J’ai déjà un petit peu pratiqué cet exercice : écrire une seconde chronique concernant une version différente de la même chanson. Je commence donc par vous demander de vous reporter à ma chronique portant sur “Tiny Cities Made Of Ashes” par Sun Kil Moon, titre original de cette chanson, dont je vous expliquais qu’il s’agissait d’une reprise d’une chanson de Modest Mouse (écrite par Brock/Green/Judy).

Quant à moi, j’ai décidé d’être un peu plus méthodique, et contrairement à ce que j’écrivais dans la chronique citée ci-dessus, j’ai commencé par chercher la version de Modest Mouse ; les paroles sont les mêmes, c’est vrai, mais j’ai à peine reconnu la chanson, et laissez-moi vous dire que si tout Modest Mouse est de cet acabit, ce n’est pas demain la veille que je m’intéresserai à leur discographie !

Ensuite, je suis revenu vers la version enregistrée en studio (2005), la seule qui porte le titre complet, “Tiny Cities Made Of Ashes”. Mark y est accompagné par Geoff Stanfield et Anthony Koutsos (n’exagérons rien, il n’y a pas de batterie dans ce titre) ainsi que par d’autres musiciens ; mais il bénéficie de toute la production d’un studio, laquelle donne à  son interprétation un côté brumeux mais transparent, avec une belle réverbération qui convient vraiment à ce TCMOA, dont je n’hésite pas à penser que la paternité musicale doit lui en être attribuée.

Ensuite, je suis revenu vers le “Tiny Cities” en public de Mark Kozelek, enregistré en juillet 2006 au Canada, et qui se trouve sur le cd 2 de l’album Little Drummer Boy.

Le tempo est très ralenti par rapport à l’original, mais la chanson garde sa magie, portée par cet arpège magnifique. Par définition, puisqu’il s’agit de l’enregistrement d’un concert, Mark est plus loin de nous, il chante pour beaucoup de monde, alors qu’en studio, il chantait pour chacun d’entre nous.

Et puis, pour être complet, je me suis demandé si je n’avais pas une autre version de “Tiny Cities”. La réponse est positive, et je l’ai trouvée sur un album, également enregistré en public (concerts de 2007-2008), Lost Verses Live. J’ouvre une parenthèse pour vous signaler que la production discographique de Mark Kozelek est absolument phénoménale, et cela fait quelques temps que j’ai renoncé à en suivre tous les aspects.

Que dire de cette version ? Le tempo a retrouvé sa vélocité initiale, mais surtout, horreur et désolation, l’arpège magique a disparu laissant la place à un Mark grattant sa guitare comme vous et moi, un peu pressé d’en finir. La chanson a du rythme ; Kozelek chante encore ─ ce qui sera un peu moins vrai dans les années qui suivront, mais c’est une autre histoire ─ et le public a l’air content ; moi, un peu moins.

Bilan ? Plus le temps passe, moins c’est bien. Mais ça, on le savait, n’est-ce-pas ?

Voilà qui n’est pas banal, mais mes fidèles lecteurs auront remarqué que j’ai déjà publié une chronique sous ce titre. La seule différence était qu’il s’agissait de la version en studio de cette admirable chanson, sur le premier album de Sun Kil Moon, Ghosts Of The Great Highway (2003), dont je vous disais déjà que j’en possédais sept versions différentes. Je voudrais simplement revenir sur l’une de ces versions, celle que l’on trouve sur Little Drummer Boy-Live, disque qui rassemble des chansons enregistrées lors de concerts américains ou européens, au cours desquels Mark n’est accompagné que par le guitariste Phil Carney.

J’évoquais, dans cette chronique, le “mystère” de cette chanson, lequel n’a d’égal que la fascination qu’elle exerce sur moi. Le fait d’interroger une version ultérieure, publique, et qui bénéficie d’une instrumentation moins riche, serait-il un bon moyen de lever un peu ce “mystère” ?

