » du groupe appartient à ce courant esthétique, l’autre racine étant, le croirez-vous, fermement fixée au rock progressif, dont, pourtant, toute la punkitude souhaitait la disparition ! Mais Tim Smith n’avait que faire des chapelles et des étiquettes, lui qui déclarait simplement jouer de la pop, et être influencé par la musique psychédélique.

Quand on ne connaît pas Cardiacs, on peut très bien aller à la rencontre de ses œuvres complètes, (2 cassettes de démos, 14 singles et EP, 4 compilations, 5 albums live et 9 albums studio, plus 2 DVD) et c’est ce que j’ai essayé de faire pour vous, avec l’enthousiasme du néophyte, mais on peut aussi bien se contenter de demander : « Quel est le meilleur album de Cardiacs ? », et là, tous les spécialistes répondent : « Le double album Sing To God ». C’est comme chez le médecin, c’est rassurant quand tout le monde est d’accord, sans compter qu’un certain nombre d’amateurs n’hésitent pas à proclamer que Sing To God est l’un des dix plus grands albums de tous les temps, et que « Dirty Boy » est bien placée dans le concours de « la plus grande chanson jamais écrite ».

Sing To God bénéficie, en effet, d’une production plus soignée que ce qu’on avait l’habitude d’entendre chez Cardiacs. C’est un double-album, enregistré en 1995, et paru l’année suivante, ayant ensuite bénéficié d’une réédition sous forme de 2 albums simples. Cardiacs est, à cette époque, un quatuor, car il faut savoir que le groupe a connu de multiples et incessants changements de musiciens. Mais, autour de Tim Smith (chant, guitare, claviers), il n’y a plus que son frère, Jim (basse, chant), le guitariste Jon Poole, et le batteur Bob Leith. D’autres musiciens (trompette, violon, quatuor à cordes) complètent l’instrumentation, ainsi que Sarah Smith au saxophone, ancienne membre de Cardiacs, et ex-épouse de Tim.

« Dirty Boy » ouvre le 2^ème album, et cette chanson, du haut de ses 9 minutes, est rien moins que renversante. Vue de loin, la chanson a l’aspect d’un hymne religieux, elle en a la grandeur, la solennité, l’élévation, avec cette suite d’accords qui grimpe d’une façon incessante, se jouant des changements de tonalité, sans qu’on puisse repérer exactement d’où elle vient et où elle va. Cela dit, vers la 10^ème écoute, j’ai commencé à m’y retrouver dans ce labyrinthe, et je peux vous dire que le chemin qui mène vers le mot final (out) est d’une rigueur absolue, d’autant plus que ce « out » se poursuit par une note tenue par les chanteurs, et qui se prolonge pendant 3 minutes jusqu’à l’accord final !

Mais Tim écrit souvent suivant les règles modales, et l’apparente répétitivité mélodique est en fait d’une complexité inouïe, dont la maîtrise n’est pas à la portée du premier venu ! Il vous faudra beaucoup de temps avant de pouvoir chantonner correctement « Dirty Boy » sous la douche*… Cela n’a jamais empêché Cardiacs de reprendre « Dirty Boy » sur scène, et j’en profite pour vous dire que je connais peu de groupes dont les prestations scéniques se hissaient à ce niveau de qualité.

Je reviens sur le sens des paroles de « Dirty Boy », et je vous avais suggéré, ci-dessus, une sorte de pièce montée à caractère religieux, dont je vois qu’elle arrachait d’avance quelques bâillements à certains. En fait, pas du tout ; le thème de « Dirty Boy » est la branlette, ce qui est, vous l’avouerez, nettement plus sympathique.

Les œuvres complètes de Cardiacs sont téléchargeables sur Bandcamp, mais également, en partie sur Apple Music, et le site officiel Cardiacs.net réédite depuis quelques jours la majorité de la discographie. Pas un seul titre disponible sur Spotify. Pas un mot sur le groupe dans aucune des éditions du Dictionnaire du Rock de Michka Assayas ; rien dans la presse française, y compris spécialisée, lors de la mort de Tim. Je rappelle simplement qu’il s’agissait de l’un des plus grands compositeurs européens du XXème siècle. Je ne comprendrai jamais rien au monde dans lequel je vis.

