Fredo Viola est un musicien et vidéaste, né à Londres, travaillant aux USA, et dont le premier album The Turn, débute par cette chanson-titre.

C’est la voix qui est au centre des préoccupations esthétiques de Fredo Viola, une voix qu’il démultiplie, comme s’il voulait être les Beach Boys à lui tout seul, une voix qu’il habille d’arrangements électroniques ─ c’est encore plus évident dans les plages suivantes du disque ─ qui ont le bon goût de ne jamais trahir la manière résolument pop de ces chansons.

Les voix, souvent ornées d’onomatopées, suggèrent des enluminures qui construisent une pop baroque, que certains trouveront un peu surchargée ; cependant, F. Viola fait preuve d’une maîtrise dans les arrangements et la production, dont il se charge lui-même, qui lui permet de se sortir habilement des pièges qu’il se tend.

Tout cela fait de The Turn un album qui ne ressemblait à aucun autre au cours de cet automne 2008, avec une idée directrice tenue très fermement, qui lui confère un son et une homogénéité remarquables. L’album cd était accompagné d’un DVD qui rassemblait quelques vidéos que Fredo Viola avait réalisées pour illustrer ces chansons.

Tout cela me fait regretter de n’avoir pas pris la peine de m’intéresser à la suite de la carrière de cet artiste, mais il n’est sans doute pas trop tard pour rendre hommage à cette musique dont la fraîcheur reste inaltérée, 10 ans plus tard.

Superior est le 3ème album studio du Danois Tim Christensen, enregistré à Copenhague. Vous connaissez déjà*mon intérêt pour Tim, et mon admiration pour ses qualités vocales, qui en font l’un des plus grands chanteurs actuels, toutes régions du monde confondues.

C’est également un auteur-compositeur de talent, responsable de l’écriture de toutes les chansons du disque, et un instrumentiste inspiré.

“Follow My Lead” que j’ai choisie pour illustrer mes assertions se distingue par un petit riff de guitare que Tim choisit d’interpréter sur une guitare baryton**, ce qui me paraît être une option très judicieuse, qui donne tout son caractère à la chanson. Bien sûr, il y a la voix de Tim, souveraine, et ne possédant pas ce caractère démonstratif et quasiment “sportif” (Qui a la voix la plus puissante ? Qui a la tessiture la plus étendue ?) qui m’horripile franchement.

Il y a également une qualité très précieuse chez Tim Christensen : c’est un très grand fan des Beatles, et sans doute de Paul McCartney. Si vous voulez faire connaissance avec les reprises les plus réussies du répertoire des Fab Four, allez fureter sur les plateformes vidéo avec les mots-clés “Christensen” et “Beatles”. Vous risquez d’y passer la journée !

*voir ma chronique de “Wiser”.

**une guitare baryton possède un manche plus long que les autres guitares permettant un accordage plus grave d’au moins une quarte, voire une octave.

Quand on aime, on ne compte pas. Voici donc la chanson-titre de cet album, que l’on retrouve, vous l’avez compris, sur Sketches.

Cependant, il s’agit d’une chanson plus ancienne, que je connaissais pour l’avoir entendue sur un album enregistré en public par Ane (le 13 septembre 2006, en Norvège, pour cette chanson), Live In Scandinavia.

Il y a peu de différences entre ces différentes versions, d’autant que sur Live In Scandinavia, c’était également Nina Kinert qui était choriste. Mais il est vrai que la perfection n’appelle aucun changement. Cela étant écrit, je dois vous avouer que j’ai rencontré quelques rares personnes qui n’aiment pas le timbre vocal d’Ane Brun ; ce soprano très pur, très transparent, très cristallin leur paraît dépourvu de charge émotionnelle. Ce n’est absolument pas mon opinion, mais c’était simplement pour vous rappeler que tous les goûts sont dans la nature. Et qu’ils sont tous respectables.

“The Puzzle” est une autre chanson de Changing Of The Seasons, et, par conséquent, une de celles que l’on retrouve sur Sketches*. Sachez également qu’Ane l’interprète sur le Live At Stockholm Concert Hall, et qu’on la retrouve sur la compilation de 2013, Songs 2003-2013 ; et, outre la vidéo que je fournis en lien, vous trouverez sur YouTube d’excellentes interprétations en public de “The Puzzle”.

Pour Changing Of The Seasons, Ane avait travaillé avec un nouveau producteur qu’elle ne connaissait pas, Valgeir Sigurdsson, et elle lui avait envoyé les maquettes rassemblées ensuite dans Sketches.

Dans la version Sketches, Ane s’accompagne à la guitare, et fait elle-même les très belles partie chorales. La version Changing Of The Seasons bénéficie de l’apport d’un orchestre électrique, d’un marimba, de cordes, et ce sont les voix de Nina Kinert et de Rachel Davies que l’on entend, derrière Ane. Je ne sais pas quelle version aura votre préférence, mais personnellement, je les prends toutes, tant Ane Brun porte à un niveau rarement atteint l’art de vous déchirer le cœur avec une chanson.

*Voir “The Treehouse Song”, et, cette semaine, “Changing Of The Seasons”.

