Et voilà le diamant noir ! La semaine dernière, deux de mes chroniques étaient consacrées à l’un des disques de la série American Recordings*. Je poursuis  avec “Hurt” dont j’ai déjà parlé il y a quelques semaines, dans la version de Nine Inch Nails, chantée par son créateur, Trent Reznor.

Je ne saurais dire laquelle des deux versions est la “meilleure” ; cette question n’a pas de sens ; les deux hommes l’abordent par des faces différentes, et se retrouvent réunis au sommet.

On retrouve aux guitares acoustiques Mike Campbell, membre des Heartbreakers de Tom Petty, ainsi que Smokey Hormel, et Benmont Tench, également collaborateur de Petty, aux claviers (piano, orgue, mellotron) dont le rôle est ici, considérable.

Les paroles des deux versions sont identiques, mis à part que Cash a remplacé l’expression “crown of shit” par la plus convenable “crown of thorns”.

Il faut, pour cette chanson, lire et comprendre les paroles car elles décrivent avec une précision glaçante le quotidien du junkie, et personne n’est étonné de la facilité avec laquelle Johnny Cash s’est glissé dans ces paroles.

Il faut également regarder le magnifique clip vidéo, qui a gagné le titre idiot de “clip vidéo le plus triste du monde”. On y aperçoit June, la femme de Johnny, qui mourra trois mois plus tard.

La chanson est introduite par les guitares, mais c’est tout de suite la voix de Cash, et les mots qu’il énonce, qui nous happent dans cette douleur qu’il réussit à nous faire partager. Et Benmont Tench sonne littéralement le glas avec son piano, qu’il martèle à la limite du soutenable. On croyait que la violence ne se matérialisait, dans la musique, qu’en compagnie des guitares électriques du “death metal”. En fait je n’ai jamais rien entendu de plus violent que ce piano, qui sonne pour annoncer le Jugement Dernier.

Aucun pathos dans la voix de Cash, aucune révolte, aucune colère, mais la résignation de celui qui se sait arrivé au bout du chemin, qui sait qu’il est responsable de la dureté de celui-ci, et qui exprime quand même le regret d’avoir fait un si mauvais choix.

__________________________________________________________________

*voir “Streets Of Laredo” et “Personal Jesus”.

Quelle idée géniale de faire reprendre par Johnny Cash, ce tube de Depeche Mode, écrit et composé par Martin Gore et que l’on trouve sur leur album “Violator”(1990) !

Gore avait trouvé l’idée du titre dans les Mémoires de Priscilla Presley qui nommait ainsi son célèbre époux !

Pas d’électronique pour accompagner la voix grondante de Cash, mais les guitares de John Frusciante, membre des Red Hot Chili Peppers, et de Smokey Hormel, à la slide guitar. Et rien moins que Billy Preston au piano, qui a envie de faire savoir qu’il est là.

Si vous écoutez les deux versions de “Personal Jesus”, celle de Depeche Mode, et celle de Johnny Cash, il ne fait aucun doute que l’interprétation de Dave Gahan s’inspire totalement de l’idée de Madame Presley que le “Jesus ” en question est bien un être humain qui a le pouvoir de consoler, de pardonner, de réparer, etc.

Mais, plus subtilement, quand Gore et Gahan s’adressent à leurs fans, dans les immenses salles qui accueillent d’habitude leurs concerts, les “Personal Jesus”, ce sont eux, qui détiennent alors le pouvoir démiurgique de consoler ces adorateurs qui se pressent à leurs pieds.

Rien de tel chez Johnny Cash dont on rappelle qu’il a fait des études de théologie, et qui, dans ces mois qui ont précédé sa mort, ne manquait pas une occasion de proclamer sa foi : ce “Personal Jesus” est bien le Dieu des Chrétiens. À partir d’une chanson profane, Cash construit une œuvre pleine de religiosité, sans le second degré initié par les Anglais, et qui touche profondément.

J’ajouterais une autre remarque qui vise la qualité d’écriture de Martin Gore : quand une chanson peut être reprise dans un arrangement instrumental complètement différent, sans pour autant perdre son impact et sa séduction, c’est qu’elle possède des qualités intrinsèques qui ne peuvent pas se voir dénaturées, quel que soit le traitement qu’on lui fait subir* ; “Personal Jesus” est de cette trempe.

__________________________________________________________________

*Mine de rien, cette dernière phrase est un petit conseil aux groupes de rock amateurs qui massacrent consciencieusement le répertoire des Rolling Stones ; « Massacrez Depeche Mode ! N’ayez pas peur, c’est assez puissant pour tenir le coup » !

