Une des chansons de Weezer parmi les plus appréciées, en particulier parce qu’elle a su déborder du noyau de fans du groupe, pour toucher une partie du “grand public”.

Il faut dire que c’est une chanson très sympathique, relaxée, voire alanguie, et que le clip, dirigé par Spike Jonze, n’y est pas pour rien ; il met en effet en scène le groupe, sur une île, folâtrant parmi des animaux sauvages ou domestiques, ce qui, vous en conviendrez, met tout le monde d’accord.

Il faut dire que Weezer revient de loin. Ils ont même failli ne pas inclure “Island In The Sun” sur ce troisième album, que tout le monde nomme “The Green Album”, car il a été difficile pour Rivers Cuomo de se relever de l’échec de leur album précédent, “Pinkerton”, qui date déjà de 1996. Le groupe n’arrive pas à répéter ; Cuomo se déprime, s’enferme chez lui, et écrit les paroles de 121 chansons*. Quand enfin le moment de l’enregistrement arrive, le bassiste, Matt Sharp, est parti, et Weezer recrute Mikey Welsh** et appelle à la production Ric Ocasek, ancien leader des Cars, et producteur du premier “Blue Album”.

Weezer indique ainsi clairement qu’il veut revenir aux sources de ce premier album, en mettant entre parenthèses ce “Pinkerton” que je trouve, pour ma part, très réussi, et peut-être même plus intéressant que ce court “Green Album”.

Quoi qu’il en soit, et dans ce style punk powerpop sur lequel il règne en maître, Weezer remplit son contrat et se paye même le luxe de sortir un succès planétaire avec ce “Island In The Sun”***.

Et je peux vous dire qu’arriver à réconcilier les punks et les ménagères de moins de 50 ans, c’est très fort !

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*Sans vouloir comparer, il y a quelque chose de Brian Wilson chez Rivers Cuomo. Ce bonhomme est vraiment très particulier…

**qui partira, d’ailleurs, quelques mois après la sortie du “Green Album”.

***qui figure également sur l’édition européenne de “Maladroit”, l’album suivant.

“Untitled” est réputé être le dernier morceau enregistré par les SP, avant leur séparation de 2000. Ni D’Arcy Wretzky, ni Melissa Auf der Maur n’étant présentes, la basse est tenue par Billy Corgan.

Corgan a dit lui-même qu’avec cette chanson d’adieu, il voulait retrouver un peu l’esprit des premiers albums, “Gish” et “Siamese Dream”.

Et donc, dans ce studio chicagoan dans lequel ils se sont sentis si bien, en cette fin d’automne 2000, se retrouvent pour la dernière fois (croient-ils) Jimmy Chamberlin, James Iha et Billy Corgan. C’est, je pense, cette ambiance de séparation et de nostalgie, qui donne sa qualité à cette belle chanson.

Mais j’entends qu’on me questionne : « C’est bizarre qu’OldClaude aime ce groupe qui ne brille pas par la subtilité, et dont la musique tire vers un hard-rock dont il s’était, jusqu’ici, tenu à distance ».

Je dirais deux choses par rapport à mon affection pour les Smashing Pumpkins : d’une part, leur musique est, à part sur leur album “Machina”(2000) d’une subtilité bien plus importante que l’image qu’on s’en fait habituellement ; d’autre part, je suis fasciné par la voix de Billy Corgan, mélange harmonieux de la voix de Donald Duck, de celle de mon fils quand il avait 4 ans, et de celle de Mick Jagger quand il en avait 25. Blague à part l’un des très grands chanteurs de rock, toutes catégories confondues. Et, bien sûr, je vous parlerai, un jour, de mon album préféré des SP, “Adore” (1998), celui que tout le monde déteste…

Qui connaît Ben Christophers, à part Françoise Hardy, dont c’est l’un des chanteurs préférés ? Si on excepte les quelques amateurs éclairés qui ont permis que “My Beautiful Demon” soit un petit succès en 1999, personne !
Et pourtant, les quatre albums qu’il a fait paraître entre 1999 et 2005, suivis d’un mini-album en 2010 sont la preuve de l’incroyable talent de ce compositeur, interprète et multi-instrumentiste anglais, qui se contente aujourd’hui de collaborer avec des gens très recommandables, comme Bat For Lashes, Imogen Heap et Guy Garvey.
L’exceptionnel “The Stream” est tiré de “Spoonface”, son deuxième album, produit par David Kosten (de Faultline) et Ben. Ce dernier joue de tous les instruments sur ce titre, la programmation étant l’œuvre de David. Le tempo, ultra-ralenti, en fait une sorte de chant grégorien électronique qui s’accorde parfaitement au falsetto du chant de Ben.
Tout n’est pas du même niveau, tout au long des cinq albums, mais il y a suffisamment de choses exceptionnelles pour faire verdir de jalousie un certain nombre d’auteurs-compositeurs dont la réputation est autrement plus universelle.

