Gravenhurst est le projet de l’Anglais de Bristol, Nick Talbot. Si vous croyez que, parce qu’il est Anglais, parce que son finger-picking, à la guitare, est d’une suprême qualité, parce qu’il est nourri de folk, et, malheureusement, parce qu’il est mort, on peut le rapprocher de Nick Drake, vous vous trompez ; c’est beaucoup plus compliqué que ça.

J’ai découvert Gravenhurst avec son second album, Flashlight Seasons, et Black Holes In The Sand, qui est venu après, est en fait un mini-album, puisqu’il ne dépasse pas la demi-heure.

Mais, pour ce mini-lp, Nick a commencé à explorer ce qu’il appelle la « face sauvage du folk » , Comus, Pearls Before Swine, etc, sous l’influence de deux amis américains, Jeffrey Alexander et Miriam Goldberg, qui jouent sur cet album, et ça l’a conduit à tenter une greffe de “bruits et d’électronique” sur son folk classique.

On en a une très belle illustration avec “Flowers In Her Hair”, dont le titre, évocateur de l’époque hippie que Nick n’a pas connue, n’est que l’évocation glaçante de l’immolation sur le bûcher d’une sorcière, par l’ensemble des habitants d’un village, et du retour de son fantôme, qui veut légitimement se venger.

La musique rassemble le splendide jeu de guitare de Nick, autour d’un “open-tuning” de Sol mineur, infiltré de bruits électroniques (le vent glacial ?) et d’un orgue jouant une note unique.

Et cet album renferme également une reprise du “Diane” d’Hüsker Dü que Nick a toujours refusé de jouer sur scène, pour des raisons qui vous sembleront évidentes si vous consultez les paroles.

Nick Talbot est mort à 37 ans, des suites d’une maladie, le 4 décembre 2014.

Je n’ai pas envie de quitter les Czars sans faire encore un petit tour dans cet album d’adieu, le bien nommé Goodbye, et justement avec ce morceau qui donne son titre à l’album.

Je commence par signaler que “Goodbye” est précédé par une jolie introduction instrumentale, due au piano de John Grant* qui vient opportunément nous rappeler que les albums ne sont pas faits pour être saucissonnés, comme on le fait de nos jours**, mais écoutés dans leur intégralité et dans l’ordre déterminé par leurs créateurs.

Comme je l’ai écrit précédemment***, Goodbye est un album inclassable, et d’une incroyable liberté, amalgamant les styles, les humeurs, les atmosphères, sans que cela ne cesse, un instant, d’être résolument la musique des Czars.

“Goodbye” est un étonnant collage de trois parties très différentes, juxtaposées de façon tellement habile que l’unité de la chanson n’est pas menacée et que tout s’enchaîne très naturellement. Vous reconnaîtrez la structure suivante : A-B-A-C-A-B.

Ce qui lie tout ça, c’est « la voix de miel et de douleur »****de John Grant, mais également les autres musiciens (Monley, Green, Pearson, Lisenmaier) qui, à part un petit orgue joué au synthé par Green, très en arrière-plan dans le mix de la partie A, interviennent avec leur style propre.

S’il y a bien un groupe dont il convient de connaître la discographie complète, c’est les Czars !

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*”Goodbye Intro”, bien sûr !

**Va-t-on, dans un livre, ne lire que les chapitres dont les premières phrases nous plaisent ?!

***Voir ma chronique de “Little Pink House”.

****Désolé, je me cite moi-même !

Pas d’illusion à se faire. Si les Czars ont nommé ainsi ce troisième et dernier album*, produit par Colin Bricker, c’est qu’ils savaient que c’était râpé. Chant du cygne d’un groupe scandaleusement ignoré, c’est un album sublime, crépusculaire, résigné, porté par la voix de miel et de douleur de John Grant.