Je n’ai jamais été spécialement intéressé par la country music traditionnelle, et jusqu’à 1994, la carrière de Johnny Cash m’était quasiment inconnue. D’ailleurs les années 70 et 80 avaient représenté une lente dégringolade pour cet homme usé par une vie passée dans la “fast lane”. La rencontre avec Rick Rubin sera donc une rédemption.

Et pourtant, a priori, rien ne prédisposait ce producteur, spécialisé dans le punk et surtout le rap, à relancer la carrière finissante de l’Homme en Noir. Son idée était pourtant simple : il s’agissait d’enregistrer Cash, d’une façon minimaliste, avec un répertoire de reprises, chez lui, dans sa maison du Tennessee. Je ne vais pas rentrer dans les détails, mais il y eut neuf parutions, et seules les quatre premières furent éditées du vivant de Johnny Cash. Un peu de pédagogie ne nuisant pas, les voici :

1. American Recordings (1994)
2. Unchained (1996)
3. American III : Solitary Man (2000)
4. American IV : The Man Comes Around (2002)
5. American V : A Hundred Highways (posthume 2006)
6. American VI : Ain’t No Grave (2010)
7. J. Cash/Willie Nelson – VH1 Storytellers (live de 1994 produit par Rubin, mais ne faisant pas partie des American Recordings)
8. Cash – Unearthed (coffret – 2003)
9. American Rarities : Heart Of Gold (compilation 2010)

J’ai choisi de vous entretenir du disque de 2002, American IV : The Man Comes Around, et je vais même, cette semaine, y consacrer deux chroniques, en commençant par la chanson “Streets Of Laredo”.

“Streets Of Laredo”* est une chanson de cow-boys traditionnelle que Cash avait déjà enregistrée en 1965 et que l’on trouve sur son album “J. C. Sings The Ballads Of The True West” ; il y a force violons, et le côté sirupeux des arrangements ne m’a pas tellement séduit. Rien de tel avec l’enregistrement supervisé par Rick Rubin !

Il y a d’abord la voix de Cash, la voix fatiguée, épuisée, de cet homme, qui mourra quelques mois plus tard, le 12 septembre 2003, mais en même temps, une voix qui ne veut pas se rendre, la voix d’un homme qui jette ses dernières forces dans un combat qu’il sait perdu d’avance, mais auquel il ne veut pas renoncer.

Johnny Cash s’identifie à ce jeune cow-boy qui va mourir et qui reconnaît qu’il a commis des erreurs, qui donne des instructions pour son enterrement, qui admet sa défaite, et ne transige jamais avec sa dignité.

La production de Rick Rubin est d’une intelligence et d’une discrétion remarquables : Cash et Randy Scruggs jouent  de la guitare acoustique, Benmont Tench** est au piano et à l’harmonium, Laura Cash***, au violon. L’accent est mis sur la voix inoubliable de Johnny, et sur la guitare ; les claviers et le “fiddle” rentrent discrètement, sans que jamais notre attention se tourne vers eux.

L’une des musiques les plus émouvantes de ce début de siècle, par un homme du siècle dernier.

__________________________________________________________________

*Laredo est une ville du Texas.

** qui joue habituellement avec les Heartbreakers de Tom Petty.

***l’une des grandes spécialistes du “fiddle”, le violon country, épouse du fils de J. Cash.

“Le moins que je pouvais faire” c’était de ne pas abandonner cet album de Ron Sexsmith, “Cobblestone Runway”, sans évoquer l’autre très belle chanson qui y figure*.

La mélodie, évidente et classique, portée par la voix de crooner fatigué de Ron, est déjà d’une qualité à faire verdir de rage la plupart de ses collègues compositeurs. Ron s’accompagne à la guitare acoustique et l’excellent producteur Martin Terefe ajoute ce qu’il faut de modernité avec des synthétiseurs qui savent rester discrets ; Glen Scott est à la basse et au piano, et Christer Jansson à la batterie.

Mais ce qui rend ce titre tout à fait magique, c’est la rentrée progressive, dans la seconde partie de la chanson, d’une chorale qui transforme cette chanson profane en un gospel. On se doit de citer tous les chanteurs qui y participent : Kim Fleming, responsable des  arrangements de ce chœur, en compagnie de M. Terefe, George Pendergrass, Chris Willis, Steve Crawford et Gale West.