Je ne pouvais pas ne pas revenir sur l’exceptionnel disque des Czars, “The Ugly People-Vs-The Beautiful People”*, leur 2ème album chez Bella Union, et, juste après “Drug”, il y a “Side Effect”, lequel fera d’ailleurs l’objet d’un single, l’année suivante.
Autant “Drug” est un titre marqué par une grande simplicité instrumentale, autant “Side Effect” s’impose par sa richesse, à ce niveau-là.
Tout l’espace sonore est envahi par la batterie, la basse, les guitares, qui ne lésinent pas sur la distorsion, le piano de John, une seconde voix (celle de John, probablement), chargée d’écho, qui fait les chœurs, des sons divers produits par les synthétiseurs de Simon Raymonde**. Il y a également un orgue (ou un synthétiseur) qui me fait furieusement penser à Matthew Fischer, l’organiste originel de Procol Harum, et je n’écris pas ça par hasard, tant “Side Effect” pourrait se rattacher à certains titres anciens de ces derniers.
Cette profusion orchestrale, loin d’étouffer le magnifique baryton de Grant, le met encore plus sûrement en valeur, le dramatise encore, et produit chez l’auditeur une sorte de “crainte respectueuse”, dont on conviendra qu’il ne s’agit pas d’un sentiment souvent déclenché dans la musique rock actuelle.
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J’ai choisi l’orthographe “Side Effect”, mais l’orthographe “Side Effects” est également rencontrée (parfois sur le même disque) et je ne sais pas quoi en penser.
*voir ma chronique de “Drug”.
** qui était venu gratuitement et spécialement de Londres à Denver, pour assurer la production de cet album, tant était grande l’estime qu’il portait à ses protégés de Bella Union.

Quand se rencontrent la voix de John Grant et une mélodie de ce calibre, ça veut dire qu’on tient alors une des plus belles chansons jamais gravées. “Drug” est le chef-d’œuvre qui ouvre “The Ugly People-Vs-The Beautiful People*, quatrième album de ce groupe de Denver (Co) qui, outre John Grant, comprenait Roger Green et Andy Monley aux guitares, Chris Pearson à la basse, et Jeff Linsenmaier à la batterie. Simon Raymonde, ancien bassiste des Cocteau Twins, et patron du label Bella Union, a assuré la production, assisté de Giles Hall. Tout l’album est d’une beauté absolue, l’un des 3 meilleurs disques de 2001, et si vous ne deviez posséder qu’un seul album des…..non, c’est idiot, il faut connaître toute l’œuvre des Czars, qui, bien sûr, n’ont jamais eu aucun succès.
John s’accompagne au piano ; derrière on entend une basse laconique, une guitare discrète et ce qui ressemble à un clavecin. John est également responsable de la deuxième voix, noyée d’écho, qui donne à tout ça une profondeur sans pareille. Mais ce sont le piano et la voix qui nous hypnotisent avec cette histoire de partenaire qui représente une drogue pour le chanteur. Je ne vais pas m’appesantir là-dessus, mais on sait bien dans quels abîmes toxiques et psychologiques John se débattait, à l’époque ! C’est sans doute la raison majeure qui fait que cette chanson vous prend littéralement à la gorge.
Je me souviens avoir vu pour la première fois John Grant sur scène le 14 juin 2010, tout auréolé du succès de son premier album solo, l’extraordinaire “Queen Of Denmark”.** Je ne m’attendais pas à ce qu’il chante une chanson des Czars, car il est légitime de penser que c’est une période de sa vie qu’il tenait absolument à laisser derrière lui. Et pourtant ont retenti les premiers accords de “Drug”, qu’il nous a interprété, seul au piano ; on aurait entendu une mouche voler, dans la salle, et, le dernier accord plaqué, je l’ai vu, sous les applaudissements frénétiques du public subjugué, esquisser un sourire. J’ai su que John Grant était sauvé.
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*En écoutant, sur YouTube, les versions proposées, je me suis aperçu que la quasi-totalité de celles-ci proposait une version de “Drug” dominée par une guitare acoustique. La seule version satisfaisante est celle de l’album !
**voir ma chronique de “Caramel”
Caramel

