Après To Bring You My Love* et la reconnaissance critique et commerciale qui s’ensuivit, Polly Jean décida de travailler à nouveau avec John Parish, dans le groupe duquel elle avait joué, au tout début de sa carrière. L’album qu’ils firent ensemble, et qui sortit sous leurs deux noms, Dance Hall At Loose Point, se vendit beaucoup moins, du fait de l’approche musicale plus expérimentale de Parish. Il n’en reste pas moins qu’il s’agit d’un album très intéressant, au sein duquel je voulais mettre en lumière ce titre, “That Was My Veil”. Polly Jean y est, comme toujours, impressionnante. Son talent est tellement éclatant que le passage aux interprétations publiques ne souffre d’aucune baisse de qualité, contrairement à tant d’autres artistes fabriqués en studio, et que le couperet de la scène révèle dans leur médiocrité (je ne citerai pas de noms…). J’ai une tendresse particulière pour la “Peel Session” du 5 septembre 1996 que l’on trouve sur l’album P J Harvey – The Peel Sessions 1991-2004, mais il suffit de fureter sur YouTube pour se rendre compte, comme je l’ai déjà écrit, que Polly Jean Harvey est une star.

*Voir mes chroniques “The Dancer” et “C’mon Billy”.

Il s’agit ici de la chanson la plus célèbre de Stoosh, le deuxième album de Skunk Anansie, sur lequel je m’appesantis.*

Ce n’est pas parce que cette chanson a été un succès, y compris ─ surprise ! ─ en France que je lui accorde une certaine attention, mais tout simplement parce que cette composition de Skin et Len Arran comporte un certain nombre de qualités.

D’abord, on se rend compte que Ace et Cass sont des musiciens très fins, qui rendent justice à la mélodie imparable de la chanson, laquelle est servie par la voix superbe de Skin. C’est encore plus évident si vous écoutez le “Allegedly Acoustic Mix”, c’est-à-dire une version débarrassée de la batterie et de la guitare distordue. Skunk Anansie reprendra cette idée un peu plus tard en publiant An Acoustic Skunk Anansie Live In London (2013) qui offre également une excellente interprétation de “Hedonism”.

Certains pourraient me dire qu’avec “Hedonism”, le quatuor a franchi la frontière qui sépare le rock metal, ou disons simplement la musique indépendante, de la musique grand public, qui passe à la radio et qui se vend ; il est à peine besoin d’ajouter que quiconque passe cette frontière devient immédiatement méprisable et honni des “vrais amateurs”. Je veux bien admettre l’appel du pied ─ réussi ─ à l’intention du plus grand nombre, mais il me semble que Skunk Anansie y parvient ici en conservant une certaine dignité ; la recherche d’un son plutôt “joli” ne se fait pas au prix du sacrifice des sons abrasifs de la guitare d’Ace, ni du gommage des aspérités du chant de Skin. Ce sera un peu moins vrai par la suite, avec leur troisième album, mais tel qu’il est, Stoosh reste une œuvre qu’on peut exposer dans sa discothèque tout en restant une personne de goût. N’est-ce pas l’essentiel ?

*Voir mes chroniques de “Pickin On Me”, “Infidelity”, “All I Want”.

Beaucoup penseront que ça n’en vaut pas la peine, mais cette entreprise personnelle de réhabilitation de Skunk Anansie me tient à cœur. Porté au nues dès son premier album, méprisé dès le second, ─ Stoosh, celui que je suis en train de survoler ─ séparé en 2001, reformé en 2009, et poursuivant une carrière solide mais largement ignorée des médias, ce groupe vaut mieux que son image, celle de voyous décérébrés hurlant leur rage par l’intermédiaire de riffs de guitare assourdissants.

D’abord et avant tout parce que Skin est sans aucun doute l’une des meilleures chanteuses britanniques actuelles. Histoire de voir ce que valait cette affirmation, j’ai cherché sur Google un “classement” des chanteuses de nos voisins anglais : Skin n’y figure même pas. Je savais bien que j’avais raison.

Et puis, Skin, avec son complice Len Arran est une auteure de chansons qui ne cède jamais à la facilité ni aux textes parfois convenus qui sont l’ordinaire du rock “metal”.

Quant à Ace, Cass et Mark Richardson, ce sont des musiciens accomplis et plus fins qu’il n’y paraît.

Ce “All I Want”, qui fut le premier single choisi pour promouvoir Stoosh, en est une belle illustration, d’autant qu’il est signé par Skin, Cass et Ace.

Sur un très convenable tapis de guitares, Skin déroule une profession de foi quelque peu nihiliste, mais dont l’humour sous-jacent atténue le propos ; et le refrain est suffisamment fédérateur pour qu’on ait envie de le reprendre en chœur avec elle.