Ce chœur élève littéralement cette chanson vers un niveau supérieur, un peu comme si Ron, qui avait commencé à chanter dans un club, finissait sa balade au beau milieu d’une église.

Je n’en ai pas terminé avec Ron Sexsmith.

__________________________________________________________________

*voir ma chronique de “Gold In Them Hills“.

Cette merveille absolue figure ─ et plutôt deux fois qu’une ─ sur “Cobblestone Runway”, 6ème album de notre Canadien favori, Ron Sexsmith, l’un des plus grands auteurs-compositeurs de l’époque, adoubé par des gens comme Paul Mc Cartney ou Elvis Costello, mais dont la carrière commerciale n’a jamais été à la hauteur du talent qu’il démontre, la faute, à mon avis, à un charisme un peu inférieur à celui de François Hollande.

Quoi qu’il en soit, et même si les paroles ont un côté un peu boy-scout, on ne peut qu’admirer cette mélodie splendide que Ron chante en s’accompagnant au piano*, soutenu par des cordes discrètes, arrangées par David Davidson.

Il faut également rendre hommage à la production élégante du Suédois Martin Terefe, qui ajoute une touche de modernisme au son habituel de Sexsmith, en introduisant un peu d’électronique, toujours de bon goût.

Comme je l’évoquais ci-dessus, le disque se termine sur un remix de “Gold In Them Hills” dans lequel le célèbre Chris Martin, chanteur de Coldplay, chante en duo avec Ron.

Quand Sexsmith a entendu pour la première fois cette version, il n’a pas reconnu Chris Martin !

On trouve sur un album ultérieur de Ron Sexsmith, le bien nommé “Rarities”, une version de “Gold In Them Hills”, avec Chris Martin et Ron, mais non remixée et donc un peu moins surchargée.

__________________________________________________________________

*Il faut le reconnaître, Ron Sexsmith n’est ni un grand pianiste, ni un grand chanteur.

Une musique pour accompagner vos rêves.

Je ne sais rien de Trespassers William, groupe californien mené par la chanteuse Anna-Lynne Williams, et qui a sorti 5 ou 6 albums entre 1999 et 2012 ; je ne connais que cette chanson à écouter les yeux fermés, “Different Stars”, paru sur leur 2ème album éponyme. Dommage, je suis certain que tout l’album, “Different Stars” est d’une grande qualité ; quand on écrit une chanson comme celle-là, c’est le signe qu’on sait en écrire d’autres du même tonneau.

Parce que “Different Stars” est une chanson comme je les aime : un murmure nocturne un peu vénéneux, tombant de la bouche d’une sirène ; une mélopée hypnotique qui vous attire dans des profondeurs où vous risquez de vous noyer ; la seule musique supportable dans ce moment incertain qui marque l’entrée dans le sommeil.

Un disque à ranger sur vos étagères, à côté de ceux de Mazzy Star*.

__________________________________________________________________

*voir ma chronique de “Into Dust“.

Rendons grâce aux ruptures amoureuses ! Elles sont à l’origine de quelques-unes des plus belles réalisations artistiques de toute l’histoire de l’humanité ; et la rupture de Beck avec Leigh Limon lui a permis de composer et enregistrer ce qui est, à mon avis, son plus bel album, et l’un des meilleurs disques de cette année 2002.

Tout a été écrit et composé en 8 jours, mais Beck a attendu 2 ans pour que “Sea Change” , son 8ème album, voit le jour.* Il fallait, sans doute que le producteur Nigel Godrich** soit disponible.

Quand Beck jouait “Round The Bend” en public, il prévenait celui-ci que « s’ils s’endormaient pendant cette chanson, c’était tout à fait normal »

Il y a d’abord le tempo, ultra-lent ; il y a la voix de Beck, mixée en avant, chaude, bien timbrée, mais évoluant dans une gamme limitée*** ; il y a une basse tenue par Justin Meldal-Johnsen, et une guitare acoustique.

Mais surtout, il y a ces cordes somptueuses, majestueuses, lacrymales, ces cordes qui n’ont que peu d’équivalent dans toute la pop musique, cordes qui ont été arrangées par David Campbell, qui n’est autre que le propre père de Beck.

J’ai parcouru avec beaucoup d’attention les différentes critiques anglo-saxonnes, écrites au moment de la sortie de “Sea Change” ; tout le monde note l’influence du “River Man” de Nick Drake****. Ouais. Pourquoi pas. Et puis, ça vous donnera une occasion d’écouter Nick Drake, ce qui n’est jamais du temps perdu…

Mais, excusez-moi, quand j’entends ces cordes pleurer derrière la voix de Beck, moi, c’est à un disque français auquel je pense*****.