C’est un album intemporel, nullement porté par la mode ou l’air du temps, mais répondant simplement à l’élégance souveraine de ces musiciens, se promenant sans vergogne dans tous les styles qui font la musique de ce siècle. “Little Pink House”, qui est le sujet de cette chronique est, par exemple, une chanson de cabaret, infiltrée de jazz, de fumée de cigarette et de lascivité. John introduit la chanson sur son piano, la lumière devient rouge, sa voix de crooner suprême envahit l’espace, la guitare d’Andy Monley nous installe dans le cabaret et annonce Julie Monley, qu’on imagine vêtue d’un fourreau moulant. John revient et la trompette de Ron Miles nous transporte dans les années 40. John et Julie nous font le grand jeu de la séduction, et la chanson se ferme avec le piano de John. C’est là que l’on comprend que les Czars ne cherchent jamais à recréer l’ambiance d’un cabaret, car, après tout, l’instrumentation, la production sont résolument ancrées dans le rock, mais ils fabriquent tels des prestidigitateurs, une illusion de cabaret, aussi brillante qu’éphémère, à laquelle on croit, et qui s’évapore comme elle est venue, nous laissant émerveillés devant cette incomparable maîtrise.

Cela dit, en écrivant cette chronique, j’écoute, bien sûr, tout Goodbye, et, tout en me disant que c’est encore bien mieux que dans mon souvenir, je crois que je comprends un peu pourquoi ça n’a eu aucun succès aux USA, et assez peu en Europe : les amateurs de rock aiment bien mettre leurs disques dans des petites cases, en fonction du style, des influences, des réminiscences avec tel ou tel groupe du passé… Impossible de faire ça avec Goodbye, qui ne se laisse enfermer dans aucune case. Comment pourriez-vous enfermer dans une case l’infinité de bulles de savon scintillantes dont Goodbye est constitué ? Goodbye n’occupe pas un territoire, mais un espace indéfini, aérien et mobile qui nous confronte vite à une étrangeté dont on sait qu’elle prélude à l’inquiétude. Tout le monde ne se sent pas à l’aise avec ce genre de choses, mais c’est ce qui fait que j’aime encore plus Goodbye que je ne le pensais.

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*Il y aura encore un album de faces B et reprises, le merveilleux et tout aussi indispensable Sorry I Made You Cry. Voir mes chroniques de “X Would Rather Listen To Y”, “Side Effect”, “Drug” et “Any Younger”.

Depuis ma première chronique concernant Anna Ternheim*, vous savez quelle place je réserve à cette Suédoise qui compose, écrit, joue, chante des chansons qui sont autant de joyaux : la plus haute.

Et cela, dès ce premier album, Somebody Outside, qui date de 2004, mais qui n’est arrivé en France qu’en 2006.**

Anna n’est pas qu’une chanteuse de folk de plus. Quand elle enregistre ce premier album, Anna a 25 ans, l’âge des espoirs, des découvertes. Et pourtant, ses textes et même sa musique le disent, Anna est beaucoup plus vieille. On dirait qu’elle a assimilé toutes les musiques, qu’elle a vécu toutes les désillusions, épuisé toutes les histoires d’amour. Elle renouvelle constamment sa façon d’aborder les richesses qui remplissent ses disques, parfois seule avec sa guitare, parfois avec un collaborateur, parfois avec un groupe, jamais le même. Je pense que si Ingmar Bergman était encore de ce monde, il la ferait tourner dans un de ses films, car Anna est chargée de ce mystère que le réalisateur aimait débusquer chez ses héroïnes.

Donc “My Secret” est l’une des dernières chansons de Somebody Outside, l’une des plus belles de ce disque, avec “Shoreline”. Anna est à la tête d’un groupe d’une dizaine de musiciens, et elle organise un crescendo orchestral parfaitement maîtrisé et d’une grande puissance émotionnelle.

Et on n’oubliera pas de comparer cette version de 2004 avec celle, épanouie et conquérante du Live in Stockholm de 2016.

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*voir “Black Light Shines”.