*La plupart des chansons pop peuvent être accompagnées à la guitare en employant 4 ou 5 accords. Mais il faut utiliser 25 accords différents pour « Dirty Boy » !

Il m’est arrivé, dans ce blog, d’aborder des œuvres qui ne relèvent pas directement du rock ou de la pop, et vous connaissez, par exemple, l’intérêt que je porte à la musique africaine, en particulier celle qui se joue au Mali. Salif Keita est l’artiste qui emporte mon admiration, au-dessus de tous les autres*, et c’est son quatrième album, Folon, qui se termine par cette perle éponyme.

Salif, comme dans la chanson précédemment évoquée, s’y accompagne à la guitare, dont il convoque le cousinage avec la kora. Les paroles, en langue malinké, évoquent l’oppression coloniale, et sont servies par une déchirante mélodie, encore sublimée, dans l’enregistrement en studio, supervisé par Jean-Philippe Rykiel, par un orchestre à cordes (ou plutôt, par un synthétiseur) qui lui ajoute beaucoup de profondeur.

Il existe, sur YouTube, un certain nombre de captations publiques de “Folon” ; je vous conseille de les visionner, elles sont toutes bouleversantes, car elles nous mettent en face du génie ─ le mot n’est pas trop fort ─ de Salif Keita.

Sur son album de 2009, La Différence, Salif Keita nous offre une version de “Folon” réorchestrée, mais toute aussi belle que l’originale.

https://www.youtube.com/watch?v=DbWimgQKtMI&feature=youtu.be

*Voir ma chronique d'”Ana Na Ming”.

J’avais déjà évoqué*le fait que les Smashing Pumpkins étaient un groupe d’une grande complexité, et qu’on ne pouvait certainement pas le réduire à ses évidentes influences “hard-rock” (Judas Priest, Black Sabbath). J’irais plus loin en prétendant que toute tentative pour poser une étiquette sur la musique des Smashing Pumpkins est vouée à l’échec, tant ils s’ingénient à ne pas se laisser enfermer dans une catégorie prédéterminée. Je ne veux pas dire pour autant que Corgan et ses amis s’approprient un style, puis un autre, mais qu’ils créent, à partir de toutes leurs influences, ─ The Cure et Bauhaus étant également des influences majeures ─ quelque chose d’original, de singulier qui n’appartient qu’à eux, et qui, d’ailleurs, 20 ans plus tard, n’a pas d’héritier.

Qui d’autre, en effet, parmi les groupes un tant soit peu “bruyants” aurait pu enregistrer ce “Stumbleine”, quasiment transparent ? Juste Corgan avec une guitare acoustique, sa voix qui miaule et murmure, au bord de la rupture. Il ne chante pas, il geint ; et personne ne ferait ça mieux que lui, car c’est exactement comme ça qu’il faut interpréter cette supplique à une petite amie. Les “chanteurs à voix” qui exhibent leurs amygdales sur les plateaux de télévision et déploient leurs tessitures de quatre octaves comme un militaire, ses décorations, s’esclafferaient en entendant le filet de voix de Billy Corgan. Mais celui-ci met tout le monde au tapis. Corgan est unique.

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*Voir mes chroniques d'”Untitled” et de “Bullet With Butterfly Wings”.

D’abord, il y a la voix de Billy Corgan. On l’adore ou on la déteste, et dans ce dernier cas, il est impossible d’aller plus loin. Moi, j’adore cette voix à propos de laquelle j’écrivais*─ et pardon de m’auto-citer ─ qu’il s’agit d’un « mélange harmonieux de la voix de Donald Duck, de celle de mon fils quand il avait 4 ans, et de celle de Mick Jagger quand il en avait 25 ».

Mellon Collie And The Infinite Sadness est le premier album des Smashing Pumpkins que j’ai acheté, car j’étais passé à côté de Gish et de Siamese Dream. Mais on ne pouvait plus passer à côté de ce double album, produit par Flood, Alan Moulder et Billy Corgan qui a été un succès gigantesque, avec des millions de ventes. Comme vous le savez, je m’intéresse peu aux ventes, mais il était impossible d’ignorer ces chansons qui permettaient aux Pumpkins d’occuper le trône laissé vacant par Nirvana. Et surtout celle-là, “Bullet With Butterfly Wings”. James Iha à la guitare et d’Arcy à la basse faisaient ce que Billy leur disait de faire, et plutôt bien, d’ailleurs. Quant au batteur, Jimmy Chamberlin, sa force de frappe pouvait soutenir la comparaison avec celle de Dave Grohl, chez Nirvana ; c’est dire à quel niveau le match se déroulait.

