À l’occasion de la sortie de leur premier album, Dead & Born & Grown, je vous avais exprimé mon admiration pour les sœurs Staveley-Taylor, trois Anglaises de Watford, qui font carrière sous le nom de The Staves.*

Je les avais rapprochées d’un autre trio de chanteuses, américaines, celles-là, The Wailin’ Jennys, leur assignant ainsi un positionnement folk bien défini, guitares acoustiques et harmonies vocales.

Mais Camilla, Jessica et Emily avaient, semble-t-il, d’autres ambitions, que l’on pouvait déjà percevoir à la faveur de la parution d’un EP, l’année précédente, Blood I Bleed, produit par Justin Vernon, que la plupart d’entre vous connaissent sous le nom de Bon Iver.

C’est la raison pour laquelle le trio s’est retrouvé dans le studio de Justin, à Eau Claire, dans le Wisconsin, afin d’enregistrer If I Was, leur deuxième album.**

La magie de la rencontre des trois voix est toujours là, au service de chansons le plus souvent écrites par les trois sœurs, mais, ce qui est nouveau, l’instrumentation s’est développée dans de grandes proportions, n’hésitant pas à accueillir des instruments aussi éloignés de l’univers habituel des Staves que les synthétiseurs.

J’en veux pour preuve cette très belle chanson, “Steady”, sortie en “single” quelques mois avant l’album, et illustrée par un clip dont je vous recommande le visionnage.

Camilla, Jessica et Emily nous enchantent de leurs voix, sur une ligne de guitare acoustique assurée par Camilla et Robert Moore. Jessica joue de la guitare électrique***; des percussions sont entre les mains de Camilla, Emily, Zach Hanson, Matthew McCaugham, batteur habituel de Bon Iver ; la basse est due à Bradley Cook, la batterie à Matthew, et les synthétiseurs reviennent à Justin Vernon, dont il faut souligner la qualité de la production, claire et légère.

C’est un pas très positif pour les Staves, qui confirment, avec le temps, leur talent et leur maîtrise, l’une des meilleures choses qui soient arrivées à la musique, ces dernières années.

*Voir ma chronique de “The Motherlode”.

**Beaucoup de neige et de froid, comme on peut le voir sur la pochette de l’album.

***Vous trouverez, sur Internet, un petit film documentaire à propos de l’enregistrement d’If I Was.

Mes lecteurs les plus attentifs sont déjà en train de se poser une question : « Pour quelle raison, OldClaude, qui explore méthodiquement chaque décennie en suivant un ordre chronologique, repart-il vers le passé en nous présentant une chanson parue en 2010, alors que la semaine dernière, son sujet concernait une chanson de 2012 ?»

C’est très simple ; j’ai découvert, l’année dernière, le groupe texan, Shearwater, en me procurant leur album “Jet Plane And Oxbow”, qui était, tout de même leur dixième album studio ; j’ai immédiatement beaucoup apprécié cet album, sur lequel je reviendrai, au point que, lorsque j’ai pu avoir accès aux albums plus anciens, je n’ai pas hésité, et je suis capable de dire, aujourd’hui, que Shearwater fait partie de mes groupes préférés !

Et donc, en 2010, Shearwater a publié son 6ème album, “The Golden Archipelago”, produit par le groupe et John Congleton, avec cette chanson, “Missing Islands”.

Shearwater s’est formé en 2001, à Austin (TX), à la suite de la collaboration de 2 membres d’Okkervil River, Jonathan Meiburg et Will Sheff, bientôt rejoints par Kim Burke, l’ex-épouse de Meiburg (basse) et Thor Harris (batterie), puis par le multi-instrumentaliste Howard Draper. Will Sheff quitte le groupe en 2005.

Ce qui frappe, quand on entend pour la première fois Shearwater, c’est l’intensité mélodramatique de la voix de Jonathan Meiburg, son lyrisme. Je ne peux m’empêcher d’évoquer Mark Hollis, chanteur de Talk Talk, dont Meiburg est un héritier très plausible.

Shearwater allie avec une science incomparable la grâce d’une chanson, et ce qu’il peut y avoir de grandiose dans celle-ci. Et ces deux pôles opposés arrivent à s’harmoniser pour former cette signature stylistique qu’on retrouve dans toute l’œuvre de Shearwater.

Preuve en est, donc, ce “Missing Islands”, dernière chanson de l’album, et, il faut le reconnaître, assez différente des autres, dans laquelle Jonathan accompagne au piano une très belle mélodie, qui, comme chez Mark Hollis laisse beaucoup de place aux silences. L’intervention de cordes (synthétiques) lui donne encore plus de profondeur. Je le redis, ce groupe est, pour moi, une révélation.

Nous avons (ou peut-être, avions-nous, car depuis la sortie de cet album, je n’ai pas beaucoup entendu parler de lui), en France, un garçon qui soutient largement la comparaison avec les plus grandes voix de la musique anglo-saxonne d’aujourd’hui. Je veux parler du parisien Jonathan Morali, auteur de 4 ou 5 albums, sous le nom de Syd Matters, choisi afin de bien marquer sa filiation avec le fondateur des Pink Floyd.