Au tournant du siècle, j’ai recommencé à écouter un peu de metal. Et, à cette époque, on parlait de nu-metal, à la suite de Korn et autres groupes de ce champ musical. Je ne suis pas vraiment spécialiste de ce genre de musique, mais comme des millions d’auditeurs, j’avais été attiré par ce que faisait le groupe californien System Of A Down, qui dans leur deuxième album, “Toxicity”, injectait d’étranges mélodies orientales dans les riffs surpuissants qui définissent ce style.
System Of A Down est un groupe formé par quatre Américains-Arméniens, comme ils se définissent eux-mêmes, et “Aerials”, qui conclut “Toxicity” a été composé par le chanteur Serj Tankian pour les paroles, et le guitariste Daron Malakian pour la musique, la production ayant été confiée à Rick Rubin.
Vous aimerez ou pas cette musique, mais sachez tout de même que “Aerials” a été reprise par un quatuor à cordes*, ce qui tendrait à prouver que des musiciens classiques ont entendu suffisamment de musique dans “Aerials” pour lui infliger ce traitement.
Sans compter qu’une partie de la musique que j’écoute en 2017 appartient au genre dit “prog-metal”, lequel trouve une partie de ses origines dans ce nu-metal du début du siècle.
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*le Vitamin String Quartet, vous trouverez ça sur YouTube, sans aucun doute.