Alors, qu’est-ce qui a cloché avec Skunk Anansie ? Je crois, tout simplement que je n’avais pas beaucoup aimé les deux albums solos que Skin avait  mis sur le marché, après la séparation se son groupe : Fleshwounds (2003) et Fake Chemical State (2006).

La morale de cette histoire est sèche et implacable : quand un ou une artiste déçoit son public, et surtout ceux qui sont les plus passionnés, la condamnation est sans appel. La phrase qui précède pourrait peut-être servir pour l’ensemble des relations amoureuses n’est-ce-pas ?

Si vous vous souvenez bien*, j’avais commencé tout doux avec Skunk Anansie. Pour un groupe étiqueté metal hardcore, la bluette folk de la semaine dernière a dû faire se lever quelques sourcils. Amis des tatouages et du cuir noir, je ne vais pas faire mieux avec ce nouveau morceau de Stoosh, puisque la redoutable Skin se fait accompagner par un ─ vrai ! ─ quatuor à cordes dans ce “Infidelity”, qui a néanmoins connu un considérable succès, y compris (mais, tout est relatif) dans notre pays.

Je vous avais avoué que je n’écoute plus beaucoup Skunk Anansie, mais j’ai été à nouveau très agréablement surpris par ce qui se dégage de ce morceau et que je pourrais résumer d’un mot : authenticité. En effet, ce groupe issu d’une banlieue londonienne défavorisée, dont la moitié des membres sont des immigrés, ne se plie à aucun des diktats que les petites chapelles du rock dur ont édictés**. Skunk Anansie fait ce qui lui plaît, et tout ne se résume pas à des guitares électriques fracassantes. Skin a envie de chanter enveloppée d’un écrin de cordes un peu dégoulinantes, et elle le fait crânement. Elle a raison, et elle chanterait un paso-doble, eh bien, ça ne me gênerait pas, parce que ça voudrait dire que c’est ce qui lui plaît. Cela dit, la démarche est risquée pour deux raisons : la première est que l’on se coupe d’un public ─ celui du premier album, Paranoid & Sunburnt ─ qui représentait le cœur des admirateurs de SA, et on peut penser que certains métalleux à longue crinière ont pu être un peu décontenancés par les violons ; la seconde, plus dangereuse, est que Skunk Anansie, à force de mélanger des styles assez différents, voire opposés, a dilué son propos, l’a affadi, et a semblé ne plus savoir où il allait ; le troisième album sera, en effet, d’un niveau inférieur, et le groupe se séparera peu de temps après. En tout cas, je reste fidèle à ce que j’ai aimé, il y a 20 ans, et il n’y a aucune ironie de ma part à vous conseiller de jeter plus qu’une oreille distraite aux deux premiers albums de Skunk Anansie***.

*Voir ma chronique de “Pickin On Me”.

**Je trouve assez plaisante cette allitération de consonnes vélaires.

***Ceux que la dépense effraie pourront se contenter de la compilation Smashes-Trashes (2009).

Quand Skunk Anansie s’est séparé, en 2001, j’ai arrêté d’écouter ce groupe ─ la discographie solo de Skin se révélant terriblement décevante ─ et je ne me suis pas non plus intéressé à leur reformation de 2009. Je connais, en revanche, très bien le Skunk Anansie du XXème siècle*, et je m’étais pris d’une véritable passion pour ce groupe, alors que d’une façon générale, le metal hardcore est assez loin de mes goûts musicaux. On va dire, pour résumer, que dans ces années 90, le bruit, la fureur, la violence musicale faisaient partie de ce qui me nourrissait et me soutenait.

Cela dit, vous allez être déçus : rien de plus anodin et tranquille que cette petite ballade folkisante où Skin est seulement accompagnée par la guitare acoustique d’Ace. Les paroles sont quand même moins anodines ; il y est question de la violence physique qu’un voyou infligeait à la petite Deborah (le prénom de naissance de Skin) dans la cour de l’école. En tout cas, ça permet de se dire que Skunk Anansie n’est pas un groupe qu’on peut étiqueter une fois pour toutes, et c’est ce qui fait son intérêt.

Ce n’est donc pas la dernière fois que je vais vous parler de ce deuxième album de Skunk Anansie, Stoosh, énorme succès commercial au demeurant, produit par Garth Richardson. Cet album a divisé la critique, parce que personne ne s’y retrouvait. Il faut bien dire que la musique populaire moderne s’est divisée, depuis ses origines, vers la fin des 50’s, en un  certain nombre de branches, et que ce processus de division, de segmentation, de ramification, a abouti à la création d’un nombre incalculable de chapelles, dont chacune, bien évidemment, prétend détenir la Vérité musicale, et qui, de ce fait, s’excommunient les unes les autres. C’est sans doute l’intérêt majeur de Skunk Anansie que d’avoir tenté d’abattre ces murs virtuels entre chapelles concurrentes, et d’avoir ainsi fédéré un large public (dont moi). À très bientôt pour retrouver ce groupe plus important qu’il n’en a l’air.