Quoi qu’il en soit, après avoir écouté ces sept versions dans un ordre chronologique plausible, il est intéressant de constater que Mark n’a de cesse de déstructurer la chanson, de la déconstruire, jusqu’à proposer, dans le plus récent enregistrement que je recense, (Live At Lincoln Hall-8 juillet 2011) une version dans laquelle le texte prend le pas sur la musique, ─ c’est le choix de l’artiste, mais j’ai le droit de le déplorer ─ et c’est la raison pour laquelle je reviens vers Little Drummer Boy.

Par rapport au premier état de “Carry Me Ohio”, le tempo est ralenti (cette version est la plus lente que je connaisse) et contribue à faire de cette chanson de désespoir une chanson de résignation, une lamentation là ou pointait la révolte, un lent abandon là où saignait la déchirure. Je ne saurais pas dire, dans cette opposition, quel est le terme que je privilégie, et je présume que la meilleure réponse est celle qui fait dépendre mon choix de l’état d’esprit du moment. Une seule et unique chanson pour tous les différents moments de sa vie, n’est-ce pas la meilleure solution à l’incertitude que nous ressentons lorsqu’il nous faut choisir, justement ? Surtout lorsqu’il s’agit d’un chef-d’œuvre comme “Carry Me Ohio”.

Dans une récente chronique*, je vous disais que nous avions dû subir, de la part de Ramon Pipin, un silence de 24 années. Cette affirmation n’était pas tout à fait exacte.

Il faut, en effet, rappeler que la “couveuse” de Ramon Pipin fut un groupe qui eut son heure de gloire : Au Bonheur Des Dames. Et mes lecteurs de froncer les sourcils : qu’est-ce que cette bande de rigolos qui sont à la musique rythmée ce que Florence Foster Jenkins est à l’art lyrique, a à voir avec la musique un peu exigeante qu’OldClaude défend dans ce blog ? Rien du tout cher lecteur, et je ne m’attarderais pas plus sur cet orchestre que Ramon a quitté pour aller fonder Odeurs, à la fin de 1978.

Cependant, effet de la nostalgie, ou désœuvrement, Ramon et ses anciens compères se retrouvèrent une dernière fois en 2006 pour élaborer un nouvel album, Métal Moumoute.

Il y avait là les “historiques”, c’est-à-dire, outre Ramon Pipin, Gepetto Ben Glabros, Rita Brantalou, Jimmy Freud, Sharon Glory, Eddick Ritchell et Shitty Télaouine, auxquels s’étaient joints Fabrice des Dieux, Jean-Michel Tapdur et César Pompidou.

Fabrice des Dieux, Ramon Pipin et Thomas Noton, légendaire guitariste des Fantômes, se partageaient la production, mais si l’on en juge par l’identité du signataire de la plupart des chansons (19 !) qui composent ce cd, il n’est pas exagéré de dire que le principal maître-d’œuvre en était Ramon Pipin.

La chanson qui clôt ce disque m’intéresse particulièrement et on notera que c’est l’une des deux rescapées de cette époque que Pipin a conservée lors de ses concerts parisiens, ces dernières années.

Il s’agit donc de “Mes Funérailles”, chanson testamentaire, dont les années qui passent accentuent la pertinence. Elle est d’une grande qualité musicale, et je voulais attirer votre attention sur le fait que chacun des couplets est écrit dans une tonalité différente. Les musiciens sont, bien sûr Ramon, qui chante, s’occupe des programmations (avec Pierre Desmonts) et montre qu’il possédait de beaux restes à la guitare électrique, Fabrice (guitare et chœurs), César (batterie) et  Pierre Desmonts (basse).

Le propos de Ramon est simple : dans la continuité de sa vie de musicien et d’humoriste,  il annonce qu’il souhaite qu’on lui organise des funérailles, le moment venu, au cours desquelles les valeurs qu’il a prôné soient très présentes : danse, musique, jeux, blagues, refus des rituels religieux, choix bien orienté du journal qui publiera l’avis de décès, et cela va même jusqu’à négliger le sort réservé à ses cendres, ce qui pourrait nous mettre la puce à l’oreille.

