J’ai eu entre les mains cet album de Petrus, intitulé Come What Might, et j’ai bien aimé cette chanson, qui ouvre le disque, “What’s New In Town”. Petrus s’accompagne à la guitare acoustique, mais ce n’est pas un chanteur folk scandinave de plus, car la chanson va plutôt regarder du côté d’une musique beaucoup plus rythmée, plus chaude, plus noire, plus funk. L’arrivée progressive d’une batterie, d’une basse, de claviers, d’une guitare électrique finit par résolument ancrer “What’s New In Town” du côté des musiques électriques ; cependant, le plus remarquable, chez Petrus, c’est sa voix, chaude et râpeuse, à la manière d’un grand whisky millésimé ; à ce niveau là, c’est une découverte de première grandeur !

Mais quand j’ai voulu en savoir plus sur cet intéressant chanteur suédois, je dois vous avouer que je n’ai strictement rien trouvé, sur Internet ou ailleurs, d’autant que les sites les plus spécialisés confondent allégrement ce Petrus avec un autre Petrus qui fait, lui, de la musique électronique.

En revanche, je suis devenu incollable sur le somptueux et inaccessible cru de bordeaux, et si vous avez envie de m’en offrir une bouteille pour me récompenser de mes efforts…

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Pas découragé par le manque de succès de ses albums*, Ben Christophers sortit un nouvel album, Viewfinder, lequel eut probablement encore moins de succès, puisque, édité sur le propre label de Ben, Rocketeer, sa distribution fut un peu bâclée, et il ne doit pas y avoir beaucoup d’amateurs qui, comme moi, ont le plaisir de contempler la pochette de ce cd, ornée de dessins stylisés d’oiseaux et d’un couple qui s’embrasse.

Le contenu est à la hauteur, avec “Martian”, et ce bel arpège de guitare acoustique qui permet à la voix vibrante de Ben de nous toucher exactement comme il avait l’habitude de le faire. Cela dit, à l’époque, il ne devait plus se faire beaucoup d’illusions sur sa carrière**, remerciant même de la façon suivante, au dos de la pochette : « Thank you to everyone who has supported me » !

Le chanteur-préféré-de-Françoise-Hardy a continué pourtant à œuvrer dans la musique, collaborant avec des artistes tout à fait recommandables parmi lesquels il faut citer Guy Garvey, Imogen Heap et Bat For Lashes.

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*Voir mes chroniques “River Song” et “The Stream”.

**Il sortit un dernier album éponyme en 2010.

“Love Will Tear Us Apart” est à peine une chanson ; c’est un hymne, un drapeau, un marqueur générationnel et culturel, le symbole d’un mal de vivre dont la seule issue est la mort.

LWTUA est entrée dans nos vies en juin 1980, un mois après le suicide de Ian Curtis, le chanteur de Joy Division, lequel, tiraillé entre sa femme, Deborah et sa nouvelle rencontre avec Annik Honoré a fini par se laisser submerger par la dépression qui l’envahissait depuis des années. Sur la pierre tombale de Curtis, sa femme a fait graver ce titre de chanson.

Quelle étrangeté que cette chanson ! Le rythme en est martial mais l’air en est plutôt guilleret avec cet orgue aigrelet ; cependant c’est la voix de Ian et les paroles terribles qu’il prononce avec sa voix grave et monotone qui en donnent le vrai ton.

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Inutile de vous dire que ça ne s’est pas vendu ; d’ailleurs, à part en Angleterre, qui s’intéressait à Joy Division ? Ce n’est que petit à petit que c’est devenu cet hymne propre à rassembler tous ces gens nés à l’aube des 60’s, et qui se reconnaissaient dans la tragédie de Ian Curtis.

LWTUA est ainsi devenue une chanson reprise par une multitude d’artistes, New Order, bien sûr, mais aussi The Cure, Nouvelle Vague, Nada Surf, Simple Minds, Nick Cave, Arcade Fire, Susanna and the Magical Orchestra, je n’en cite que quelques uns.

