“A Reminder” apparaît sur le second single issu de OK Computer, même si je le connais grâce à un mini-LP destiné au marché japonais, No Surprises/Running From Demons.

L’idée musicale en est venue à Jonny qui travaillait beaucoup avec le piano Fender Rhodes, et les paroles, créditées à l’ensemble du groupe, seraient plutôt attribuables à Thom.

Les mots que l’on entend, au début, sont en tchèque et préviennent les voyageurs du métro de l’imminence de la fermeture des portes, le tempo est très lent, et le texte, murmuré par Thom, évoque la possibilité de lui faire entendre cette chanson quand il sera très vieux et qu’il aura oublié beaucoup de choses, afin de lui rappeler la personne qu’il aimait à ce moment de sa vie.

Cette chanson est de celles qui méritent le qualificatif d'”atmosphérique”, visant à transmettre un état d’âme, plus qu’à proposer des idées avec précision. Le Rhodes et les guitares sont là pour créer un tapis sonore sur lequel Thom déploie sa mélodie, majestueuse, superbe. Il est d’ailleurs assez amusant de constater qu’un certain nombre de très grandes chansons de Radiohead ne se trouvent pas sur les albums du groupe, mais simplement sur des ep, mini-lp ou compilations de faces b ; bref il faut chercher pour trouver des pépites, et c’est une démarche qui ne me déplaît pas, vous pouviez vous en douter, même si, grâce à ce blog, vous y avez accès bien plus facilement. Merci, qui ?

On considère souvent que “Bitter Sweet Symphony”, premier single issu de l’album Urban Hymns, est le chant du cygne de la “britpop”. Mais, parlons tout de suite de sa généalogie, qui n’est pas sans importance : au milieu des années 50, The Staple Singers, groupe américain de gospel, sortit une chanson qui s’appelait “This May Be The Last Time”. Brian Jones récupéra l’idée et en fit une chanson, signée Jagger-Richards*. L’année suivante, leur producteur, Andrew Loog Oldham, édita un disque contenant des versions réorchestrées des chansons des Rolling Stones, The Rolling Stones Songbook, avec, en particulier une version de “The Last Time”, due à David Whitaker.

The Verve demanda à utiliser quelques mesures de cette dernière version, et obtint l’autorisation. Richard Ashcroft écrivit des paroles, et le single fut mis sur le marché. Succès mondial d’une ampleur inattendue ! Il n’en fallait pas plus pour qu’Allen Klein, patron d’ABKCO Records, détenteur du catalogue des Stones fasse un procès à The Verve. Le jugement octroya la totalité des droits d’auteur à ABKCO, et les crédits d’écriture furent attribués conjointement à Richards, Jagger et Ashcroft. The Verve ne toucha pas un sou !

Effectivement, quand on réécoute aujourd’hui “Bitter Sweet Symphony”, on peut juste se dire une chose : la chanson ne doit rien aux Staple Singers, ni aux Rolling Stones, mais s’appuie totalement sur ces quelques mesures de cordes synthétiques orchestrées par Whitaker, qu’Ashcroft et son groupe ont eu l’intelligence de mettre en valeur. Mais l’intelligence artistique ne pèse d’aucun poids face aux armées d’avocats et aux millions de dollars en jeu dans ce genre d’affaires…

https://www.youtube.com/watch?v=LH4wBjXXsNg

*Voir ma chronique sur “The Last Time” des Rolling Stones.

De The Verve, groupe emblématique de la britpop, je ne connais que ce troisième album, Urban Hymns et je dois vous dire que je ne suis pas trop motivé pour explorer le reste… Mais il est impossible d’ignorer Urban Hymns, ou plutôt les 4 singles qui en ont été extraits*, vu que l’album s’est vendu, dans le monde, à 10 millions d’exemplaires. Cela dit, le succès a eu raison du groupe, et Nick McCabe, le guitariste soliste qui avait été rappelé spécialement pour cet album, est parti, tout de suite après. Avec tout ça, je n’ai pas vraiment eu envie, contrairement à mes habitudes de chroniqueur consciencieux, de réécouter l’intégralité de cet interminable album, dont il me semble que seuls ces 4 singles méritent de rester dans les mémoires.