**Merci, Bernard Lenoir, d’avoir mis en avant “A French Love” dans ton émission si précieuse et hélas disparue, sur France Inter. C’est en effet sur ton antenne que j’ai eu la révélation d’Anna. Et, pendant que j’y suis, merci Hugo Cassavetti d’être l’un des rares, en France, à parler d’elle.

Voilà un grand regret : je n’ai jamais eu la chance d’assister à un concert des Hidden Cameras, menés par le flamboyant Joel Gibb. Et je me dois d’ajouter qu’avant d’être enthousiasmé par cette chanson, “I Want Another Enema”, je n’avais jamais entendu parler des Hidden Cameras, ni de ce qui semble être leur troisième album, Mississauga Goddam, du nom d’une banlieue éloignée de Toronto.

Oubliez tout ce que vous savez des grands groupes gays qui sont venus égayer la grande histoire de la musique gay…pardon, pop ; Joel va plus loin et plus profondément que n’importe lequel des auteurs-compositeurs qui ont, jusqu’à présent abordé le sujet de l’homosexualité masculine. Si je me mettais à traduire le texte des chansons, pour la plupart excellentes, qui composent cet album, mon site serait immédiatement interdit aux mineurs !

«Je veux un autre lavement -ment -ment

Un bon déchet est un oxymore -more -more

Mon corps est une blessure qui sort, oh mes blessures, oh mes blessures,

Je veux un autre lavement -ment -ment

Dénicher les poils pour trouver la grâce émotionnelle

Je suis effrayé quand tu verras mon corps

Et savoir qu’enlever les poils est devenu plus important que ma vie

Et je ne sais pas comment arrêter »

Et le reste à lavement… pardon ! à l’avenant. Magnifique, n’est-ce pas ?

Et ce texte est au service d’une musique qui, si elle ne traduit pas parfaitement les angoisses existentielles de l’auteur, nous entraîne dans une ronde endiablée qui fait se rapprocher les corps. Oui, la musique des Hidden Cameras est une invitation à la fête, une ode à la transgression, au refus des convenances. Il est très dommage qu’avec tout ça je sois incapable de trouver la moindre vidéo de “I Want Another Enema”, car il semblerait qu’une certaine censure ait été appliquée à certaines productions visuelles des Hidden Cameras. Il ne vous reste plus qu’à télécharger, boys and girls !

VIDEO NON DISPONIBLE

Je n’avais pas beaucoup aimé Reveal, l’album précédent de R.E.M. Ce treizième album, Around The Sun, produit par le groupe et Pat McCarthy, qui se termine par le titre éponyme dont je vais vous parler, est nettement meilleur, même s’il ne fait clairement pas partie des chefs-d’œuvre de R.E.M.

Le départ de Bill Berry, il y a déjà 7 ans, avait eu sur le groupe un impact très déstabilisant, et même si Bill Rieflin, qui tient les baguettes dans cet album, est irréprochable, le trio manque d’inspiration et d’enthousiasme. “Final Straw”, “Wanderlust” et “Aftermath” sont de bonnes chansons, “Leaving New York” et “Around The Sun” sont même excellentes, mais le reste est oubliable.

Peter Buck semble un peu absent, le chant de Mike Mills est perdu dans le mix. Michael Stipe chante superbement, comme d’habitude, mais la conviction n’y est pas vraiment.

On ne sera donc pas étonné d’apprendre que la réception critique et commerciale n’a pas été à la hauteur des attentes du groupe, mais relativisons : un  album moyen de R.E.M. reste supérieur à la plupart des disques qui arrivent sur le marché !

Je vous ai déjà dit*tout le bien que je pensais de Ben Christophers dont je choisis une chanson du troisième album, The Spaces In Between.

Produite par Ben lui-même, “River Song”, mais également l’ensemble du disque, semble revenir à une facture plus proche du style folk, abandonnant les bruitages électroniques antérieurs au profit d’une instrumentation plus classique, devenant, de ce fait, un héritier tardif de Jeff Buckley.

la guitare, puis le piano précèdent le synthétiseur qui indique la mélodie, reprise par la voix haut perchée de Ben, qui se démultiplie bientôt.

