Promise And The Monster est le nom de scène de Billie Lindahl, une jeune Suédoise de Stockholm, multi-instrumentiste (guitare, violoncelle, flûte, orgue…) dont le premier album, Transparent Knives, est une franche réussite.

Ce “Sheets” qui ouvre l’album en est une belle illustration. Une guitare en arpèges et la voix de petite fille qui a beaucoup vécu de Billie, joliment réverbérée, comme si elle chantait dans une forêt hantée par des créatures féroces, la nuit. Un orgue, des percussions et une batterie sourde viennent accentuer le caractère un peu morbide de l’ambiance ainsi créée. Les voix se dédoublent, se pourchassent, finissent par s’approcher un peu trop près…

Ce disque ne ressemble en rien à ce que peuvent faire les Anglais ou les Américains avec un répertoire un peu semblable, et c’est ce qui fait son originalité et sa qualité, même si c’est la langue anglaise qui affirme, comme partout,  son impérialisme. Il y a, en particulier chez les Scandinaves, un très fort courant qui vise à créer une musique originale, qui, tout en empruntant les codes anglo-saxons, les pervertit et les tord d’une façon très singulière, de sorte qu’il arrive souvent que, de cette façon, les élèves dépassent les maîtres. J’ajouterais, pour rester dans ce domaine, qu’il est exceptionnel que des Français connaissent la même réussite, se contentant le plus souvent d’être des suiveurs, plus ou moins habiles.

Comme je dois être l’un des seuls, dans ce pays, à parler de The Nines*, l’occasion m’en est une nouvelle fois donnée, du fait de la parution de ce nouveau disque, Gran Jukle’s Field.

Comme vous le savez, Steve Eggers est l’animateur quasi-exclusif de The Nines, c’est d’ailleurs lui qui a assuré la production, mais il s’est entouré de quelques anciens collaborateurs.

“Virginia”, c’est l’histoire d’un homme qui a abandonné femme et enfants pour partir sur les routes, et qui, après de nombreuses années, reconnaît son erreur et n’aspire qu’à revoir sa «sweet Virginia».

Steve chante, évidemment, joue de la basse, des claviers et des percussions ; les guitares sont confiées à Andrew Webb, la batterie à Craig Lapsley.

Et tout cela donne une pop-song idéale, dans le droit fil de l’influence majeure qu’est Paul McCartney. Dix ans plus tard, ça n’a pas pris une ride comme il convient à tout ce qui n’est pas soumis à la mode. Voilà le marchepied idéal pour l’éternité.

*Et abondamment ! “Marigold”, “Average Joe”, “Days And Days”, “Too Far From Home”, “Orange Of Summer”, “My Only One”, “Receiving Me”, “Take What You Want”, “Goodnight My Love”. Il est clair que si j’étais zoologue, je m’occuperais en priorité des espèces menacées !

Je ne quitterai pas comme cela ce superbe Raising Sand sans évoquer la chanson qui clôt le disque, l’une de mes préférées, “Your Long Journey”.

Écrite par le musicien de bluegrass Doc Watson pour (et avec) son épouse Rosa Lee qui était à la veille de sa mort, ce « long journey » est évidemment le voyage vers l’éternité, et la promesse que Doc fait à Rosa Lee de venir la rejoindre bientôt pour lui tenir la main, au Ciel.

Un peu trop empreint de religiosité (je choisis mes mots) pour certains ? Peut-être, mais peu importe.  Je ne connais pas encore la chanson originale des Watson, mais, en tout cas, Alison et Robert nous en donnent une version magnifique et bouleversante, bénéficiant d’un accompagnement dominé par le banjo de Riley Bogus. On savait qu’Alison avait une voix d’ange ; eh bien, le redoutable Robert Plant, légende vivante du hard-rock, chante comme un séraphin. On dirait un frère et une sœur qui harmonisent leurs voix comme s’ils avaient grandi ensemble. Magique !