José González est l’auteur d’une de mes reprises préférées de LWTUA, que l’on trouve sur son Australian Tour EP. Armé de sa seule guitare à cordes nylon, je le trouve plus proche que beaucoup d’autres de l’esprit de la composition de Ian Curtis. Il en garde le rythme sautillant, la voix blanche, cette sensation de danser au bord d’un précipice qui fait tout le prix de l’héritage de Joy Division.

Tiny Cities est d’une telle richesse que je vais y consacrer une nouvelle chronique. Il faut savoir que la Dramamine® est un médicament utilisé pour combattre le mal des transports, et donc, bien connu de ces musiciens, toujours sur la route. Les potentialités sédatives du produit sont telles qu’il plonge les utilisateurs dans une légère hébétude, sans oublier le fait qu’il a pu être détourné de son usage par certains toxicomanes, lesquels, utilisant de fortes doses, proches des doses létales, connaissent des états hallucinatoires.

Mais on espère qu’une douce somnolence a dû suffire à Issac Brock et ses amis de Modest Mouse, puisqu’on trouve la chanson sur leur album de 1996, This Is A Long Drive For Someone With Nothing To Think About, et que Mark Kozelek a dû s’y reconnaître suffisamment pour prendre ce texte à son compte et pour y greffer un accompagnement à la guitare dont il a le secret, avec ces deux mêmes notes qui carillonnent à la fin de l’accord. Dès la fin du premier couplet, il est rejoint par une guitare électrique et par la discrète batterie d’Anthony Koutsos. Cette musique, son balancement régulier, m’évoquent les interminables et monotones routes parcourues par tous ces artistes qui ont pour mission de nous divertir ou de nous faire réfléchir. Tous n’ont pas, hélas, la haute exigence de Sun Kil Moon.

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J’insiste. Comme j’ai tenté de vous l’expliquer récemment*, je suis fasciné par ce disque de Sun Kil Moon, Tiny Cities, entièrement composé de reprises du groupe américain Modest Mouse.

Or n’ayant jamais entendu une note de Modest Mouse ─ et ne souhaitant pas, pour le moment, m’y confronter ─ Tiny Cities est, de mon point de vue, un excellent disque de Sun Kil Moon, et l’apport “génétique” des paroles d’Isaac Brock est englobé dans la relecture qu’en fait Kozelek**.

C’est donc avec cette virginité revendiquée que je déclare mon enthousiasme pour ce très court “Convenient Parking”, rendu sans doute plus gracieux par la voix de Mark, et par sa guitare acoustique virtuose et enchanteresse.

Une unique note de piano me rappelle que je dois vous préciser que Sun Kil Moon était en 2005 un trio, rassemblant, évidemment Mark Kozelek, le bassiste Geoff Stanfield, et l’unique rescapé des Red House Painters, le batteur Anthony Koutsos.

*Voir mes chroniques de “Tiny Cities Made Of Ashes” et “Four Fingered Fisherman”.

**”Convenient Parking” apparaît sur ce que les spécialistes considèrent comme étant le meilleur album de Modest Mouse, The Lonesome Crowded West (1997).

Je vous avais déjà, dans une précédente chronique, livré quelques réflexions sur ce genre musical à part entière qu’est l'”album de reprises”*. Mais il faut savoir que le genre est aussi très prisé par Mark Kozelek, l’un de mes “grands hommes”, lequel, en dépit du fait que je l’ai coiffé de la couronne de “plus grand parolier américain contemporain”**n’a jamais manqué une occasion de reprendre les mots d’autres auteurs, par exemple AC/DC, avec l’album What’s Next To The Moon.

Mais, avec ce deuxième album sous le nom de Sun Kil Moon, Mark a choisi de reprendre un groupe américain plutôt obscur, Modest Mouse.

Il se trouve que je ne connais pas Modest Mouse. Mais il y a des critiques beaucoup plus érudits que moi, qui eux connaissent Modest Mouse, et qui, dans leur grande majorité, estiment que ces reprises sont bien inférieures à l’original. Je ne peux, évidemment, pas prendre position dans ce débat, mais tout ce que je peux dire, c’est que j’aime beaucoup Tiny Cities et cette chanson, “Tiny Cities Made Of Ashes” dont je signale aux amateurs qu’elle figure initialement sur l’album de Modest Mouse, The Moon And Antarctica (2000).