Il m’est déjà arrivé de délivrer quelques chroniques de chansons que je jugeais embarrassantes (Madonna, Birdy…), mais rien qui atteigne ce sommet, où l’on se sent la risée de ceux qui, contrairement à soi-même, possèdent les critères et les codes du “bon goût”.
Ce n’est pas que “Ice Queen” soit une mauvaise chanson, ou que la chanteuse de Within Temptation, la sculpturale Sharon den Adel, chante mal, bien au contraire, mais c’est que ce groupe hollandais ressuscite les attraits un peu frelatés de ce style pictural ou musical qu’on appelait le pompiérisme.
Lorsque j’introduis ce terme, je sais bien que cela vous renvoie au règne de Napoléon III, et vous vous demandez bien ce que ça peut avoir de commun avec le rock.
Et pourtant, qu’il y ait une intrusion de ce style, aujourd’hui méprisé, mais qui produisit un certain nombres d’œuvres très estimables, dans la musique rock, voilà qui me paraît très étonnant et je pourrais même dire assez intéressant.
J’ai un peu cherché sur Internet, et pu découvrir que les références au pompiérisme dans le rock ne manquent pas, que ce soit pour dénoncer les outrances du hard fm des années 80 ou pour vomir le prog-rock dans son intégralité, posture évidemment adoptée par “Les Inrockuptibles”. Mais, dans tous les cas, dès qu’on a écrit “pompiérisme”, on renvoie ce que ça désigne vers l’enfer du mauvais goût, de l’inaudible, du mal absolu. C’est quand même plus compliqué que ça, comme vous le verrez en lisant la seconde partie de cette chronique.
Il convient de se pencher un peu plus sur cet art pompier qu’on peut également nommer “académique”, et d’en proposer une définition, inspirée par les productions picturales (Meissonier, Gérôme…) et que je vais tenter d’adapter à la musique de notre époque.
Ce qui travaille le pompiérisme, c’est d’abord la référence aux musiques nobles du passé, ce qu’on appelle la musique classique, et il est patent que cela soit évoqué dès que le rock se pique d’emprunts à la musique classique, symphonique en particulier.
Il y a là un respect d’une certaine tradition bourgeoise, qui s’oppose frontalement à ce qui est considéré comme l’avant-garde, et qui marque bien le caractère réactionnaire de la démarche.
Il y a, plus subtilement, un goût prononcé pour ce que j’appellerais une monumentalité, destinée à impressionner l’auditeur, une ouverture vers le grandiose, et enfin, derrière tout ça une affirmation du Beau, c’est-à-dire, pour paraphraser Nietzsche, la prééminence de l’apollinien sur le dionysiaque.
C’est cette opposition dialectique qui travaille très profondément toute la musique moderne : apolliniens les “belles voix” impressionnantes et travaillées, comme celles de Céline Dion, les orchestres à cordes, la virtuosité et la technicité pointilleuses, la recherche d’une forme se pliant à des “canons” reconnus, l’épuré, le parfait, j’aurais presque envie de dire le digital opposé à l’analogique ; dionysiaques les guitares électriques distordues, les dissonances, tout ce qui peut se rapprocher du bruit, de l’irruption pulsionnelle, du cri, c’est-à-dire de beaucoup de choses propres à faire fuir ce que l’on désigne habituellement comme “le grand public”.
Car il faut le reconnaître et ne pas s’en offusquer, la séduction immédiate, la facilité esthétique, la possibilité de comprendre l’œuvre sans aucune préparation ni culture préalables sont résolument du côté du pompiérisme, d’où la facilité avec laquelle Within Temptation m’a attiré dans ses filets.
Et même si je m’éloigne maintenant de “Ice Queen”, il y a un autre exemple que je voudrais donner, qui illustre bien cette victoire facile du pompiérisme.
J’aime beaucoup Led Zeppelin, et particulièrement les 3 premiers albums, lesquels sont, à n’en pas douter, une affirmation dionysiaque évidente.
Or, il y a sur YouTube (https://youtu.be/2u-PjvRyr0I) une très instructive vidéo tournée pendant les Kennedy Center Honors de 2012. Il s’agit, semble-t-il, d’une soirée de gala patronnée par le couple présidentiel le plus glamour qui soit, je veux dire Barack et Michelle Obama, et qui récompense des artistes, par définition méritants. Et qui voit-on au balcon ? Rien moins que John Paul Jones, Robert Plant et Jimmy Page, les 3 survivants du quatuor célèbre, en habits et nœuds papillon, avec leur ruban tout neuf, ce qui fait un peu bizarre pour ces hérauts de la contre-culture.
Ann et Nancy Wilson (du groupe Heart) rentrent sur scène avec leur guitare acoustique et entament immédiatement “Stairway To Heaven”, l’hymne célébrissime de Led Zep. Gros plan sur les héros : Robert a la larme à l’œil, John Paul semble ému et Jimmy très satisfait.
Puis l’orchestre émerge de la pénombre, des violons à foison, et une Gibson Les Paul tenue par un monsieur cravaté qui pourrait être votre voisin de palier. Et des choristes, plein de choristes habillées de noir et coiffées d’un chapeau melon (bien sûr ! Led Zep est un groupe anglais). Et le batteur ! le seul qui a l’air sérieux, concentré, malgré son chapeau melon. C’est normal, c’est Jason Bonham, le fils du batteur disparu de Led Zeppelin, John Bonham (1948-1980) ! Quel hommage extraordinaire ! C’est heureux que Jason n’ait pas choisi le cornet à pistons pour s’exprimer artistiquement.
Les trois Anglais, au balcon, se détendent, se regardent, esquissent des sourires. Les cuivres interviennent. Le couple Obama a la même tête que s’ils assistaient à un concert philharmonique. Votre voisin de palier reproduit, à la note près, le chorus historique de Jimmy Page (1971). Tout cela prend une dimension épique, et tous les ingrédients du rock pompier sont réunis pour nous en mettre plein la vue. C’est beau, c’est monumental, ça a dû coûter un paquet de fric ! Je note incidemment que la majorité des choristes est d’origine afro-américaine tout en me souvenant qu’en 1971 les spectateurs afro-américains des concerts de Led Zeppelin se comptaient sur les doigts de la main.
C’est fini ; tout le monde se lève, tout le monde est content, et moi aussi, d’ailleurs. La victoire du rock pompier est totale, définitive. Je souris béatement ; pendant un instant j’ai eu l’illusion que nous vivions dans un monde parfait…

J’avais récemment fait la fine bouche devant la production un tantinet désinvolte d’une pourtant magnifique chanson de Grant-Lee Phillips*.