Je suis très embêté. Je suis allé pêcher ce morceau sur une compilation quelconque, parce que j’avais bien aimé l’ambiance qui s’en dégageait. Mais, au moment d’écrire quelques mots sur ce “Zombie Like Lovers”, il faut bien que j’admette que je ne connais rien des Warlocks, mais ça va au-delà de ça ; je ne connais rien de cet environnement culturel. Comme si vous me demandiez d’écrire à propos de Nana Mouskouri.

The Warlocks s’est rassemblé autour de la personnalité de Bobby Hecksher, à Los Angeles, à la toute fin du siècle dernier. D’après ce que je peux en percevoir, ces musiciens ont beaucoup écouté le Velvet Underground, période White Light, White Heat, et ont dû absorber toutes les drogues existantes.

Le morceau ─ difficile de dire chanson ─ apparaît sur un disque, Heavy Deavy Skull Lover, qui semble être leur quatrième. Comme je suis assez consciencieux dans mon travail de documentation, j’ai commencé à lire les différentes critiques écrites par les spécialistes ; c’est fou ce que les critiques d’expression française peuvent intervenir, à propos des Warlocks ! Sur PlanetGong, Éric aime beaucoup, alors que sur Album Rock, Maxime, sous le titre « Ce disque, une corde et du Prozac : l’assurance d’un suicide réussi » est plutôt rebuté. Casablancas, sur IndieRockMag.com semble apprécier, tout comme Paul Ramone sur le site Pinkushion. Cependant, j’ai un peu de mal à comprendre le sens de tous ces articles. S’agit-il de célébrer la descente aux enfers de Bobby et de ses musiciens (ils étaient huit, ils ne sont plus que quatre ou cinq), leur refus implacable de toute institution établie, de toute carrière, de toute concession à quoi que ce soit qui pourrait représenter un début de compromission avec un système haï ? S’agit-il de musique ou du sens que l’on veut donner à celle-ci ? De sociologie, de politique, d’une fascination morbide pour l’auto-destruction ? Je le répète, en 2007, j’avais bien aimé l’ambiance qui se dégageait de ce morceau, mais je n’ai pas du tout envie de m’immerger plus complètement dans l’univers des Warlocks, avec tout ce que ça implique. Je ne suis tout simplement pas le bon guide pour ça.

J’ai été un peu sévère avec José, dans une récente chronique*. Alors, je reprends ce très estimable In Our Nature, en vous présentant une autre chanson, “Fold”, qui possède l’avantage d’avoir été écrite par lui.

Sur un ostinato en picking, toujours effectué sur l’une de ses fidèles guitares espagnoles montées en cordes nylon, et sonorisées par le biais d’un micro Fishman extérieur, José s’en tire bien mieux, avec celle-là, très discrètement soutenu par une percussion due à Erik Bodin.

La douceur de la mélodie et du thème instrumental conviennent parfaitement à son style et à sa voix, qui ne laissent jamais rien dépasser. J’avais jugé ça inexpressif dans ma précédente chronique ; c’est maintenant l’adjectif “élégant” que j’accolerais à son interprétation de “Fold”.

*Voir ma chronique de “Teardrop”.

Ce disque, Raising Sand, couvert d’honneur et de récompenses est celui de la réunion de deux artistes qui viennent d’horizons différents, voire opposés.

On ne présente plus Robert Plant, légendaire chanteur de Led Zeppelin, qui n’a jamais, depuis la dissolution brutale du groupe, cessé de travailler en explorant des univers variés et toujours passionnants. Quant à Alison Krauss, qui est née lorsque Robert était déjà célèbre, c’est une chanteuse de bluegrass et de country, violoniste, qui connait un grand succès avec son groupe Union Station.

Toutefois, les choses ne se seraient pas faites sans l’entregent du producteur, le renommé guitariste texan T-Bone Burnett, un homme de la génération de Robert Plant, qui, avec l’aide de ses musiciens habituels, a trouvé la formule pour réunir les deux mondes.

Raising Sand est un disque de reprises, dont la tonalité générale est plutôt sombre, et la chanson que j’ai choisie a été composée par Gene Clark*.