“Brotherocean” est donc le dernier album répertorié de Syd Matters (dont il convient de citer les autres musiciens, Jean-Yves Lozac’h, Olivier Marguerit, Rémi Alexandre et Clément Carle), et est splendide, du début à la fin.

“Lost” que j’ai choisi de mettre en avant, ne respecte pas l’alternance couplets-refrain, et c’est tant mieux, tant cela reflète la maîtrise formelle de Morali, sa science des climats, de la mélodie, des ambiances cotonneuses dans lesquelles on aimerait se lover sans voir passer le temps, des arpèges de guitare hérités de Nick Drake, de la flûte d’Olivier, des claviers debussyens, du chant doux et alangui de Jonathan, des chœurs murmurés de ses amis et amies, des petites électroniques qu’on dirait acoustiques, tant elles sont humaines, de la batterie qui caresse au lieu de frapper.

Syd Matters ou la grâce.

Je suis tellement passionné par The Milk And Honey Band que je reviens à ce “In Colour”, avec ce qui est peut-être la plus belle chanson de ce disque. Et puis, comme TM&HB a largement gagné le titre de Meilleur Groupe Inconnu de ce Siècle, sachez que les chansons de In Colour ont été enregistrées en même temps que celles de “Dog Eared Moonlight”, leur 4ème album de 2009, dont je vous parlerai abondamment, bien évidemment.
Cette chanson me plonge dans une béatitude dont je vais avoir du mal à sortir d’autant que fidèle à ma technique d’écriture, je l’écoute en boucle ininterrompue, tout en écrivant.
Il s’agit peut-être d’une piste de réflexion : plus ou moins consciemment TM&HB explore l’une des fonctions de la musique que je pourrais qualifier d'”hypnotique”, qui vise à plonger l’auditeur dans cet état de béatitude dont je parlais au paragraphe précédent : la trame mélodique, la dynamique se placent entre des limites assez étroites, pas d’acrobaties ! On perçoit une note de basse fondamentale, tenue tout au long du morceau, que j’assimilerais à un “bourdon”. L’accent est mis sur une répétitivité rassurante et bienfaisante obtenue justement avec cette économie de moyens parfaitement contrôlée. Il n’y a pas, dans ces affirmations -qui peuvent prêter à discussion et qui mériteraient d’être étayées de façon plus solide- de quelconque critique de ma part, car je suis assez admiratif pour cette façon d’obtenir beaucoup avec peu. C’est même, à mon avis, la marque des plus grands, ce qui fait que, plus j’écoute “High Wire”, plus j’ai envie de l’écouter.

Il y a de fortes chances que vous ne connaissiez pas The Milk And Honey Band, et il est encore plus probable que le “In Colour” d’où est tirée cette chanson, et qui est le chant du cygne de TM&HB vous soit inaccessible. Le disque n’a existé qu’en téléchargement, mais sachez ami(e) lecteur ou lectrice que je suis l’heureux possesseur de l’un des 300 exemplaires cd de promotion…
Si on regarde Wikipédia, on voit d’abord que TM&HB est la créature d’un musicien anglais, Robert White, et que “la musique du Milk And Honey Band est un mélange de rock psychédélique pastoral anglais, de pop acoustique accessible (sic), de rock spatial (re-sic), avec une utilisation importante de guitares acoustiques, des harmonies vocales relevées, et une guitare solo mélodique, ainsi qu’une production atmosphérique”. On relève les influences des Moody Blues, des Who, des La’s, de David Gray, de Crowded House, d’Elliott Smith, de Ron Sexsmith, de Nick Drake, de Teenage Fanclub, de XTC (normal !, TM&HB a été édité chez Ape Records, le label d’Andy Partridge), des Beach Boys, des Beatles. Que du beau monde. J’ajouterais, personnellement, que l'”héritier” de Robert White s’appelle Dan Carney, c’est-à-dire Astronauts, mais ceci est une autre histoire.
Tout ça pour vous dire que jamais groupe pop n’a mieux porté son nom que The Milk And Honey Band, car ses chansons sont faites uniquement de lait et de miel, et que je peux boire ce mélange sans jamais m’arrêter, tellement il est doux, rassurant, tellement il se rapproche de quelque chose qui va guérir tous nos maux, toutes nos petites douleurs, nous ouvrant ainsi, comme seul les grands artistes savent le faire, le territoire d’une enfance ainsi retrouvée.