Comme à son habitude, Mark fait du Kozelek, quoi qu’il chante ou interprète, et c’est avec cette virginité découlant de mon ignorance que j’estime que TCMOA est une chanson très réussie. La voix fatiguée et désabusée de Mark est portée par cette guitare obsessionnelle, et pourtant d’une grande légèreté, égrenant un accord aussi immuable que le malheur qui s’abat sur les êtres humains. Et il fait siennes les paroles de Modest Mouse, lesquelles semblent inspirées par The Great Gatsby de F. Scott Fitzgerald, les chantant avec une tendresse et une douceur qui tentent de démentir les terreurs suggérées par le texte.

La morale de cette histoire est qu’il vaut peut-être mieux aborder une reprise comme s’il s’agissait d’une chanson originale, et que les tenants d’une interprétation plutôt éloignée de celle des créateurs ont plus de chance de réussir leur coup que ceux qui se mettent dans les pas de ces derniers.

*Parmi mes différentes chroniques dans lesquelles j’évoque la question des reprises, je citerais spécialement “Wild Thing”, “Streets Of Laredo”, “You Tore Me Down”, “Bye Bye Beauté” et “Natural One”.

**Voir, par exemple, ma chronique de “San Geronimo”.

Cette chronique est intimement liée à la précédente, et “Four Fingered Fisherman” est une chanson de Modest Mouse figurant sur leur album de 2001, Sad Sappy Sucker, dont je n’ai jamais entendu la moindre note, et que Mark Kozelek se réapproprie entièrement sur cet album, Tiny Cities. La comparaison n’est donc pas de mise, et l’ambiance folk que Mark crée pour cette chanson doit être très éloignée de l’électricité sombre de Modest Mouse dont le texte porte encore la trace. Si l’on veut à tout prix comparer, on le fera entre différentes interprétations en public de ce titre, par Kozelek, seul ou accompagné, dans les albums suivants : On Tour : A Documentary. The Soundtrack, ou bien Lost Verses-live ou encore Little Drummer Boy-live. 

Magnolia Electric Co. a existé entre 2003 et 2009, et nous a laissé cinq albums, sans compter les documents en public, les EPs, singles. Ce groupe succédait à Songs : Ohia qui, entre 1996 et 2003 a produit 7 albums studio. Mais ces deux groupes sont l’émanation d’un seul musicien, compositeur, chanteur, qui s’est entouré de musiciens très divers pendant toute sa carrière : Jason Molina.

Ce natif de l’Ohio, qui a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 10 ans, est donc à la tête d’une œuvre multiforme, et parfois inclassable, mais où s’affirme un talent peu commun.

J’en veux comme preuve cette superbe chanson, “Hard To Love A Man”, parue sur l’album What Comes After The Blues. Parmi tous les musiciens qui l’entourent, je citerais Jennie Benford, qui tient la 2ème voix (enregistrement studio).

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Après un combat de plusieurs années contre son alcoolisme, Jason Molina est mort le 16 mars 2013, à l’âge de 39 ans.

https://www.youtube.com/watch?v=DGjyA3kfEUQ

Ma discographie de Gravenhurst* est assez complète, et très précieuse, car c’est sous ce pseudonyme que se faisait connaître Nick Talbot, mort le 2 décembre 2014, à l’âge de 37 ans, d’une cause inconnue. Nick était un musicien rare, que je rapproche volontiers de Nick Drake, plus pour sa trajectoire météorique, et la tonalité sombre de ses chansons, que pour son style.

Écoutez, par exemple, “Nicole”, qui figure sur son troisième album, Fires In Distant Buildings, et comme moi, vous ne pourrez qu’être touchés par la voix de Nick, sa sensibilité, la délicatesse de ses mélodies.