Robert assure la voix principale, et la voix d’Alison se mêle parfaitement à la sienne, avec des harmonies qui sont une spécialité des chanteurs et chanteuses de bluegrass.

Cette collaboration a été très importante pour les deux artistes, et pas seulement en terme de succès commercial. Il est vrai que je ne connais pas la carrière de Mlle Krauss, mais il est assez facile de dire que les choix effectués par M. Plant à l’occasion de l’élaboration de Raising Sand ont certainement enrichi sa palette de styles pour les albums qu’il nous a proposés ultérieurement. Une grande réussite.

*Gene chante divinement “Polly” (titre original) sur l’album de Dillard & Clark, Through The Morning, Through The Night (1969)

Comme mes fidèles lecteurs le savent, José González est un artiste très estimable puisque j’avais consacré pas moins de trois chroniques à son premier album, Veneer*.

Comme beaucoup d’autres artistes (Elbow, Simple Minds, Red Hot Chili Peppers, Anneke Van Giesbergen, O’Hooley & Tidow, et surtout Newton Faulkner dont la reprise est certainement la plus talentueuse du lot), José s’est attaqué à la reprise de l’un des titres emblématiques du magnifique album de Massive Attack, Mezzanine**, et “Teardrop” est devenu de cette façon l’une des chansons les plus jouées du deuxième album du Suédois, In Our Nature, d’autant qu’il a également été édité en “single”.

J. González, fidèle à sa manière, reprend “Teardrop” en se l’appropriant totalement, avec sa voix peu expressive, mais au timbre attachant, sa guitare à cordes en nylon, l’aide des percussions d’Erik Bodin.

C’est impeccable, et cette version a eu un succès mérité, mais….

J’écris ce qui suit 11 ans après la sortie du disque. “Teardrop” est aujourd’hui une chanson qui est devenue une sorte de “classique” ; on l’a entendue dans la version américaine de la série télévisée Dr House ; le jazz se l’est appropriée, en la personne du pianiste Brad Mehldau, qui improvise sur son thème, et surtout, comme je le signalais ci-dessus, les candidats à la reprise se sont bousculés, avec plus ou moins de réussite, sans toutefois déloger de son trône la version originale de Massive Attack, la version de référence, et, de loin, la meilleure, portée par la voix impériale d’Elizabeth Fraser.

Alors, tout simplement, José González ne fait pas le poids. Même s’il suit à la lettre l’une des règles non écrites qui doivent guider ceux qui se lancent dans l’art difficile de la reprise ─ se réapproprier l’œuvre, l’habiller différemment, sans pour autant la trahir ─ , il peine à respecter la règle essentielle qui consiste à faire aussi bien*** que la version originale. Dommage.

*Voir “Slow Moves”, “Heartbeats” et “Lovestain”.

**Voir “Angel” et “Inertia Creeps”

***On pourrait longuement discuter cet adjectif, “bien”. Aussi créatif ? Aussi intéressant ? Aussi bien interprété ? Aussi émouvant ? Aussi impressionnant ? etc.

“Sea Song” est une reprise, et je crois qu’il faut simplement la considérer, de ma part, comme un hommage à l’inoubliable disque dans lequel figure la version originale, Rock Bottom de Robert Wyatt*.

D’ailleurs, réécoutant cette version datant de 10 ans, je me dis qu’elle est plus “vieille” que la version originale, qui, elle, affiche 44 printemps !

Non pas que ce quatuor féminin (Rachel et Becky Unthank, Niopha Keegan et Belinda O’Hooley) venu du nord-est de l’Angleterre, et auteur de ce beau second album, The Bairns, produit par Adrian McNally, ait quoi que ce soit à se reprocher, mais tout ici est propre, sérieux, convenable et tiré au cordeau, loin de la folie et de la douleur qui pouvaient habiter le corps meurtri et la voix d’ange de Robert Wyatt. Je crois que c’est Becky qui chante, Rachel tape du pied, Belinda est au piano, Niopha au violon, sans oublier un melodion** joué par Julian Sutton.