C’est Thomas Noton qui prononce, en Anglais, la phrase qui termine la chanson, et qui est suivie, sur le disque**, d’une conversation post-enterrement au cours de laquelle les participants (parmi lesquels, et c’est très important, Pipin) après avoir prononcé quelques paroles convenues, infléchissent leurs propos et disent tout le mal possible du disparu. C’est le moment de remarquer que la chanson est dédiée à Hubert de La Motte Fifrée, ancien batteur, effectivement disparu, d’ABDD.

On comprend ainsi, que dans le but de se protéger d’un texte dont la charge émotionnelle pourrait vite lui devenir insoutenable, ce ne sont pas de ses propres funérailles dont Ramon nous entretient ─ même si chacun sait que l’ordonnancement minutieux de ses obsèques est la marque des personnalités qui possèdent un certain pouvoir ─ mais sans doute de celles d’Hubert (ce qui est nettement plus facile).

Il y a pourtant, me semble-t-il, une note authentiquement personnelle dans cette belle chanson : c’est le souhait d’être inhumé, non pas dans un cercueil, mais dans un étui de guitare, et pas n’importe lequel, celui de sa Gibson SG Standard, précisément désignée. Or, au cours de mes recherches pour écrire cette chronique, je me suis laissé dire que Ramon Pipin gardait chez lui une assez belle collection de guitares (bien protégée ; amis voleurs, passez votre chemin), au sein de laquelle on trouvait un étui vide : celui de sa SG, laquelle lui a été volée il y a de nombreuses années. C’est aussi pour combler ce vide que Ramon a écrit cette chanson.

*Voir ma chronique de “C’Est Mon Dernier Concert“.

**La chanson se termine à 2 mn 52, et il faut placer le curseur sur 5 mn 50 pour profiter de cette très intéressante conversation.

Une chanson d’amour, et même une chanson de demande en mariage sur ce bel album de Badly Drawn Boy, ─ pseudonyme sous lequel se cache le nommé Damon Gough ─ Born In The U. K., son cinquième.

Pour cet album, d’ailleurs, il avait commencé à travailler avec son producteur habituel, Stephen Street ; les 20 chansons enregistrées pendant ces sessions n’étaient pas du goût de l’artiste qui a préféré recommencer à zéro avec 2 autres producteurs, Nick Franglen et Cameron Jenkins.

Pas sûr que notre homme ait eu totalement raison, puisque cet album, d’un très bon niveau, n’est peut-être pas aussi réussi que ses œuvres plus anciennes, en particulier son somptueux premier album, The Hour Of The Bewilderbeast* ; et, en fait, la chanson que j’ai choisie aurait certainement pu être produite par Stephen Street, et ressemble vraiment à ce qu’il faisait auparavant.

Damon, qui joue de tous les instruments, s’accompagne au piano, et il est soutenu par une basse (Sean McCann) et une batterie (Alex Thomas). Une choriste, Claire Hewitt intervient à la fin de ce très joli morceau. Depuis cet album, je n’ai pas eu trop de nouvelles de Badly Drawn Boy, même si je sais qu’il a sorti 2 ou 3 albums, et j’espère qu’il est encore en activité. Son talent mérite qu’il le soit.

*Voir ma chronique “The Shining”.

Cette chanson en 3 parties, composée par le leader des Decemberists*, Colin Meloy, dont le texte est basé sur celui d’un vieux conte japonais, donne son titre au quatrième album du groupe, l’un de leurs plus réussis, celui qui les a consacrés aux yeux de la critique, mais également du public, car The Crane Wife s’est remarquablement bien vendu, pour un album de ce style.

Le groupe, basé à Portland (Oregon), pratiquait à cette époque un folk-rock très inspiré des traditions britanniques, chacun des cinq musiciens utilisant de nombreux instruments.

L’album est produit par Tucker Martine et Chris Walla (qui était alors le guitariste de Death Cab For Cutie).