*Voir ma chronique de “Weak”

Que deviendrions-nous sans les Posies ? Jon Auer et Ken Stringfellow maintiennent, contre vents et marées, et depuis la fin des années 80, le flambeau de la pop à guitares.

Amazing Disgrace, produit par Nick Launay, est leur quatrième album, et, outre Jon et Ken, le groupe comprenait, à l’époque, Joe Skyward à la basse et Brian Young (futur Fountains Of Wayne) à la batterie.

“Daily Mutilation” est le morceau d’ouverture de l’album, et occupe de ce fait la position idéale pour nous renseigner sur ce qui va suivre. Et, croyez-moi, ça déménage !

Comme souvent dans le style powerpop que j’affectionne particulièrement, on ajoute les ingrédients de la sauce les uns après les autres ; la guitare d’abord qui, férocement grattée, donne la tonalité et le tempo ; la voix de Jon, puis la batterie, et c’est enfin l’explosion avec l’arrivée simultanée de la basse et de Ken, lequel donne toute la puissance de sa voix et de sa guitare. Tout est mené pied au plancher pendant les 4 minutes 15 de la chanson, et c’est assez réjouissant, d’autant que “Daily Mutilation” est bien écrite, bien jouée, bien produite, avec une batterie qui ne laisse aucune seconde de répit. C’est ce qu’on lui demande, si l’on en juge par l’excitation qui gagne le public, comme vous pourrez le constater sur les différentes prestations live du groupe.

Si vous aimez la musique dynamique, authentique, directe, pas frelatée, sans additifs, parfois un peu bruyante, vous aimerez les Posies et “Daily Mutilation”.

*Voir les deux chroniques consacrées à des chansons de l’album Blood/Candy, “Notion 99”, “Cleopatra Street” et “For The Ashes”.

J’ai eu l’occasion d’écrire ici que Richard Thompson, compositeur, chanteur, guitariste extraordinaire est également, selon moi, l’un des plus grands, sinon le plus grand auteur de chansons britannique*.

Une nouvelle preuve en est donnée avec ce “Cold Kisses”  que l’on trouve sur le huitième album de Richard, You? Me? Us?. Il s’agit également de son 5ème et dernier album produit par Mitchell Froom (ici secondé par Tchad Blake).

Il s’agit d’un double album, le premier étant plutôt “électrique”, et le second, acoustique, portant le sous-titre Nude, dans lequel il est seulement accompagné par son homonyme, le contrebassiste Danny Thompson. C’est dans celui-ci que se niche “Cold Kisses”.

La guitare acoustique fait revenir un motif circulaire qui s’articule autour d’une note unique. La tonalité obsessionnelle de cette musique vient en écho aux préoccupations dont son auteur va nous entretenir :

«Ça y est je suis dans ta chambre passant en revue tous tes trucs

Tu as dit que tu serais absente cinq minutes, c’est suffisant

Là dans ton tiroir il y a des choses en dentelle

De vieilles cartes de crédit et des perles et des bracelets et des bagues

Bon, je crois que j’ai trouvé ce que je cherchais

Dissimulée au fond du tiroir

Voilà la vie que tu menais avant

De vieilles photographies de ta vie d’avant

Bras dessus bras dessous avec Messieurs X, Y et Z

Anciens boyfriends, grands et petits

Il faut que je vois comment je peux être à la hauteur de tous ceux-là

Il y a un endroit d’où nous devons tous partir, mon amour

Qui tenais-tu dans cette tendre embrassade

J’ai trouvé une porte dans ton cœur, mon amour

Et ressens-tu encore la chaleur de ces baisers froids ?

Je suis derrière les lignes ennemies

Cherchant des secrets, cherchant des signes

Anciens boyfriends grands et petits

Il faut que je vois comment je peux être à la hauteur de tous ceux-là

Celui-là est élégant, pas très malin

Celui-là intelligent avec ses mains soignées

Plus fort que moi si on en vient à se battre

Et celui-là est un poète, un peu minable

Un peu gitan, un peu menaçant

Je me demande si elle s’est remise de lui

Vieilles passions gelées dans la seconde

Qui tenais-tu dans cette tendre embrassade

Les cœurs ont un passé qui doit être reconnu

Et ressens-tu encore la chaleur de ces baisers froids ?