Dans cet album, où Nick est accompagné du batteur Dave Collingwood, il ose des sons plus rock, plus électriques, tendance qui s’affirmera dans son album de 2007, The Western Lands.

Nick se produisait sur scène en trio et l’un de mes grands regrets est de n’avoir jamais assisté à l’un de ses concerts, même s’il reste quelques vidéos sur YouTube**. Nick Talbot est un musicien qu’il est essentiel de ne pas oublier.

*Voir ma chronique de “Flowers in Her Hair”.

**C’est la raison pour laquelle je vous mets également la vidéo d’un concert londonien de 2013, l’un des derniers de Nick.

Great Lake Swimmers est le projet du Canadien de Toronto Tony Dekker (auteur-compositeur, chant, guitare acoustique), et on trouve ce “I Saw You In The Wild” sur son deuxième album, Bodies And Minds.

GLS joue du folk, un peu à la manière de Neil Young, mais surtout, et c’est ce qui est important, à la manière de Tony Dekker, avec une sensibilité à fleur de peau qu’on retrouve dans tous les albums du groupe, et en particulier dans ce très beau “I Saw You In The Wild”. Il s’agit en effet d’un groupe, qui n’hésitera pas, dans des albums ultérieurs, à hausser le ton et à proposer une approche beaucoup plus rock, qui conviendra parfaitement à Tony (un peu comme Crazy Horse avec Neil Young). Mais je vais un peu trop vite, et dans Bodies And Minds, c’est encore l’acoustique qui prédomine et qui permet d’apprécier le talent particulier de Tony pour sculpter une mélodie inoubliable et l’habiller d’arrangements discrets et parfaitement élégants.

Le 5 février 2018, j’étais au Cabaret Sauvage, à Paris, pour assister au concert des Américains francophones, Nada Surf. Vous savez, depuis la chronique que je leur ai déjà consacrée*qu’il s’agit de l’un de mes groupes préférés, dans la lignée de Big Star et des Posies. Ces jeunes gens ont beau être maintenant quinquagénaires, ils ont tenu la scène pendant trois heures. Le trio initial (Matthew Caws, chant, guitare ; Daniel Lorca, basse, chant ; Ira Elliot, batterie, chant) s’est vu augmenté du guitariste soliste Doug Gillard, ancien de Guided By Voices, et, pour cette tournée, du claviériste texan Louie Lino.

Le concert s’est tout naturellement conclu par une interprétation déchaînée de “Blankest Year”, l’une de leurs plus célèbres chansons, tirée de leur album The Weight Is A Gift.

Comment d’ailleurs résister à l’introduction d’Ira à la batterie, à la voix haut perchée de Matthews, à ce riff construit en accords sur la guitare ? Les voix harmonisent et se répondent, comme il se doit. Nada Surf est l’un des rares groupes dont les membres fondateurs ─ le groupe s’est formé en 1993 ─ travaillent toujours ensemble, à ce jour, et la façon dont ils s’étreignent et se congratulent à la fin de leur show fait plaisir à voir. Nada Surf est un groupe heureux de faire de la musique, ensemble, et de rendre leur public également heureux. Voilà une chose éminemment précieuse.

https://www.youtube.com/watch?v=H-ofahJl_es

*”Bye, Bye, Beauté”

Je ne sais pas trop quoi dire à propos de cette chanson du sexagénaire Neil Young, “No Wonder”, parue sur cet album, Prairie Wind, que je n’ai pas eu envie de réécouter. Je croyais que Neil vieillissait bien ; je n’en suis pas aussi certain. Neil a composé, joué et chanté quelques dizaines de chansons admirables, mais c’était au siècle dernier.

Alors je réécoute ce “No Wonder”, qui m’avait sans doute plu en 2005. La chanson bénéficie d’une mélodie agréable mais assez passe-partout ; en revanche, l’orchestration et la production sont lourdes et démonstratives ; les paroles sont banales et peu inspirées, obscures, avec une allusion au 11-septembre qui laisse perplexe. Désolé, chers lecteurs, mais je vais maintenant mettre sur ma platine le Live At Massey Hall 1971, pour me réconcilier avec Neil Young.