« The world is a vampire…» la voix de Billy est dédaigneuse et menaçante, les guitares commencent à construire le mur de son, lequel s’élève d’autant plus vite qu’il est hissé par la fabuleuse batterie de Jimmy qui libère, sur ses toms, une reptation dangereuse et sensuelle. Bientôt, les mots de Billy se trouvent scandés par la caisse claire, et l’apocalypse se déchaîne : « Despite all my rage I am still just a rat in a cage » et ça continue, ça recommence. On est sur des montagnes russes avec ces alternances de fureur et de menace latente ; ces hauts et ces bas sont l’image de la vie même, et c’est à ce moment-là qu’on se souvient que beaucoup de grands morceaux de rock sont ponctués de ces explosions de rage, épuisantes et stériles, dans la mesure où elles n’aboutissent jamais à modifier le cours des choses. Billy Corgan nous le dit explicitement, et, on a beau le savoir, c’est une joie sans égale de l’entendre jouer et chanter de cette façon. Inoubliable.

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*Voir ma chronique d'”Untitled”.

Il est admis que Lloyd Cole n’a pas fait mieux que son immarcescible premier album, avec son groupe The Commotions, Rattlesnakes.* Même si je suis assez d’accord avec ça, l’exil new-yorkais, son nouveau couple, et la naissance d’un petit garçon ont été à l’origine d’un certain nombre de bonnes choses réparties dans les albums qui ont jalonné sa carrière américaine.

Ainsi ce Love Story, quatrième album solo de Lloyd, débute par une chanson très réussie, adressée à ce fils âgé alors de 4 ans.

De l’aventure Commotions ne reste que le guitariste Neil Clark, rejoint par Adam Peters (claviers et production), Fred Maher (ancien batteur de Lou Reed) et Robert Quine (guitariste de Richard Hell, Lou Reed, John Zorn).

“Trigger Happy” retrouve un peu l’esprit des premières années des Commotions, et c’est sans doute la raison pour laquelle j’aime cette chanson. Et puis Lloyd s’adresse à son jeune fils d’une façon plutôt pertinente, si on en juge par ces quelques extraits des paroles :

« I love your head

I love the way you hold your head

Because you know

There is no connection between old

And what’s new

And there ain’t nothing you can’t do

…………….

And we’ll tell you how to live

Then we’ll take away the reason

And we wonder why we wonder

How you’re not the way that we were »

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*Voir ma chronique de “Are You Ready To Be Heartbroken?”

Si vous n’avez pas entendu “Wonderwall” en 1995, c’est que vous étiez sans doute en vacances sur la planète Mars. D’ailleurs, mes lecteurs les plus radicaux se demandent bien pourquoi je me mets à parler d’une chanson que tout le monde connaît et qui a été diffusée, jusqu’à la nausée, sur toutes les machines à faire du bruit qui existent.

C’est très simple, les gars. D’abord, 22 ans ont passé et il y a prescription. Oasis n’existe plus, et il n’y a pas beaucoup de risques, pardon, de chances que les Gallagher refassent surface, en dépit des efforts désespérés qu’ils déploient pour qu’on recommence à parler d’eux.

Et puis surtout, sur ce (What’s The Story) Morning Glory?, deuxième album studio d’Oasis, et passeport vers la gloire mondiale, “Wonderwall” brille d’un éclat particulier, et la plume de Noel a rarement été mieux inspirée que pour imaginer cette belle mélodie, magnifiquement chantée par Liam. Mais, bien sûr, le goût des frangins n’est pas très sûr, puisque Noel n’est pas du tout content de cette chanson ; quant à Liam, dont la réputation de crétin n’est plus à faire, il a « envie de vomir » à chaque fois qu’il lui faut chanter “Wonderwall”.

Vous aimez bien le violoncelle qu’on entend dans “Wonderwall” ? Manque de pot, c’est un Mellotron. Quant à moi, j’ai une petite préférence pour la reprise qu’en a faite Ryan Adams.