Ces facilités existent dans “Sleepless Lake”, mais elles sont plus discrètes et plus aisément pardonnables.

Et, en les mettant un peu de côté, on se rend compte à quel point Grant-Lee Phillips est un compositeur important, et, pour autant que je puisse en juger, un auteur plein de sensibilité et de poésie.

Sans compter qu’il est un interprète de talent avec une voix expressive, sachant faire passer toutes les nuances.

Ce qui m’amène à dire que le seul endroit où Grant-Lee pourrait nous contenter sans réserve, ce serait la scène d’un petit club où il apparaîtrait seul, avec sa Gibson.

Cependant, depuis l’immense “Fuzzy”, enregistré sous le nom de Grant-Lee Buffalo, cet artiste a enregistré au moins une douzaine d’albums, et il faudrait sans doute se pencher sur chacun d’eux, afin d’avoir une vision plus globale sur le parcours et l’importance de Grant-Lee. La tâche est immense pour ceux qui voudront compléter mon petit travail, mais je serais très content de susciter ce genre de vocation…

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*voir “See America”.

Moke est un groupe londonien, formé en 1997, qui a sorti deux albums, et dont la carrière a été brutalement interrompue par des problèmes économiques, alors que les Etats-Unis commençaient à leur réserver un excellent accueil. Leur second album, “Carnival” où vous pourrez trouver le titre que je vais mettre en lumière, n’est d’ailleurs sorti qu’aux USA, et la disponibilité en Europe a été assurée par un autre label, un peu plus tard, quand le groupe n’existait plus.

Mais c’est bien la version américaine du cd que j’ai entre les mains, car je connaissais Moke depuis leur 1er cd, “Superdrag” et j’appréciais beaucoup ce groupe, et son chanteur John Hogg.

“Carnival”, produit par Paul Stacey est une impressionnante collection de chansons qui évoqueront, d’après les critiques, Oasis, Led Zeppelin, Faith No More, etc.

Mais tout ceci parait en faire des suiveurs, or, Moke a une vraie personnalité, témoin ce “I Don’t Mind” qui est un morceau plutôt acoustique, avec un travail assez recherché sur les voix, mais avec un rythme très présent, marqué par des accords plaqués sur une guitare acoustique, rapidement secondée par la guitare électrique de Sean Genockey, puis par la basse d’Alex Evans et la batterie de John Morgan.

Je vous assure que “Carnival” est, pour moi, l’un des meilleurs albums de cette année 2001, mais je dois bien être le seul, car j’ai pris la peine de regarder les listes de “meilleurs albums” éditées par les revues et critiques ; même au delà de la 100ème place, pas la moindre mention de “Carnival”. Quelle tristesse !

Je n’ai probablement pas accordé une attention suffisante à la carrière de Grant-Lee Phillips, puisque seul son 2ème album, “Mobilize”, a sa place dans ma discothèque, alors qu’y figurent quelques très belles chansons qui auraient pu me rendre plus curieux de la suite.

En particulier, ce “See America” qui ouvre l’album, produit par Grant-Lee et Carmen Rizzo. Mélodie somptueuse chantée par la voix expressive de Grant-Lee qui a choisi de s’occuper de tous les instruments. Pas de problème quand il fait sonner superbement sa grosse Gibson acoustique, mais les textures électroniques et surtout la “drum-machine” sont un peu plus difficiles à digérer, ce qui fait que je me suis réconcilié avec ce morceau en visionnant les versions que Grant-Lee a pu en donner sur scène, seul avec sa guitare, ou accompagné par un (Jon Brion) ou plusieurs musiciens.

Des trois guitar-heroes issus des rangs des Yardbirds, Eric Clapton, Jimmy Page et Jeff Beck, c’est incontestablement ce dernier qui a le mieux vieilli. Les raisons sont sans doute multiples, et il serait peut-être intéressant d’essayer de les dégager ; j’en vois au moins une, très importante, sur laquelle je reviendrai dans le courant de cette chronique.

“Suspension” termine ce très bel album de Jeff, “You Had It Coming”, produit par Andy Wright, dans lequel il est entouré de Jennifer Batten à la guitare, Steve Alexander à la batterie, et Randy Hope-Taylor à la basse. La très talentueuse Imogen Heap chante sur deux titres et la programmation est entre les mains de Aiden Love.