Metronomy, j’en ai eu assez après l’album qui a suivi ce Nights Out prometteur, qui était, je crois, leur deuxième album. Mais pendant un temps, j’ai bien aimé cette pop sautillante mâtinée d’électronique, concoctée par Joseph Mount et ses copains, dans un coin du Devon (Angleterre). Et puis, le clip vidéo était plutôt sympa, avec cette virée automobile de 3 amis dont l’un vient de subir un chagrin d’amour.

La musique donne l’impression d’avoir été enregistrée sur des instruments-jouets, avec cette guitare basse en équilibre sur la batterie, ces sons de claviers aigrelets, ce saxophone baryton, toute cette ambiance qu’on dirait bricolée, mais dont je suis certain que tous les éléments ont été longuement soupesés, avec tout le professionnalisme nécessaire. Cela confère à l’ensemble une fraîcheur et une bonne humeur, une naïveté ─ de la même façon que l’on parle de peinture naïve ─ qui étaient tout à fait bienvenues. Et “Heartbreaker” a été un grand succès.

Il existait, il existe toujours, un groupe anglais nommé Field Music. En 2008, profitant d’une mise en sommeil temporaire du groupe, trois des musiciens de FM, menés par Peter Brewis, enregistrèrent un album sous le nom de The Week That Was.

Le projet, qui n’avait pas vocation à se renouveler, comprenait donc une douzaine de musiciens et musiciennes, dont David Brewis (frère du leader) et Andrew Moore de Field Music, et eut un impact important, du fait de la réussite artistique de The Week That Was. Deux “singles” furent édités, dont ce “Scratch The Surface”.

J’aime beaucoup cette chanson, car on y retrouve l’influence de XTC, ce qui ne saurait me déplaire, mais l’ensemble de l’album est d’un grand intérêt, avec beaucoup d’arrangements de cordes très réussis, et une qualité d’écriture globale qui en fait l’un des grands disques de cette année-là.

Ma Norvégienne préférée !* Comme vous le savez déjà, Ane avait édité, cette année-là, deux albums, Changing Of The Seasons, et Sketches, ce dernier rassemblant les maquettes de travail de l’album définitif.

Les deux albums débutent avec la même chanson, “The Treehouse Song”, et on pourra préférer l’une ou l’autre version, suivant son humeur, la maquette étant d’une qualité hors de tout reproche.

Le texte de la chanson évoque les temps heureux et les projets d’un couple dont on comprend qu’il n’existe plus. Rien de révolutionnaire dans cette gentille mélodie où Ane s’accompagne à la guitare, et chantée par toute autre qu’elle on pourrait frôler la banalité. Mais sa voix au timbre exceptionnel transcende cet écueil et nous transporte, avec elle dans cette “maison dans les arbres où ils vivraient et auraient des bébés”.

La version de Sketches nous met, on devait s’y attendre, en présence de la guitare et de la voix de l’artiste, alors que la version de Changing Of The Seasons ajoute une contrebasse, des chœurs féminins, etc. Quoique la production de Valgeir Sigurdsson soit discrète et réussie, j’ai une petite préférence pour la maquette !

*Voir mes chroniques : “Rubber And Soul”, “Balloon Ranger”, “Lullaby For Grown-Ups”, “Raise My Head”.

Je crois que c’est avec cette chanson que je suis véritablement tombé “amoureux” d’Anna Ternheim. Les guillemets sont de rigueur car cet amour est artistique, musical, émotionnel, peut-être teinté de sensualité, mais exempt de tout désir sexuel, tant la blonde Suédoise m’apporte du bonheur par la seule magie de son timbre de voix et de ses superbes compositions.

“Black Sunday Afternoon” est une chanson sombre, chantée par Anna d’une voix blanche et impérieuse. Elle clôt son quatrième (ou troisième) album, Leaving On A Mayday, produit par Björn Yttling. Je crois, sans en être certain*, qu’elle fait référence à ce qu’on a appelé, aux USA, le “Black Sunday”. Il s’agit de ce Dimanche 14 avril 1935 au cours duquel une gigantesque tempête de sable s’étirant sur près de 1 500km frappa les High Plains de l’Oklahoma et du Texas dévastant tout sur son passage, et plongeant ces régions dans une obscurité impénétrable.

Quoi qu’il en soit, on découvrait avec cette chanson (et avec tout Leaving On A Mayday) une autre facette de la Suédoise, plus dépouillée, plus rude, capable de pervertir (pour la meilleure cause) l’idiome folk traditionnel. J’ai appris, depuis, qu’Anna est une grande admiratrice de Nick Cave, et, effectivement, on ne la voyait pas chanter des bluettes toute sa vie !

CREME

*Je vous en prie, si mon interprétation n’est pas la bonne, ne me laissez pas dans l’ignorance !

Ce Treasury Library Canada est tellement charmant ─ et c’est la même chose pour les 4 ou 5 autres albums de Woodpigeon que je connais ─ que je ne vais pas résister au plaisir de vous présenter une troisième chanson de cet album.