Quand paraît son premier album solo, It’s Heavy In Here, dans lequel on trouve cette chanson, Eric Matthews a 26 ans. Cet album sort dans une maison de disques américaine qui s’appelle Sub Pop, et qui édite la plupart des disques de “grunge” de l’époque, c’est-à-dire les groupes de Seattle comme Mudhoney, Soundgarden, et, bien entendu, Nirvana.

Eric Matthews déteste le “grunge”.

Il faut dire que le père d’Eric, musicien, jouait du rock très brutal dans les groupes de la région, pendant les années 60.

Eric détestait le rock. Il n’aimait que la musique classique. Tant et si bien qu’il apprit à jouer de la trompette, et à force de travail, il finit par intégrer un orchestre philharmonique.

En même temps, Eric avait mis de l’eau dans son vin ; il avait appris à apprécier les grands mélodistes de la pop, les Beatles, les Beach Boys, la pop anglaise des Smiths, des Cocteau Twins, de XTC. Mais il ne faut toujours pas lui parler de hard-rock.

L’Australien Richard Davies ayant besoin d’un arrangeur pour un projet musical, Eric prit tellement de place qu’ils sortirent ensemble un disque absolument splendide, en 1994, Cardinal.

L’association ne dura pas longtemps, et c’est donc la raison pour laquelle Eric commença une carrière solo. Et je peux vous dire que ce It’s Heavy In Here est l’un des meilleurs albums de cette décennie 90, fondant dans un creuset unique des influences venues du folk, de la pop, du jazz et de la musique classique.

Regardez la photo d’Eric sur la pochette : le garçon porte un costume, il est soigneusement coiffé, propre. C’est lui qui compose, écrit, orchestre, produit. C’est lui, rêve de sa vie, qui va diriger le petit orchestre symphonique qui vient rehausser ses splendides chansons.

Il va donc falloir que vous vous procuriez ce It’s Heavy In here, d’autant que j’ai choisi une simple “mise en bouche” pour vous le présenter, je veux dire une chanson sans orchestre, juste Eric, qui chante et joue du clavecin, et son frère, Wes, à la guitare acoustique. il n’empêche que ce “Faith To Clay” est d’une beauté renversante, et si je vous dis, en plus, qu’Eric Matthews a sorti quatre autres albums solo, après celui-ci, vous allez faire comme moi, vous mettre à acheter de la musique.*

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*Vous avez compris, depuis longtemps, je pense, que mon rapport à l’art musical n’a pas beaucoup changé depuis le siècle dernier. J’achète des disques (non, pas des 78 t, des cd !), parfois des fichiers audio encodés dans un format sans perte (flac) ; en revanche, je ne suis pas un adepte du “streaming”, et vous ne me surprendrez pas à avoir recours aux téléchargements illégaux et gratuits. Il faut que les artistes soient rémunérés, et correctement !

**Merci de ne me faire aucune remarque quant au clip vidéo qui illustre cette chanson. C’était ça ou rien !

En pleine vague britpop, il me manquait certainement quelque chose d’un peu plus affûté, d’un peu plus sauvage et saignant. J’ai trouvé mon bonheur avec Skunk Anansie, groupe formé l’année précédente autour de la chanteuse Skin (de son vrai nom, Deborah Dyer), avec Martin Ivor “Ace” Kent à la guitare, Richard Keith “Cass” Lewis à la basse, et Robbie France à la batterie. Ce dernier, qui tient les baguettes dans Paranoid & Sunburnt, le premier album du groupe, est parti tout de suite après l’enregistrement, remplacé par Mark Richardson et c’est cette formation que j’ai pu apprécier à l’Olympia de Paris, le 9 octobre 1995.

Pour qui aime le genre ─ et je veux bien admettre que tout le monde n’est pas dans ce cas-là ─, Paranoid & Sunburnt , produit par l’Américaine Sylvia Massy, est un très grand album, parfaitement écrit, composé, joué et produit ; et la personnalité de Skin, ainsi que sa voix unique, étaient de nature à susciter un bel engouement.

J’aurais pu choisir n’importe quelle chanson sur cet album, mais je vous ai réservé le titre-phare du 4ème (et dernier) single tiré de l’album, “Weak”, écrit par tous les membres du groupe. La chanson est suffisamment intéressante pour avoir été reprise par Rod Stewart, et elle présente une face plus apaisée, si j’ose dire, de Skunk Anansie.