C’est le single “qui n’a pas eu de succès” dont je vais dire quelques mots aujourd’hui : écrite par Richard Ashcroft, le flamboyant guitariste-chanteur du groupe, dont je m’étonne un peu que la suite de la carrière fût si désastreuse, produit par Youth, c’est une charmante et délicate balade, dans laquelle la voix de Richard est accompagnée par de jolies guitares, et beaucoup de violons (arrangés par Will Malone), sans oublier les autres membres du groupe, Simon Jones à la basse, Peter Salisbury à la batterie, et Simon Tong (guitare, claviers). Il ne reste peut-être plus grand chose de la britpop, mais ce qu’il en reste mérite à coup sûr d’être réévalué et de prendre une place, qui demeure importante, dans l’histoire de la musique populaire.

*”Bitter Sweet Symphony”, “Lucky Man”, “The Drugs Don’t Work” et “Sonnet”

Quitter The Lateness Of The Hour, le second et probablement meilleur album solo d’Eric Matthews, sans dire un mot de la chanson qui ferme l’album ─ et le couronne, puisque c’est la plus belle ! ─ serait une faute majeure*.

Porté par la voix si particulière d’Eric, légère et brumeuse comme la fumée d’une cigarette, “No Gnashing Teeth” nous démontre quel superbe mélodiste il est, se situant résolument dans le prolongement des Beatles. Cette parenté est encore accentuée par le très beau chorus de trompette joué par Eric ─ qui occupe ce pupitre au sein d’un orchestre philharmonique ─ qui vient réveiller chez les fans transis des Fab Four les échos de “Penny Lane” ou de “For No One”.

Il est ici accompagné par son frère, Wes, à la guitare électrique, au piano et à la basse, et par pas moins de deux batteurs-percussionnistes, Greg Williams et Tony Lash.

On peut tout de même déplorer que les ventes de The Lateness Of The Hour aient été bien inférieures à celles de It’s Heavy In Here, et il a fallu attendre 2005 et une autre maison de disques pour qu’Eric nous gratifie d’un troisième album solo !

*voir ma chronique de “Pair Of Cherry”.

Il y a quelques temps, je vous exprimais mon admiration pour le premier album solo d’Eric Matthews. Cette admiration s’est maintenue et même renforcée avec un second album qui navigue à la même altitude, The Lateness Of The Hour. On y retrouve le goût d’Eric pour des orchestrations inspirées de la musique classique, qu’il connaît bien, sa voix très caractéristique, l’impact de ses mélodies. Le disque est superbement produit par Eric, aidé de Tony Lash.

Dans ce morceau, Eric, à la guitare acoustique, est aidé par un artiste et producteur américain, cofondateur avec Roger Joseph Manning Jr d’un des groupes les plus importants de la powerpop américaine, Jellyfish. Il s’agit de Jason Falkner, qui joue donc de tous les autres instruments (guitare électrique, piano, basse, batterie), et, réécoutant cette chanson de vingt ans d’âge, je me disais qu’elle n’avait pas pris une ride, grâce, évidemment, à sa qualité intrinsèque, mais aussi du fait de cette production lumineuse, d’une grande lisibilité, qui ne répond à aucun effet de mode. Un classique.

*voir ma chronique de “Faith To Clay”

Je ne pouvais évidemment pas m’en tenir à cette seule chanson de Songs From Northern Britain, que j’ai défendue, la semaine dernière*, car cet album, l’un des plus beaux de cette fin du XXème siècle, débute par cette composition de Norman Blake, “Start Again”.

Cette chanson est une chanson d’amour, mais, ayant eu le bonheur d’assister à quelques concerts de Teenage Fanclub, je suis presque certain qu’il s’agit également de celle qui ouvre toutes leurs trop rares prestations publiques. Comme le chante Norman : « Even though, it’s complicated, We’ve got time to start again », et on entend bien alors que cette déclaration d’amour s’adresse à ce moment-là à tous ceux qui ont abandonné le confort de leur salon pour les rejoindre devant une scène. Regardez, par exemple le concert qu’ils ont donné à “La Route du Rock” le 25 février 2017 ; 20 ans après la création de “Start Again”, celle-ci apparaît toujours aussi neuve, intemporelle, éternelle.