Réécoutez donc “L’Histoire De Melody Nelson” de Serge Gainsbourg, et le travail de Jean-Claude Vannier sur des titres comme “Melody”, ou “L’Hôtel Particulier” ; j’ai envie de dire que l’esprit de ces cordes vient de là, même si elles ne sonnent pas de la même façon. Mais, quoi qu’il en soit, ça n’enlève rien au fait que “Round The Bend” est une merveilleuse chanson.

__________________________________________________________________

*Si vous ne devez posséder qu’un seul album de Beck, c’est “Sea Change” !

**Producteur de Radiohead, bien sûr, mais également de Jason Falkner, Paul Mc Cartney, etc.

***N’oubliez pas qu’il s’agit d’une œuvre conçue par un homme souffrant de dépression.

****sur l’album “Five Leaves Left”. Enfin, quand j’écris tout le monde, je pense qu’il y en a un qui a écrit ça, et les autres ont recopié. On est sur Internet, tout de même !

*****Cocorico !

Cette magnifique chanson des Czars, au titre un peu inhabituel figure sur un EP 4 titres dont l’intitulé est : “X Would Rather Listen To Y Than Suffer Through A Whole C Of Z’s”. Vous avez déjà pu mesurer toute l’admiration que je porte à John Grant*, l’une des plus grandes voix de la musique que nous aimons.

Eh bien, “X Would Rather Listen To Y” est à la hauteur de cette admiration, portée par un motif de guitare somptueux, sans doute l’une des 10 meilleures chansons des Czars.

Je vais maintenant oser une remarque iconoclaste : “Queen Of Denmark” était, certes, un album très réussi ; mais ce qui a suivi était parfois moins passionnant, et je ne serais pas loin de dire que ce que John Grant a fait avec les Czars était le sommet de sa production artistique.

La chanson a un petit parfum “country” très plaisant, qui tranche avec la voix de John d’une façon très intéressante, et cette hétérogénéité donne encore plus de prix à “X Would Rather Listen To Y”. Une réussite majeure !__________________________________________________________________ *voir mes chroniques de “Caramel”, “Drug”,” Any Younger”, “Side Effect”.

Je reconnais aisément que cette “Mosquito Song” qui figure comme “chanson cachée” sur le double album “Songs For The Deaf” de Queens Of The Stone Age, n’est représentative ni de cet album, ni de QOTSA !

Mais la vérité m’oblige à dire que je n’éprouve pas un engouement irrépressible pour QOTSA, et une chanson non représentative me va très bien !

Car “Mosquito Song”, sur ce 3ème album de QOTSA, est une très agréable chanson qui fait appel à une instrumentation peu coutumière, chez eux. Vous trouverez rarement, chez QOTSA, qui comprenait, Josh Homme (chant, guitares, production) et Nick Oliveri (basse, chant), responsables de l’écriture des chansons, et comme invités prestigieux, Mark Lanegan et le batteur suprême qu’est Dave Grohl, une chanson où on entend des violons, une guitare 12-cordes─ jouée par Alain Johannes ─, des pianos, un accordéon, un cor, etc.

Cela fait bien longtemps que je n’ai pas écouté l’intégralité de “Songs For The Deaf”, qui occupe tout de même 2 cd, mais, je vous en prie, n’hésitez pas à le faire, vous me direz si vous aimez ça, et peut-être m’intéresserais-je à nouveau à Queens Of The Stone Age !

Avant de devenir ce que l’on sait*, Coldplay avait écrit quelques chansons pas désagréables, comme “Clocks”, dont je vais vous dire quelques mots.

On trouve cette chanson sur le 2ème album de Coldplay, “A Rush Of Blood To The Head”, produit par le groupe, et par Ken Nelson.

 Carton mondial. Vingt millions d’exemplaires vendus. En général, c’est là que les ennuis commencent.