Le groupe a continué à être très intéressant jusqu’à sa séparation, en 2001 ; puis Skin a fait une carrière solo en demi-teinte, avant une reformation du groupe en 2009 ; mais là, je dois avouer que je n’ai plus trop suivi ; j’étais sans doute passé à autre chose…

La voix de Paula Frazer ! Cette chanson, écrite par elle, est l’une mes préférées sur cet album, Gentle Creatures, qui est je crois son deuxième. Réalisé avec de nouveaux musiciens (Lincoln Allen, Michelle Cernuto, Matt Wendell Sullivan) qui la quitteront juste après la sortie de Gentle Creatures, elle nous entraîne dans les grands espaces du Sud américain, là même où Paula a grandi, dans la maison de son père, pasteur presbytérien. C’est vraiment un voyage dans le temps et l’espace auquel Paula nous convie, soutenu par la litanie de sa guitare, la basse, une pedal steel et une discrète batterie, jouée aux balais. Musique idéale pour accompagner une randonnée à cheval dans les Smoky Mountains, tant le balancement de cette musique est régulier et adapté à ce genre de déplacement.

Une autre incarnation de Tarnation est née ensuite, avant que Paula Frazer commence une carrière solo, que j’ai suivie de loin en loin. Il semblerait qu’après un silence d’une dizaine d’années, elle ait sorti un disque. Ne serait-ce que pour cette voix somptueuse, il serait important de savoir où elle en est.

https://youtu.be/9Ajy4OJOEGY

Elliott Smith est le premier véritable album d’E. Smith, Car Roman Candle, qui l’a précédé, a connu une distribution plutôt erratique. C’est un incontestable chef-d’œuvre, et certainement pas le brouillon de ce qui viendra par la suite. Elliott y fait à peu près tout, instrumentalement parlant, et il y avait beaucoup de choix possibles, pour vous présenter cet album, mais “Southern Belle” en est tout de même un des sommets.

Le jeu de guitare d’Elliott est absolument renversant, et sa voix charrie des émotions si contrastées, différentes, voire opposées que l’on se demande comment cela est possible : colère, amertume, abattement, tristesse, dégoût, tout cela y est. On m’objectera que les émotions positives brillent par leur absence, ce qui n’est pas faux, surtout sur Elliott Smith, mais la richesse émotionnelle de cette voix est si grande qu’elle suffit à déclencher notre admiration.

Depuis ce funeste 21 octobre 2003, Elliott Smith nous manque…

À la toute fin de Mirror Ball, à peine une chanson, une lamentation de Neil Young, sans doute, comme dans le Sleep With Angels  de l’année précédente, une question lancinante posée à Kurt Cobain, qui avait choisi la mort, un retour vers le somptueux “I’m The Ocean”, troisième chanson de ce grand disque de Neil, où ce quasi-quinquagénaire rencontre les petits jeunes de Pearl Jam.

Donc Neil avec son harmonium, qui clôt ce disque un peu orgiaque avec une chose douce, sombre et inquiète que Nico* n’aurait pas désavoué.

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*Oui, j’évoque bien Christa Päffgen (1938-1988).

Je terminerai mon survol de cet indispensable album, Grand Prix*, avec “Sparky’s Dream”. Cette chanson met en lumière un troisième membre de Teenage Fanclub, le bassiste Gerard Love, qui en est donc le compositeur et l’interprète.

Pas un seul temps mort dans “Sparky’s Dream” dont les guitares viennent en droite ligne de Bandwagonesque, c’est-à-dire avec un peu plus de distorsion que les autres titres de Grand Prix.

Mais le traitement très pop de la chanson, les harmonies vocales héritées des Beach Boys, emmènent “Sparky’s Dream” sur un terrain radicalement différent, lequel permet de respecter la nouvelle direction prise par le groupe, c’est-à- dire celle d’un groupe se plaçant dans une tradition de la musique** qui reprend en l’enrichissant ce qui a été transmis par les artistes qui l’ont précédé.

N’est-ce pas le secret de la longévité de Teenage Fanclub qui vient de publier, en 2017, un très bel album ?

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* voir “Mellow Doubt”, “About You” et “Verisimilitude”.

**Je n’hésite pas à parler de tradition, même si celle-ci ne compte qu’un demi-siècle de recul.