Les 11 mn 19 s de “The Crane Wife 1 & 2” débutent par une guitare acoustique accompagnant le chant de Colin. Puis les instruments rentrent progressivement, le violoncelle, l’orgue Hammond, puis la basse et la batterie, les chœurs, au fur et à mesure que progresse le récit du conte et que se noue ce qu’on pressent être un drame. Le son enfle ainsi assez rapidement, la chanson prenant ainsi un tour assez épique. Puis, au milieu de la 5ème minute, on revient brusquement, à la faveur d’une inflexion mélodique qui souligne un moment particulièrement fort du récit, à l’instrumentation du début du morceau, avec une utilisation nouvelle d’un violon, et de chœurs qui amènent la chanson (et le récit) vers la conclusion de sa seconde partie.

Il s’agit donc d’une pièce assez importante dont il convient de saluer la beauté et l’impact dramatique, et qui trouve naturellement sa place dans un album dont je voudrais souligner la qualité globale. Vous aurez évidemment à cœur de vous le procurer, car, sans cela, comment prendre connaissance de la fin du conte avec “The Crane Wife 3” qui ouvre le disque ?

*Voir ma chronique de “June Hymn”.

Voilà un monsieur très important. En effet, John Auer n’est rien moins que le fondateur des Posies, en compagnie de Ken Stringfellow, et si vous relisez les chroniques que j’ai consacrées à ce groupe, vous comprendrez mon enthousiasme quand je me suis procuré ce qui, je crois, est le seul album solo de Jon. Cela dit, Jon a collaboré avec beaucoup d’autres artistes, et est, avec Ken à l’origine de la résurrection de Big Star, groupe dont vous connaissez également l’importance.

Et, n’en doutez pas, Songs From The Year Of Our Demise est une grande réussite, qui s’ouvre sur le sublime “Six Feet Under” qui est donc le sujet de cette chronique, et qui est une chanson de rupture amoureuse où se mêlent l’amour et la haine qui circulent dans ces moments-là de la vie.

Jon joue de tous les instruments dans cette chanson, simplement soutenu par un chœur qui la conclut magnifiquement. C’est également lui qui produit, qui enregistre, qui mixe et qui donne ainsi les éléments d’un talent dont je peux regretter qu’il ne soit pas suffisamment reconnu.

Je vous avais expliqué récemment*que m’avait saisi, cette année-là, une crise de “revival disco”, déclenchée par la sortie de ce disque des Scissor Sisters, Ta-Dah, laquelle se traduisait par une résurgence d’attitudes vieilles de 30 ans, et qui consistaient tout simplement à tenter d’imiter Travolta dans la Fièvre du Samedi Soir.

Que ceux qui craignent d’être contaminés passent leur chemin et me laissent avec cette innocente marotte, qui a fini par guérir, sans laisser de séquelles.

On est quasiment dans la parodie, et il faut en remercier Elton John, qui joue du piano sur ce titre, et qui est crédité en tant que co-compositeur ; mais il lui a suffi d’aller chercher le rythme de piano qui fit le succès de “December 1963” des Four Seasons, ce qui ne lui a pas été bien difficile !

Quant à Jake Shears, le chanteur, il fait, à lui tout seul, les frères Gibb, avec un falsetto qu’il tient bravement tout du long de la chanson. C’est gai/gay, plein d’humour, et ça fait danser les sexagénaires, comme s’ils avaient 30 ans de moins. Que vous faut-il de plus ?

*Voir ma chronique de “Paul McCartney”.