Le génie de Norman Blake éclate dans cette mélodie simple et lumineuse, enchâssée dans le cocon des guitares électriques, rehaussée par les harmonies vocales de Raymond et Gerard, soulignée par la basse et la batterie, qui n’en font jamais trop. Les influences de TFC sont multiples, mais c’est peut-être celle des Byrds qui émerge le plus clairement dans Songs From Northern Britain, et vous savez bien que ce n’est pas, sous ma plume, un mince compliment.

[amazon_link asins=’B01DKPZR6I,B07FTWZB4M,B008F4JV9O,B01KAT04BA’ template=’ProductCarousel’ store=’cahierdecriti-21′ marketplace=’FR’ link_id=’bf588db5-a25d-11e8-990e-2b7cc803a2b6′]

*Voir ma chronique de “It’s A Bad World”.

Songs From Northern Britain, sixième album de Teenage Fanclub, est l’un des deux préférés de Norman Blake, avec la chanson dont il est le plus fier, “I Don’t Want Control Of You”. J’adore, également, cet album, et je ne suis pas le seul car Nick Hornby le cite également comme l’un de ses disques favoris dans son ouvrage, 31 Songs* ; mais j’ai choisi de vous présenter une composition de Raymond McGinley, le guitariste soliste, dont j’ai par le passé mis plusieurs autres chansons en avant**.

“It’s A Bad World” est l’une des grandes réussites de McGinley, et bien évidemment, les guitares y sont à la fête, avec un lumineux arpège qui suit la mélodie que chante Raymond, avec sa voix limitée, mais touchante. D’autres guitares, probablement celles de Norman viennent épaissir le son, et l’irruption d’un chorus distordu et compressé nous permet de découvrir que les influences de McGinley vont bien au-delà de l’apport de Big Star !

Et puis, je ne peux résister au plaisir de vous citer une phrase d’une interview de Norman Blake à propos de l’effet du temps qui passe, chez les rockers : « Les (Rolling) Stones étaient déjà célèbres quand ils avaient 20 ans ; ils continuent donc à faire comme s’ils avaient 20 ans. Nous n’avons jamais été célèbres ; nous continuons donc à vieillir. »

*éditions 10/18-2010-traduit par Christine Barbaste

**”Only With You”, “About You”, “Verisimilitude”.

Mes lecteurs, dont la plupart connaissent bien OK Computer, ont tout de suite compris la raison pour laquelle j’ai choisi ce second morceau pour évoquer cet album dont je disais, dans une chronique précédente*qu’il s’agissait d’un “bloc” : c’est la seule chanson qui ne fasse pas partie du “bloc” ! Elle joue le rôle, en quelque sorte, d’un point de repère classique qui clôt une tourmente révolutionnaire.

Écrite avant l’enregistrement de l’album, c’est l’une des rares chansons de Radiohead qui porte la signature de Jonny Greenwood, et surtout, après avoir “encaissé” le choc sonique et esthétique des 11 premiers titres, “The Tourist”, qui est la 12ème et dernière chanson d’OK Computer, paraît élégiaque et reposante, comme en témoignent les paroles répétées par Thom : « Hey man, slow down ». Radiohead, après le “pied au plancher” de ce qui précédait avait vraiment besoin de freiner.

Bref, j’aime beaucoup “The Tourist”** qui, vous l’avez compris, est une chanson que vous pouvez faire écouter à des gens qui ont peu l’habitude de la musique de ces 20 dernières années. Quant à Radiohead, il va continuer son travail “pied au plancher”, en oubliant parfois qu’il convient de freiner à l’approche d’un virage, sous peine d’aller dans les décors. Mais ce petit coup de griffe ne diminue en rien l’importance, l’honnêteté, l’intégrité et le talent de ces cinq musiciens.