La chanson doit beaucoup ─ tout, en fait ─ au riff de piano imaginé par Chris Martin, qui, en effet, est plutôt bien trouvé, et suffisamment facile pour s’accrocher aux oreilles de tout un chacun, et ne plus en bouger. Cette immédiate séduction est l’un des pires dangers que court la pop musique. J’oserais presque la comparer au “coup de foudre” amoureux dont on connaît la violence et le caractère éphémère, mais que la plupart des gens ont envie de ressentir, comme s’il s’agissait d’une drogue dure. Cette phrase de piano, on a l’impression de l’avoir toujours connue, et, pire que ça, on a l’impression de l’avoir composée nous-mêmes. Et hop ! vingt millions d’exemplaires. On comprend qu’après ça, n’importe quel groupe pop essaiera, dans ses compositions ultérieures de retrouver cette formule magique, et tombera aisément dans la facilité et dans le procédé. Je crois que c’est ce qui est arrivé à Coldplay. Mais cela ne change rien au fait que “Clocks” est une chanson très agréable…

__________________________________________________________________

*Je dois vous avouer que je ne sais pas très bien ce que Coldplay est devenu, et le fait est que je m’en fiche. J’estime que leurs deux premiers albums étaient honorables. Après, il paraît que ça s’est gâté…

Je reviens vers ce groupe, Nickel Creek, qui a fait l’objet d’une chronique récente*, sans doute charmé par la voix de Sara Watkins, car une seconde chanson de leur album “This Side” a retenu mon attention.

Il s’agit de la reprise d’une chanson du groupe traditionnel irlandais Planxty que l’on doit à la plume de leur leader, Andy Irvine ; elle portait, dans l’interprétation de Planxty, le nom de “Time Will Cure Me”.

Irvine avait rencontré une jeune Israélienne dont il était tombé amoureux, et le titre de la chanson fait directement référence à la façon dont on nomme les Israéliens nés à l’intérieur des frontières de leur pays.

Les voix de ces trois chanteurs se complètent et s’harmonisent à la perfection comme vous pourrez le découvrir en écoutant leurs disques, mais il ne faut pas oublier qu’ils chantent depuis des décennies, ensemble, car Sara et Chris avaient 8 ans, et Sean, 12 ans, quand ils ont donné leur premier concert dans une pizzéria de San Diego !

__________________________________________________________________

*”House Carpenter”

Je n’ai probablement pas une goutte de sang anglais ou écossais dans les veines, mais, comme vous le savez déjà, j’aime beaucoup ces vieilles chansons du fonds celtique et en particulier, cette chanson, “House Carpenter”.

Dans la seconde moitié du XIXème siècle, Francis James Child collecta et publia 305 chansons anciennes, sous le titre “The English And Scottish Popular Ballads” (4 volumes, soit 2 500 pages). Dans les années 60, Bertrand Harry Bronson édita les partitions de ces vieux airs, qui furent alors repris par des groupes tels que Fairport Convention, Steeleye Span, ou Pentangle*. Les chansons possédant souvent plusieurs titres, on les désigne par un numéro. Ainsi, “House Carpenter” est la “Child 243”.

C’est pourtant à un groupe de bluegrass** américain que je vais m’adresser pour vous présenter cette chanson connue également sous le titre “The Deamon Lover”, et qui a été écrite en 1657. Nickel Creek est un trio, formé par Chris Thile, qui chante, joue de la mandoline et d’autres instruments et le frère et la sœur Watkins, Sara, au violon (fiddle) et au chant, et Sean, à la guitare et au chant.

“House Carpenter” comportait 32 couplets à l’origine, mais on ne les trouve plus dans les interprétations modernes. Elle a été chantée par à peu près tout ce que le folk contemporain compte de grands noms (Pete Seeger, Ewan McColl, Nathalie Merchant, Pentangle, Bob Dylan, etc.)

Vous trouverez donc “House Carpenter” sur l’album “This Side”, produit par Alison Krauss, et, comme moi, vous tomberez sous le charme de cet air venu du fond des âges, qui raconte l’histoire d’un marin─ en fait, le Diable lui-même ─qui revient après une longue absence et qui découvre sa femme remariée avec un charpentier dont elle a eu un bébé. Il la persuade de repartir avec lui sur son vaisseau chargé de richesses. Elle accepte, mais, rapidement, se lamente sur son bébé. Elle aperçoit à l’horizon une magnifique colline ; le marin lui dit que c’est le Paradis, mais, lui désignant une côte sombre et désolée, lui apprend qu’il s’agit de l’Enfer, et que c’est là qu’ils vont s’échouer.

__________________________________________________________________

*voir ma chronique de “Cruel Sister“

**le bluegrass est une branche de la country music visant à perpétuer la musique des Appalaches, très rythmée et prise le plus souvent sur un tempo enlevé, privilégiant les instruments à cordes (guitare, mandoline, banjo, “fiddle”, contrebasse) et les harmonies vocales.