D’autant que la chanson commence, ce n’est pas banal, par des cors, lesquels précèdent l’entrée de la douce voix de Mark Andrew Hamilton sur un picking de guitare. La parenté de sa voix avec celle de Sam Beam (d’Iron & Wine) est assez étonnante. Mais bientôt cette petite ballade est transfigurée par la science des arrangements de son auteur. C’est ainsi qu’une voix féminine vient harmoniser à côté de Mark Andrew, rejointe par les cors ; cela donne une ampleur étonnante à “7th Fret Over Andres”, qui, par ailleurs bénéficie d’une évidente mélodie, dont vous savez depuis longtemps qu’il s’agit, pour moi, de l’indispensable colonne vertébrale d’une chanson.

On vit apparaître Woodpigeon en 2006, groupe formé à Calgary (Alberta) autour de Mark Andrew Hamilton, auteur, compositeur et interprète de chansons bien rattachées à l’idiome folk, mais suffisamment personnelles pour que l’on déplore la disparition récente du groupe, probablement dépité par l’absence de succès (air connu).

Mais pendant cette décennie, Woodpigeon a produit six albums en studio, et un nombre encore plus élevé de EPs (que je ne connais malheureusement pas tous).

Lors de l’enregistrement du premier album du groupe en 2006, Songbook, furent enregistrées un grand nombre de chansons qui ne figurèrent pas toutes sur celui-ci ; Treasury Library Canada, le deuxième album, auto-édité en 2008, et ayant bénéficié d’une sortie commerciale en 2009, rassemble la plupart d’entre elles, et, croyez-moi, il ne s’agit pas de banales chutes de studio !

Sept musiciens et musiciennes (sans compter les intervenants ponctuels) accompagnaient M. A. Hamilton, à cette époque, et ceux qui ont eu la chance d’assister au concert qu’ils ont donné à Paris en février 2009 ont pu mesurer l’importance de Woodpigeon.

Par exemple, avec cette chanson, “Bad News Brown”, toute en cordes, clochettes et délicatesse, une petite dentelle folk que je vous laisse apprécier, justement dans cette interprétation au Point Éphémère.

Est-ce l’influence de Sufjan Stevens qui a conduit Woodpigeon à nous proposer ce (joli) titre à rallonge pour cette ─ non moins jolie ─ chanson ?

Quoi qu’il en soit, fidèle à mon projet visant à sortir de l’oubli un certain nombre d’œuvres injustement négligées, c’est un autre titre de Treasury Library Canada que j’exhume.

Oh, rien de révolutionnaire dans cette petite chanson qu’on doit encore à la plume de Mark Andrew Hamilton, et on peut s’amuser*à relever diverses influences (Neil Young, Sufjan Stevens, Crowded House, Iron & Wine…), toutes d’excellente qualité, mais la mélodie est de celles que l’on n’oublie pas ; les sept musiciens (au sein desquels on peut quand même relever la présence de quatre musiciennes ; c’est suffisamment rare pour être salué) autorisent une instrumentation riche (clarinette, flûte, violon, banjo, glockenspiel, etc.) qui contribue pour beaucoup à l’originalité du groupe. Mineur mais essentiel.

*En fait, l’exercice m’amuse modérément, car j’ai l’impression qu’une bonne partie de la critique actuelle, dans le domaine musical, consiste simplement à relever la somme des diverses influences présentes. Cela traduit, à l’évidence, la culture musicale de l’auteur de la dite critique, mais certainement pas ce que l’œuvre peut apporter de nouveau ou de personnel.

Ce n’est pas la première fois que la même chanson apparaît dans mon blog sous une forme un peu différente. Mais il faut donc que vous vous reportiez à ce que j’écrivais à propos de “San Geronimo”, dans la version initiale, c’est-à-dire celle chantée par le jeune Mark Kozelek au sein des Red House Painters sur leur album Ocean Beach.(1995)

Il n’est donc pas inintéressant de voir ce que la chanson est devenue, 13 ans plus tard, telle qu’elle apparaît sur le cd 7 Songs Belfast, enregistré pour l’essentiel au Blackbox de Belfast le 4 novembre 2007. Mark y est accompagné par Phil Carney.

Je l’avais déjà dit clairement, Mark, jeune, avec les RHP, est au sommet. Non pas que la jeunesse soit une qualité intrinsèque qui donnerait à son possesseur une supériorité ou une pertinence, impossibles à retrouver par la suite, mais il est un fait que, surtout dans le rock n’ roll, l’urgence, la frustration, la morgue, la colère ont tendance à diminuer d’intensité avec les années, et que ces sentiments, propres à la jeunesse, nourrissent les musiques auxquelles je m’intéresse.

Écoutez donc “San Geronimo” sur 7 Songs Belfast (ou sur le Find Me, Ruben Olivares paru l’année suivante) et vous y entendrez un Kozelek mûri, sans doute apaisé, rassuré, ayant conservé son acuité, mais moins disposé à mordre ou à cracher son venin. Ce n’est pas, artistiquement, “moins bien”, ça dit juste les choses d’une manière très différente, avec une nostalgie plus marquée, avec une tendresse plus grande, avec une fatigue un peu palpable. L’apparition des premières rides peut avoir beaucoup de charme. Je vous laisse décider.