Conseil du jour : à chaque fois qu’on écoutera Rachel et ses copines, il faudra réécouter Robert…plusieurs fois.

*Voir ma chronique, “Little Red Riding Hood Hit The Road”

**Une sorte de mélodica.

En 1991, j’avais été très intéressé par The Mabuses, premier album d’un groupe londonien, mené par l’excentrique Kim Fahy et qui renfermait le mirifique “Kicking A Pigeon”. En 1994, était paru, sans faire de vagues, The Melbourne Method, que je ne connais pas.

C’est donc 13 ans plus tard que Kim Fahy nous donne ce troisième album, Mabused! Sous une pochette inspirée de Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band et de Some Girls, et dans une ambiance assez 60’s, dominée par la figure tutélaire de Syd Barrett, génie foudroyé de Pink Floyd, Kim, entouré d’un assez grand nombre de collaborateurs (dont le Français JP Nataf) construit un album brinquebalant et réjouissant, fourmillant d’idées farfelues, et d’une inventivité qui me ferait assez facilement penser à Andy Partridge.

Par exemple, ce “Garden Devils” est un instrumental qui pourrait facilement devenir une bande originale de film, et dont la précision d’écriture et d’instrumentation peut aisément faire penser à Stravinsky ou, pour rester dans le domaine cinématographique, à Bernard Herrmann.

Plus de nouvelles de Kim Fahy depuis une dizaine d’années, mais j’espère qu’un talent de cette importance ne restera  pas silencieux éternellement !

PAS DE VIDEO DISPONIBLE

Je crois que c’est à propos du groupe londonien Tunng que l’on inventa cette nouvelle catégorie musicale : “folktronica” ; soit le mélange du folk, comme savent le faire les britanniques, et de sonorités électroniques. Vous me direz, ce n’est pas nouveau, et un certain nombre d’artistes évoluant dans le domaine folk ont su irriguer leurs instruments traditionnels avec des sons plus synthétiques. Cependant si vous écoutez bien ce troisième album de Tunng, Good Arrows, ce qui s’y passe n’est pas aussi simple à définir. J’y reviendrai, mais tout le disque est un peu particulier. D’abord, les titres de toutes les chansons ne comportent qu’un seul mot, et elles sont toutes créditées à l’ensemble du groupe ; s’y rajoute le plus souvent le nom du musicien qui en a fourni les éléments fondamentaux (Sam Genders, en ce qui concerne “Take”). Et puis, si l’on se penche un peu sur l’histoire du groupe, on s’aperçoit que Tunng, qui a commencé par un duo est devenu une sorte de collectif, puisqu’à l’époque de Good Arrows, le groupe comptait six membres (Mike Lindsay, guitares, Sam Genders, guitares et chant, Martin Smith, claviers, Phil Winter, basse, Ashley Bates, guitare espagnole, chant et Becky Jacobs, chant).

Donc, si on écoute bien “Take” (ainsi que le reste de l’album), on prend conscience que ce fameux “folktronica” est composé de beaucoup de folk, d’un peu d’électronique (pas beaucoup, en fait) et d’une multitude de sons qui appartiennent beaucoup plus au domaine des instruments-qui-n’en-sont-pas : clochettes, jouets musicaux, tuyaux divers, coquillages, mélodicas, percussions sur des supports variés, bref, du bricolage. Mais c’est justement ce bricolage qui fait toute l’originalité de Tunng, qui lui donne son humanité, son apparente naïveté, cette impression de candeur, d’enfance, en tout cas de gens qui ne se prennent pas au sérieux. Cela pourrait rester anecdotique s’il n’y avait un vrai travail de composition, une recherche mélodique bien aboutie. J’ai pu me rendre compte de la qualité de tout cet ensemble lors du concert que Tunng avait donné à Paris le 21 février 2008. Sam Genders avait quitté le groupe et les temps commençaient à être difficiles pour Tunng dont les disques suivants allaient être dispensables. Au moment où j’écris (août 2018) le prochain disque est annoncé et on parle d’une résurrection du groupe correspondant, semble-t-il au retour de Genders. Nous verrons bien.