C’est beau, apaisant, et même si l’originalité a un peu disparu ─ la faute, sans doute au peu de reconnaissance obtenue par ses deux premiers albums ─ on aimerait que Ben Christophers ait les moyens de continuer son travail.

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*Voir ma chronique de “The Stream”.

Ceux qui lisent régulièrement ces chroniques savent déjà que The Trashcan Sinatras*est un groupe plus qu’estimable, et que ces Écossais poursuivent dans l’anonymat le plus total une carrière commencée en 1986.**

En tout cas, ce Weightlifting, leur quatrième album studio, leur a permis, sinon de conquérir l’Amérique, du moins d’y effectuer une tournée, qui a contribué à élargir leur audience. Ce n’est que justice pour ce groupe dont je louais la délicatesse, et on n’en est que plus content d’entendre le “Welcome Back” qui inaugure cet album, chanson qui prend acte d’une filiation et s’inscrit dans cette tradition de “pop à guitares” qui trouve sa source dans les Beatles d’avant 1967, entre autres. On est pourtant au XXIème siècle comme le proclame l’intervention d’un Moog joué par Stevie Mulhearn.

Il faut citer les musiciens, Stephen Douglas et David Hughes, respectivement à la batterie et à la basse, et les trois guitaristes (ce n’est pas si courant), Paul Livingston, John Douglas et Francis Reader, ces deux derniers se partageant la voix principale.

Je peux juste regretter que les Trashcan Sinatras n’aient, sauf erreur de ma part, jamais daigné jouer sur une scène française. Ohé ! Vous avez au moins un fan, ici !

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*qu’on écrit maintenant en deux mots et non plus en trois. Ce raccourcissement semble en vogue dans les groupes écossais, car Teenage Fanclub avait fait la même chose. D’ailleurs, Norman Blake de TFC, est dans les chœurs d’une chanson de Weightlifting.

**voir ma chronique de “I’ve Seen Everything”.

Please Describe Yourself est le premier et seul album du groupe de Glasgow, Dogs Die In Hot Cars (!).

Emmené par les claviers de Ruth Quigley, mais devant tout aux compositions du leader et chanteur Craig Macintosh, il est très difficile d’assigner un style défini au groupe, mais la présence, à certains moments, de rythmes ska, ainsi que d’un certain nombre de “marqueurs” caractéristiques* ne laissent plus aucun doute : Dogs Die In Hot Cars a les pieds ou les racines dans les années 80, et étend ses branches jusque dans la première moitié des 90’s. Même appétence pour des rythmes enlevés et ludiques, mêmes influences des grands maîtres de ces années-là. Certains citeraient Dexy’s Midnight Runners, Blur ou les Talking Heads, mais, pour moi, l’influence essentielle, et qui est sans doute la raison pour laquelle ce disque me réjouit particulièrement, c’est XTC.  J’ai même parfois l’impression d’entendre Andy Partridge dans la voix de Craig Macintosh !

Le groupe était complété par Lee Worrall (basse), Lawrence Davey (batterie) et Gary Smith (guitare) ; c’est d’ailleurs le départ de ce dernier qui précipitera la fin de leur prometteuse carrière.

Quant à “Pastimes & Lifestyles”, qui aurait mérité de connaître un grand succès, il nous donne un exemple du dynamisme du groupe, avec une chanson qui donne envie de bouger, et dont le refrain est taillé pour que toute la salle le reprenne en chœur.

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*Sans compter le pedigree des producteurs, Alan Winstanley et Clive Langer.

Il y a quelques années, des anges sont venues me visiter. Car comment nommer autrement ce groupe vocal, qui existe depuis une quinzaine d’années dans la région de Winnipeg*, et qui se révéla au monde avec ce disque 40 Days ?