Il est temps de me débarrasser de ce passé

C’est bien ton pas dans la rue que j’entends

Je noue le ruban autour de tout ça

Exactement comme je l’ai trouvé

J’entends ta clé dans la serrure

Et je sens mes joues brûlantes alors que tu me vois

Plongé dans un roman de Margaret Miller

Et ressens-tu encore la chaleur de ces baisers froids

Ressens-tu encore la chaleur de ces baisers froids ?»

Ma traduction maladroite ne rend pas bien la langue superbe et précise de Richard Thompson, et la façon admirable qu’il a de narrer une scène pas jolie-jolie, mais tellement humaine. Je connais peu de paroles de chansons (et de paroliers) qui plongent avec cette acuité dans la complexité des sentiments et des passions que tout un chacun a pu vivre. Richard Thompson, génie de notre temps.

*Voir ma chronique de “A Love You Can’t Survive”. Voir également “Beeswing” et “1952 Vincent Black Lightning”.

Grands dieux ! qu’est-ce que c’est que ça ? Ça, c’est l’un des trucs (je n’ose pas dire chanson) que j’ai le plus écouté en 1996. D’abord, parce qu’en 1996, j’étais encore en âge de danser, et il n’y avait rien de mieux que ce “big beat”, cette “drum & bass” qui annonçait les “raves” illégales qui allaient fleurir un peu partout. Et puis, pour moi, il y avait une ligne droite qui partait des Sex Pistols de 1977, pour aboutir directement à The Prodigy ; et ça me rappelait ma jeunesse, évidemment, ou tout du moins, un temps où je me croyais encore jeune.

Donc, ce truc a été un succès incroyable. Vingt millions d’exemplaires vendus du 3ème album de The Prodigy, The Fat Of The Land. Mais c’est pas la peine d’écouter quoi que ce soit, il faut juste regarder le clip, avec le volume à fond…et éloigner les enfants, parce que ça peut leur faire peur.

Dans ce bout de métro londonien désaffecté, vous voyez la gueule de Keith Flint, et vous avez probablement un moment de recul, puis vous l’entendez chanter (?) avec cet incroyable accent cockney, et cette grosse caisse sonore, qui marque le premier temps, et celui-là, seulement, et qui vient vous prendre au niveau de la ceinture.

Ce type n’avait jamais rien écrit de sa vie, en particulier à l’école, et là, il pond les 9 lignes de texte de “Firestarter” qui était censé, au départ, être un instrumental. Et il vous les balance comme ça, alors qu’il n’avait jamais rien chanté auparavant. C’est violent, quand même, et ce clip a été banni par les médias bien-pensants. Mais c’est fascinant, et, sans mentir, je trouve ces images ex-tra-or-di-naires. Composée par Liam Howlett, le clavier du groupe, avec l’aide de Kim Deal, des Breeders, la musique de “Firestarter” amalgame deux (ou trois) “samples” : la boucle de guitare wah-wah est samplée à partir de “S.O.S.” des Breeders (sur Last Splash), le hey-hey-hey est samplé sur un titre d’Art Of Noise, et la batterie sur je ne sais plus quoi (quoique, si, je sais, mais je vous le dirai à la fin). On s’en fiche, on revient, encore et encore à ce clip fabuleux, avec Liam qui regarde Flint faire son punk, Leeroy Thornhill, l’autre danseur du groupe, qui ne fait que passer.

Ah oui, alors, cette batterie ? En 1969, ─ quoi ? 69 ? Rien n’existait en 69 ! ─ un groupe soul de Washington DC, The Winstons, sortait un single, “Amen, Brother”, avec 6 secondes de batterie qui ont été samplés par au moins 1 500 groupes, dont the Prodigy pour “Firestarter”.

Et pendant que vous continuez à regarder en boucle ce clip fascinant, avec notre homme Flint, ses piercings, son sweat-shirt, sa dégaine, ses cheveux (!!) laissez-moi vous poser une question.

Vous savez que, de nos jours, surtout aux USA, les gens adorent qu’on joue de la musique pendant leurs funérailles. Quelle musique, selon vous ? Le morceau qui vient en premier, c’est, vous l’auriez deviné, “Celebration” par Kool & The Gang ; en second, c’est, bien sûr, notre “Firestarter”, idéal pour les crémations ; la médaille de bronze est attribuée au “Highway To Hell” d’AC/DC (excellent choix, qui met à l’abri des surprises), et enfin, la quatrième permet à Queen de mettre en avant “Another One Bites The Dust”. De biens meilleures façons de partir qu’avec Andrea Bocelli, vous ne trouvez-pas ?

Eh bien, à la fin de cette chronique, vous êtes beaucoup plus savant et informé qu’avant, et n’est-ce pas là l’essentiel ? Boum-tac-tac-tac-boum-tac-tac-tac-boum…