*voir ma chronique de “Paranoid Android”

**et, n’en doutez pas, l’ensemble d’OK Computer.

“Paranoid Android” est LE single tiré du troisième album studio de Radiohead, OK Computer, pour lequel il faut tout de suite saluer le travail du producteur, Nigel Godrich. À cette époque, Radiohead était certes un groupe connu et reconnu, mais son audience ne dépassait pas les cercles de ce que l’on appelait le “rock indépendant”. OK Computer et “Paranoid Android” vont faire mentir tout ce que l’on sait des règles qui président à un succès mondial dans le domaine de la musique pop, en devenant les socles de cette reconnaissance mondiale. Pour le dire rapidement, on peut aimer ou ne pas aimer Radiohead, mais il faut reconnaître que, dès l’origine, ce groupe a superbement ignoré les diktats de l’Industrie, et a toujours fait uniquement ce qu’il a voulu, jusqu’au point, ces dernières années, de réussir à se couper d’une large frange de son public, mais ceci est une autre histoire.

Pour en revenir à “Paranoid Android”, connaissez-vous beaucoup de chansons d’une durée de 6 mn 23 s, amalgamant plusieurs thèmes différents à la façon d’un patchwork, remplies de guitares distordues et dissonantes, et qui arrivent à grimper jusqu’à la 3ème place des fameuses “charts” anglaises ? Personnellement, je ne vois pas.

Chacun peut se rendre compte qu’il y a quatre parties dans “Paranoid Android” : la première partie, en tempo moyen, est dominée par la guitare acoustique et la voix larmoyante de Thom, secondées par la guitare électrique de Jonny Greenwood ; la deuxième partie, marquée par un changement du rythme et de la tonalité laisse toute la place à la guitare distordue et dissonante de Jonny ; la troisième partie, écrite par ce dernier, voit le tempo se ralentir brutalement, tandis que la quatrième partie est une reprise instrumentale, en forme de coda, de la deuxième partie.

Si vous n’avez jamais entendu “Paranoid Android” avant aujourd’hui*, il y a de grandes chances que vous ne trouviez pas cette musique éminemment “sympathique”, mais il faut sans doute se plonger dans les paroles, ou regarder le clip pour s’apercevoir que cette chanson est sauvée par l’humour qui s’en dégage ─ ce qui ne sera, hélas, pas le cas d’un certain nombre d’autres œuvres dans la carrière ultérieure de Radiohead ─ et aussi par le lyrisme (que certains pourraient juger exacerbé) de la voix de Thom Yorke. Quant à la ligne de basse de Colin Greenwood, je la trouve extrêmement réussie.

Une fois de plus, je suis coincé par mon choix d’aborder la musique par le biais de la chanson, car s’il y a bien un album à envisager comme un bloc, c’est OK Computer ; ou, en d’autres termes, “Paranoid Android” ne prend son sens que dans son interrelation avec chacune des autres chansons de l’album ─ et on pourrait dire la même chose de chacune des chansons qui le composent ─ comme s’il s’agissait d’un réseau de chansons. Et, contrairement à Pablo Honey et à The Bends qui étaient plutôt ouverts sur la psyché de Thom Yorke**, OK Computer est largement ouvert sur le monde, et pas dans ce qu’il a de plus joli !

Enfin, comment ne pas reconnaître que cet album a été, de par son influence, l’un des plus importants de la fin du siècle dernier. Il a, tout simplement, donné le coup de grâce au mouvement “brit-pop” représenté par Supergrass, Suede, et surtout, Oasis, et a ouvert la voie pour d’autres groupes ; me viennent à l’esprit les noms de Coldplay, Snow Patrol, Muse, ou encore Arcade Fire.

Pour conclure, s’il y a un groupe que j’aurais envie de rapprocher du Radiohead qui est né avec ce OK Computer, c’est, curieusement, le Velvet Underground. Ce sont, en effet pour moi, des groupes de “rupture”, des groupes qui ont initié un langage musical nouveau, et qui sont encore plus importants par leur influence que par leur audience réelle***.

*Ah bon, ça existe ?

**Voir mes chroniques “Thinking About You”, “Street Spirit (Fade Out)” et “Fake Plastic Tree”.

***Ce dernier point, cependant, les sépare radicalement !

Ce Gospel Oak ep est sans aucun doute le disque le plus précieux et le plus indispensable de la discographie de Sinéad O’Connor*. Ces six chansons qui sont « dedicated to the people of Israel, Rwanda and Northern Ireland » donnent l’image d’une femme de 30 ans qui a enfin, sans doute grâce à une récente maternité, pu trouver une certaine paix intérieure, après avoir vécu une enfance et une jeunesse marquées par un environnement familial d’une violence et d’une perversité inimaginables.