Oh, la la ! Je vais encore faire froncer les sourcils à certains ou à certaines. Mais, ne m’en veuillez pas, il s’agit d’un choix que je qualifierais de générationnel, je m’explique. Entre 1974 et 1980, la seule musique qui existait dans les clubs, c’était le disco. Mais si, souvenez-vous ! Gloria Gaynor, KC & the Sunshine Band, Candi Staton, Thelma Houston, Donna Summer, Chic, Village People, Sylvester, Sister Sledge, Patrick Hernandez, Kool & the Gang, j’en oublie plein. Inutile de vous dire qu’en ma qualité d’amateur de rock, tendance pointue, je n’avais que mépris pour cette musique parfaitement inintéressante, avec cette grosse caisse qui marquait les 4 temps…

Et bien sûr, les années ont passé, un sentiment idiot qui s’appelle la nostalgie a commencé à pointer son museau fripé, et, quand en 2006, ces gens qui se faisaient appeler les Scissor Sisters se sont placés au premier rang de ce “revival” disco qu’on n’osait plus espérer, je me suis levé de mon siège, et, malgré l’arthrose et le souffle un peu court, je me suis mis à danser, parce que c’était…bon !

Donc les Scissor Sisters ─ si vous êtes lesbienne, vous savez de quoi il s’agit ─ font une musique bien de notre siècle, mais qui trouve ses racines dans le disco, le glam, la pop, et plus généralement toute la musique gay. Il est vrai que l’orientation sexuelle de la plupart des membres du groupe (Jake Shears, le leader et chanteur, Babydaddy, Ana Matronic, Del Marquis, Paddy Boom) favorise cet ancrage, mais plus généralement, je crois que ce qui caractérise nos ami(e)s, c’est l’hédonisme des nuits que l’on passe à boire et à danser comme au bon vieux temps du Studio 54, à New York.

Je n’ai jamais compris pourquoi cette chanson, tirée de leur album Ta-Dah, s’appelait “Paul McCartney” car elle ne mentionne jamais l’ex-bassiste des Beatles ni quoi que ce soit qui s’en rapproche, mais on s’en fiche complètement, car dès que le rythme vous prend, dès que la basse de l’invité prestigieux qu’est Carlos Alomar commence à dérouler sa ligne sinueuse, je commence à bouger sur mon siège, ce qui fait que bientôt je ne peux plus taper sur le clavier de mon ordinateur. Tant pis, je me lève, je tape dans mes mains, je me prends pour John Travolta dans La Fièvre du Samedi Soir, et donc, débrouillez-vous pour le reste !

https://www.youtube.com/watch?v=HHS-FpFI_Mw

Sur la pochette de leur cinquième et dernier album, The Stars Look Different From Down Here, Mark Brown (batterie), James Clifford (basse) et le leader, Stephen Fleming (chant et guitare) font la gueule. Pourtant le disque a été enregistré sous le chaud soleil espagnol dans le studio de Paco Loco (producteur, entre autres des Jayhawks), mais les textes des chansons reflètent une humeur bien plus sombre que dans leur Too Close To See Far (2003) dont je vous ai abondamment entretenus*.

Les Écossais de Glasgow savent que c’est la fin de leur aventure musicale, en dépit de ventes très honorables. D’ailleurs cet album, que je trouve très beau et très touchant, toujours dans cette veine “Beatles et Byrds repris par Oasis”, est tout de même un poil moins réussi que le précédent qui se situait, il faut l’avouer, à des hauteurs stratosphériques.

Et cette chanson, “This is Your Release”, (pour laquelle, hélas, on ne trouve pas de fichier audio ou vidéo sur Internet), dans sa simplicité harmonique, est une réussite totale, et j’aurais bien vu Fleming la chanter devant un très large auditoire, des dizaines de milliers de spectateurs balançant leur briquet allumé de droite à gauche, et reprenant le refrain en chœur. D’ailleurs je ne sais pas si vous avez remarqué, mais beaucoup de groupes qui sentent leur fin arriver, font comme ça des chansons destinées à être chantées dans des stades qui ne leur ouvriront jamais leurs portes.

C’est triste pour les Cosmic Rough Riders, c’est triste pour la musique, mais il me reste heureusement quelques albums qui sont loin d’avoir fini leur course en ma compagnie, et en la vôtre aussi, j’espère.

PAS DE VIDEO DISPONIBLE

*Voir mes chroniques “Justify The Rain”, “Life In Wartime” et “Kill The Time”.