Mais “Suspension” est un instrumental, une mélodie exquise et très finement ciselée qui justifie pleinement le titre de Maître de la Stratocaster que Jeff peut revendiquer. J’ai l’impression, en écoutant “Suspension” que Jeff a fait ça tout seul dans le studio, avec Aiden Love, sans les autres musiciens, mais peu importe.

Je commençais en écrivant que Jeff Beck avait mieux vieilli que Jimmy, qui ne joue presque plus, et que Eric, qui ne devrait plus jouer. Ce n’est pas simplement parce qu’il sait s’entourer de musiciens de haut vol, et même, très souvent de musiciennes jeunes et talentueuses (Jennifer Batten, la gracieuse et étincelante Tal Wilkenfeld) ; ce n’est pas non plus parce qu’il a su échapper à la monomanie qui caractérise ses pairs (Clapton, le blues, Page, Led Zeppelin), en œuvrant dans différents champs stylistiques (le rock fusion, l’électronique, le rockabilly, etc) mais c’est surtout, me semble-t-il, parce que depuis très longtemps, Jeff Beck a opéré un travail sur le son, qui le rend unique et inimitable.

N’étant pas moi-même guitariste, j’ai regardé pas mal d’articles spécialisés, et en particulier une interview-fleuve de Steve Prior, le technicien guitare de Jeff, d’où il ressort les choses suivantes :

Jeff fait toujours trois choses en même temps avec sa main droite, ce qui est rendu possible par le fait qu’il n’utilise jamais de médiator. Son pouce et son index s’occupent des cordes de sa guitare, qu’il “slappe” parfois, comme le feraient certains bassistes ; son majeur pousse la tige de vibrato, tandis que l’annulaire la tire, et le petit doigt est sur le bouton de volume qu’il utilise par exemple pour couper l’attaque de ses notes afin d’ imiter un violon.

Il réalise ça sur sa fameuse Fender Custom Shop Jeff Beck Signature Stratocaster blanche de 1993, légèrement modifiée et possédant des micros simple bobinage John Suhr, uniques au monde. Son amplificateur est un Marshall DSL 50. Pour plein d’autres choses extrêmement techniques et extrêmement intéressantes, comme les pédales d’effets, je vous renvoie aux sites spécialisés qui font tout ça bien mieux que moi.

Pourquoi est-ce que je vous ennuie avec ces trucs techniques ? Simplement pour vous dire qu’il est inutile d’essayer de jouer comme Jeff Beck, vous n’y arriverez pas. Tout comme il est inutile d’essayer de jouer comme n’importe quel guitariste célèbre, quel qu’il soit, car, au-delà de toute cette lutherie moderne, mâtinée d’électronique, ce que vous entendez, ce sont les doigts du guitariste, lesquels sont un prolongement de son cerveau. Et il n’y a pas deux cerveaux identiques. C’est pour cela que Jeff Beck est grand.

Le Canadien (de Toronto) Ron Sexsmith est un auteur-compositeur-interprète très important, porté aux nues par des artistes tels qu’Elvis Costello ou Paul Mc Cartney.

Mais sa reconnaissance publique et commerciale n’est évidemment pas à la hauteur de son talent, et c’est sans doute la raison pour laquelle, sur ce 4ème album, “Blue Boy”, il met de côté sa collaboration avec son producteur attitré, Mitchell Froom, et s’en va à Nashville, où Steve Earle et son complice Ray Kennedy lui permettent d’enregistrer ce disque en 1 semaine. “Blue Boy” explore de multiples facettes de Ron, et ce titre, “Cheap Hotel, évoquant le refuge d’une femme et de ses enfants dans un hôtel, afin d’échapper à un mari violent, est sans doute l’un des sommets de l’œuvre de Sexsmith.

Avec une instrumentation rock classique, dominée par l’orgue Hammond de Brad Jones, Ron déroule une magnifique mélodie portant des paroles qui ne font que suggérer la dramatique situation évoquée, avec une voix alanguie de crooner, très caractéristique, mais dont on comprend qu’elle puisse parfois le desservir dans un monde où la recherche du spectaculaire et des effets est mise en avant.

Personnellement, cela me rapproche, au contraire, de Ron Sexsmith, et vous serez, je l’espère, témoins du fait que ce blog lui donnera une place que j’espère essentielle.