La plus belle voix d’Irlande a donc écrit cette admirable mélodie, propre à tirer des larmes à un caillou, et elle la chante avec un engagement, une ferveur, dont peu sont capables. Le texte joue très habilement d’une ambiguïté sur l’identité de la personne à qui Sinéad s’adresse. S’agit-il d’un enfant qu’elle désire materner, ou bien, comme cela se dévoile au fur et à mesure, d’un homme qu’elle aime et dont elle veut apaiser la souffrance ?

Quoi qu’il en soit, je tiens “This Is To Mother You” pour l’une des plus belles chansons jamais écrites.

*Voir ma chronique de “Nothing Compares 2 U”

Songs From Northern Britain (1997) est l’un des plus beaux albums de Teenage Fanclub ─ mais leur discographie ne comporte pratiquement que de beaux albums ─ mais ce n’est que très récemment que j’ai découvert, comme c’est pratiquement toujours le cas, que la sortie de l’album avait été accompagnée d’un certain nombre de singles*, lesquels reprennent 1 titre de l’album, plus 1 ou 2 titres inédits, compositions originales ou reprises. Je me suis donc immédiatement procuré l’un de ces cd, Ain’t That Enough.

L’un des 3 titres qui composent ce single est ce “Broken”, qu’on ne trouve sur aucun autre support, et qui est une composition de Norman Blake ─ who else? ─.

Ce n’est pas une chanson, ce n’est pas un instrumental (puisqu’il y a quelques paroles, vers la fin : « Your heart has been broken again, it’s broken, it’s broken ») c’est plus proche de ce qu’on appelle, en Inde, un mantra ; une phrase musicale qui se répète indéfiniment, avec de subtiles variations ; la guitare acoustique de Norman expose le thème. Arrivent une autre guitare, la basse et la batterie, puis un synthétiseur, et tout ça fait toujours la même chose, sans que ce soit jamais pareil. Arrivent enfin les chanteurs, et la chose se termine, au bout d’un peu plus de 5 minutes, quand même, par le thème joué au synthétiseur ; on finit par se demander ce qui s’est passé pendant ces 5 minutes, et on remet “Broken” une nouvelle fois. Et encore ; et encore, sans que l’on ait envie que ça s’arrête. C’est sublime, comme d’ailleurs la photo qui orne la pochette, et qui représente la centrale nucléaire de Torness, en Écosse.

*Trois, en fait. Chacun d’entre eux déclinés en deux versions. Il est quasiment impossible, à moins d’habiter Londres ou Glasgow, d’être au courant de toutes ces parutions.

Il y a de grandes chances que vous ne connaissiez pas le californien Kyle Vincent, ce qui serait également mon cas si je n’avais pas devant les yeux son cd Kyle Vincent, sorti en 1997, réalisé avec l’aide de Parthenon Huxley. Enfant prodige de la musique ─ il joue des claviers, de la guitare, de la basse, du saxophone ─ et du chant, il fut le leader de Candy, groupe powerpop dont la notoriété n’est pas parvenue jusqu’aux pauvres européens que nous sommes.

En tout cas, cet exemple de pop adolescente, “Next Time We’ll Go Crazy” m’était apparu suffisamment intéressante et bien faite pour que j’aie envie de lui consacrer une chronique. Il est vrai que, vingt ans plus tard, je suis encore moins adolescent que je ne l’étais à la fin du siècle dernier, et je reste un peu plus extérieur à cette chose larmoyante, un peu trop ampoulée, et renfermant un taux de sucre nocif pour mes artères. On n’est probablement pas trop loin de ce que Richard Clayderman faisait, chez nous, il y a un paquet d’années. Mais trêve de sarcasmes, Kyle chante très bien, sa production est habile, et on a malheureusement entendu des horreurs autrement plus gratinées. Je ne connais pas l’ensemble de sa discographie, mais son dernier disque est sorti en 2017, ce qui prouve qu’il possède, outre un public, un certain talent. Notez tout ça pour mémoire, car impossible de trouver cette chanson sur les habituelles plateformes vidéo. Il va falloir venir écouter le disque chez moi.

PAS DE VIDEO