À l’époque, le groupe comprenait une voix alto, Cara Luft, qui quitta les WJ après ce premier album**, une voix mezzo, Nicky Mehta, et une voix soprano, Ruth Moody.

Et la chanson qui ouvre cet album inaugural n’est autre que ce “One Voice”, composition de Ruth Moody, qu’elle chante en s’accompagnant à la guitare.

Cara et Nicky, qui ajoutent leurs somptueuses harmonies vocales démontrent que 1+1+1 donnent un résultat bien supérieur à 3. Andrew Downing joue de la contrebasse et Kevin Breit de la mandoline, ainsi qu’une mandoline baryton, le mandolancelle.

Il existe un autre disque des Wailin’ Jennys sur lequel figure “One Voice” ; il s’agit du Live At The Mauch Chunk Opera House, enregistré en Pennsylvanie en 2008. Heather Masse a remplacé Cara Luft, et les WJ sont épaulées par le multi-instrumentiste Jeremy Penner. Écoutez bien cette version, elle est encore plus extraordinaire que la version originale en studio.

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*capitale de l’état du Manitoba, Canada.

**C’est Heather Masse qui occupe aujourd’hui ce poste.

Voilà un disque précieux. On se demande même s’il s’agit bien de la même jeune femme qui chantait à côté de sa belle-sœur, Kristin Hersh, au sein des Throwing Muses*, ou bien dans les Breeders, avec Kim Deal, si c’est bien la Tanya Donelly qui a connu la gloire avec son groupe, Belly et le succès retentissant de Star.

Mais oui, c’est bien la même,  avec sa voix de miel citronné, et Whiskey Tango Ghosts est son troisième album solo après les deux réussites majeures que furent Lovesongs For Underdogs et Beautysleep.

Mais il s’agit d’un album plus intimiste, nourri de country, avec la pedal-steel de Rich Gilbert, pourtant dominé par le piano d’Elizabeth Steen, qui construit un écrin précieux et délicat autour de Tanya et de sa guitare.

“My Life As A Ghost”, écrit par Tanya et son mari, Dean Fisher (et qui joue également de la guitare, de la batterie et de la basse) est un magnifique exemple de cette Tanya humble et introvertie, mais qui, par le biais de mélodies transfixiantes nous transmet implacablement un torrent d’émotions.

Écoutez comment elle se double elle-même à l’octave, pendant le pont ; c’est de toute beauté.

Et “My Life As A Ghost” est l’une des très belles chansons de cette année-là.

VIDEO NON DISPONIBLE

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voir ma chronique de “That’s All You Wanted”

Bon. Vous êtes sauvés. À part Bandcamp dont je vous ai parlé récemment*, on peut trouver sur le site Amazon**britannique le somptueux The Secret Life Of The Milk And Honey Band qui commence avec cette chanson, “Way Too Long”***.

Deux guitares, une acoustique et une électrique, dialoguent avant le coup de caisse claire qui inaugure la chanson, laquelle décolle par la voix de Robert White, sur les ailes de guitares électriques comme on les aimait chez les Beatles ou chez les Byrds. Les chœurs de Richard Yale et de Michael Tubb ne dérogent pas à un classicisme très 60’s. Dans la seconde moitié de la chanson le couplet se résout avec une mélopée un peu arabisante, jouée au synthétiseur. Toute la mélodie, d’ailleurs, s’articule autour d’une note fondamentale qui vient renforcer (et annoncer, en fait) ce côté un peu oriental.

On comprend l’enthousiasme d’Andy Partridge, démiurge de XTC, quand il a signé ce trio. On comprend aussi, connaissant la carrière de XTC, bien terminée en 2004, que ce n’est pas le flair commercial d’Andy qui a présidé à cette signature !

Il n’en reste pas moins que The Secret Life Of The Milk And Honey Band est l’un des disques les plus précieux de ma discothèque.

VIDEO NON DISPONIBLE

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*Voir ma chronique enthousiaste de “Sold My Star”

**publicité non payée.

***qui est également sortie en single.