Je vous ai déjà parlé de Meg Baird, à propos de son travail avec Heron Oblivion*. L’Américaine a une carrière, et sans doute un agenda, bien remplis, car, outre Heron Oblivion, elle a été membre du magnifique Espers, elle chante avec sa sœur, Laura, dans un groupe qui se nomme ─ évidemment ─ The Baird Sisters, elle joue de la batterie dans un groupe punk, Watery Love (connais pas). Elle poursuit également une carrière solo, et c’est le premier album de celle-ci sur lequel je vais aujourd’hui me pencher, Dear Companion.

C’est, paradoxalement, à des chanteuses britanniques, que me fait penser cette jeune femme, pourtant originaire du New Jersey. Ce sont, en effet, les noms de Jacqui McShee ou de Sandy Denny** qui me viennent à l’esprit quand j’écoute Dear Companion, d’autant plus que “Willie O’ Winsbury” est une ballade écossaise du XVIIIème siècle, que l’on trouve dans cet ouvrage dont je vous ai parlé à plusieurs reprises, Child Ballads***, source d’un magnifique album d’Anaïs Mitchell et Jefferson Hamer****.

Puisque j’en suis à mes rencontres avec “Willie O’ Winsbury”, Sandy Denny en donne une adaptation un peu libre sur le Liege & Lief (1969) de Fairport Convention, sous le titre “Farewell, Farewell”, Jacqui McShee, avec Pentangle, est non moins admirable (album Solomon’s Seal, de 1972), de même qu’Anne Briggs (Anne Briggs – 1971), et, chez les hommes, bien sûr, Richard Thompson. Il existe des dizaines de versions sur le Net, et chacune d’entre elles mérite d’être écoutée.

Mais, pour en revenir à Meg Baird, elle n’a aucunement à rougir de se retrouver au sein de cet aréopage très relevé, et sa version de “Willie O’ Winsbury”, sa voix magnifique et une guitare acoustique (selon l’arrangement, est-il précisé, de Sheila Kay Adams) dont elle joue superbement, est un vrai enchantement.

*Voir “Beneath Fields”.

**Voir les différentes chroniques que j’ai consacrées à Sandy.

*** Francis James Child publia ces cinq volumes, The English and Scottish Popular Ballads, entre 1882 et 1898. “Willie O’ Winsbury” est la “Child 100”. Je vous laisserai découvrir la jolie histoire de prince et de princesse dont il s’agit.

****Voir mes différentes chroniques consacrées à cet album, qui débute justement par “Willie Of Winsbury”.

La redécouverte de ce disque de Faris Nourallah* ─ je n’avais pas réécouté Gone depuis une dizaine d’années ─ m’a donné l’envie de vous présenter une seconde chanson figurant sur cet album.

“The Rope”, c’est toujours Faris, tout seul, son sens suprême des mélodies qui font les chansons pop imparables, ses guitares et son petit synthétiseur, vers la fin. C’est aussi une science très fine des harmonies vocales, et, au total, une chanson qui reste plus longtemps dans nos mémoires que les innombrables “scies” dont nous abreuve la radio.

Cela dit, à force de m’intéresser aux microscopiques artisans qui travaillent dans leur home-studio sans jamais passer sur scène, je me heurte (et vous, avec) à ce fait qu’il est impossible de dénicher “The Rope” sur YouTube*, ce qui implique qu’il vous faudra passer par les plateformes de téléchargement ou le streaming pour faire connaissance avec cette chanson. En tout cas mon exemplaire du cd Gone n’est pas à vendre !

*ce qui était vrai il y a quelques mois, quand j’ai écrit cette page, ne l’est plus aujourd’hui (novembre 2018) et sera peut-être encore remis en question au moment de la publication (janvier 2019). YouTube !