À l’origine, l’album de Sufjan Stevens, Come On Feel The Illinoise,* paru l’année précédente, devait être un double-album**. Il n’en fût rien, et, le succès d’Illinois aidant,  Sufjan choisit de faire paraître un album dont le titre complet est : The Avalanche. Outtakes And Extras From The Illinois Album! Shamelessly compiled by Sufjan Stevens.

On y trouve beaucoup de choses passionnantes, et en particulier, plusieurs versions de “Chicago”, mais la chanson la plus personnelle et bouleversante est certainement “Pittsfield”.

Le « I’m not afraid of you » est manifestement adressé à sa mère, et toute la chanson est la description de cette famille dysfonctionnelle, autour des tâches ménagères, et du regard apaisé qu’il porte, aujourd’hui sur cette période. Lisez ce texte magnifique, écoutez cette mélodie que je place parmi les dix plus belles de Sufjan, souriez en pensant qu’avec des chutes de studio, il fait un album plus crucial que ceux que produisent la plupart des artistes du moment.

Sufjan fait absolument tout dans cette chanson : enregistrement, production, orchestration ; il joue de tous les instruments que vous entendez (sauf un peu de trompette, ajoutée par Craig Montoro). Quant à son chant, il est parfaitement accompagné par la voix de la chanteuse Rosie Thomas.

*Que nous nommerons dorénavant Illinois, pour plus de commodité

**Voir mes chroniques des chansons d’Illinois : “Concerning The UFO Sighting…”, “John Wayne Gacy, Jr”, “Casimir Pulaski Day”, “The Seer’s Tower”

Vous allez bientôt connaître tout Calling Distance Stations, car, si je compte bien, c’est la cinquième chanson de ce disque que je vous présente, et il y a très peu d’albums qui ont connu, dans mon blog, ce genre de consécration.

Je ne pouvais pas mettre de côté ce “Receiving Me”, aussi somptueux que les autres chansons de Steve, parce que si vous êtes un peu attentifs, vous entendrez, outre l’influence de McCartney à laquelle vous êtes accoutumés avec les Nines, une toute aussi évidente influence de XTC. Comment pourrait-il en être autrement puisque le co-auteur-compositeur de “Receiving Me” n’est autre que le grand Andy Partridge ?!

Voilà réunis par la grâce de Steve Eggers, le Canadien de Toronto, les deux groupes anglais les plus importants du siècle dernier, les Beatles et XTC. C’est le poids et la valeur de cet héritage qui fait toute l’importance des Nines, et qui, je n’en doute pas un instant, vous conduira à vous procurer leurs œuvres complètes.

C’est la raison principale qui m’a conduite à écrire ce blog : permettre à des artistes de talent et peu connus d’accroître un peu leur auditoire afin qu’ils puissent continuer à créer, à travailler, à rendre nos vies plus belles.

Je ne crains pas l’overdose avec Calling Distance Stations, mais certains de mes fidèles lecteurs (oui, cette contestation est plutôt du côté des hommes) me disent : « C’est bien joli, les Nines, mais enfin, on finit par s’ennuyer ; ça ronronne, c’est de la musique de retraités ; où sont le rythme, l’excitation, bref, où est le rock n’ roll ? »

Ne vous inquiétez pas chers ami(es) ; de la même façon que Paul McCartney peut passer de “Blackbird” à “Helter Skelter”, Steve Eggers ne dédaigne pas accélérer la cadence, et nous servir un rock qui ─ même s’il n’est pas aussi abrasif que “Helter Skelter” ─ est susceptible de dérouiller un peu les articulations.

Cela dit, c’est toujours fait avec une élégance qui explique ma référence constante à Sir Paul, dès qu’il s’agit des Nines.

Warren Cliff a laissé ses baguettes à Craig Lapsley, mais pour le reste, c’est Steve qui imprime sa marque, y compris avec l’utilisation de ce synthétiseur analogique. Encore une grande chanson pour les Nines, et une raison supplémentaire de connaître l’intégralité de Calling Distance Stations.