Dans une récente chronique je vous avais exprimé mon admiration pour “All The Delighted People”. C’était en fait le brouillon du nouvel album, qui allait arriver moins de 2 mois plus tard : The Age Of Adz (6ème album, si je compte bien).
Car, avec encore plus de force que d’habitude, je renonce à envisager de ne vous entretenir que de Vesuvius, ou de n’importe quelle autre des 11 chansons qui forment TAOA.
Il n’y a pas de chansons sur TAOA.
Il y a une œuvre en 11 parties, qui commence (Futile Devices) et qui finit dans la sérénité (les 3 dernières minutes d’Impossible Soul) et qui explore les voies de la psyché de Sufjan, lequel s’identifie au peintre schizophrène Royal Robertson, auteur des œuvres qui illustrent la pochette et le livret du disque. Qu’on se souvienne, à ce propos, de la facilité avec laquelle Sufjan peut s’identifier à de multiples personnalités comme lorsque, dans “John Wayne Gacy Jr”, il avoue : “I am really just like him”
Il faut simplement rappeler, pour bien comprendre la problématique de Stevens que, d’une part, le dernier album édité avant TAOA (si l’on excepte le EP cité plus haut) était le diptyque Illinois-The Avalanche, qui datait de 4 ou 5 ans, et, d’autre part, qu’il venait de surmonter une longue maladie virale ayant affecté son système nerveux. C’est la raison pour laquelle cette musique est si physique, et pour moi, qui ai eu le bonheur d’assister à l’un des concerts de la tournée TAOA, je peux vous assurer que ça ressemblait visuellement à un mélange de Michael Jackson et du film de Walt Disney, “Tron”, sublimé par le génie singulier de S. Stevens.
Qu’y a-t-il entre “Too Much” et la 22ème minute d'”Impossible Soul”, entre ces 2 plages de sérénité ? Il y a du bruit et du chaos, mais qui forment pourtant l’une des plus belles musiques, l’une des plus authentiques et personnelles qu’on puisse entendre au XXIème siècle.
Il faut, bien entendu, pénétrer ce maelström, l’apprivoiser, dompter sa propre peur à se confronter au Ça (comme disent les psychanalystes) de Stevens. Cela nécessite, je ne vous le cache pas, des écoutes répétées de ce disque, et, si possible, au casque, afin que ce chaos trouve enfin, dans votre tête son organisation, sa logique, sa rigueur. Vous l’avez compris, le chaos et le bruit n’existent que pour ceux qui regardent ça d’un peu trop loin ; de près, tout est parfaitement organisé, cohérent ; presque du Jean-Sébastien Bach…
Abordons la 8ème partie de l’œuvre : Vesuvius. D’abord, je vais évacuer la question de la signification : rien n’est descriptif ou évocateur d’une quelconque réalité dans les textes de cet album ; il ne s’agit que d’une fenêtre ouverte sur le monde intérieur de Stevens, et il n’y a pas d’autres règles ici que la polysémie et le jeu avec les signifiants. Il me semble, par exemple, que Vesuvius a été choisi parce qu’il présente une homophonie intéressante avec Sufjan quand les paroles sont chantées, et le glissement d’un mot à l’autre est l’un des moments forts de ce texte.
Le piano introduit la mélodie, reprise par Sufjan et les chœurs, mais, tout de suite, derrière, on entend d’autres chœurs, littéralement fous. Tout est immédiatement parasité, comme par un délire envahissant, caractéristique de la coupure schizophrénique, l’électronique se déploie en rhizome. Ce que je veux dire, c’est que, pour la première fois, dans l’histoire de la Musique, un artiste à réussi à créer une musique qui évoque et dépeint la psychose comme jamais personne ne l’a fait précédemment, une musique angoissée mais belle, convulsive, comme André Breton le voulait. Quant à cette identification à Royal Robertson, qui est la clé pour comprendre cette musique, elle est aussi la preuve que, Sufjan Stevens, ayant probablement côtoyé les contreforts de la schizophrénie, a trouvé dans l’écriture et la réalisation de TAOA, les moyens d’échapper à la maladie mentale, en projetant dans cette œuvre toute la pathologie qui l’habitait, et qui, à terme, pouvait étouffer sa créativité. Y a-t-il un plus bel exemple d’art-thérapie dans la musique moderne ?
The Age Of Adz est l’un des milliers de disques de ma discothèque, mais l’un des dix que je sauverais, s’il fallait n’en sauver que ce nombre. Un chef-d’œuvre.

Cette chanteuse danoise a été révélée avec un 1er album, “Philarmonics”, sur lequel apparaît ce si joli titre.
La mélodie, d’une évidence enfantine (ce qui est une qualité revendiquée par Mlle Obel), et amenée par un piano qui n’a pas oublié Erik Satie, se déroule tout au long de la chanson, énoncée par la voix très personnelle, mais d’une grande sensualité, de la chanteuse.
Le refrain voit se déployer des chœurs, assurés par Agnes elle-même, très étudiés et d’une grande élégance.
On pense à Elliott Smith, dont elle reprend, en public, le “Between The Bars”, et on salue cette entreprise qui fait, pour une fois, se rencontrer une pop délicate et sophistiquée, avec une reconnaissance publique extrêmement large, et tout à fait méritée.

On va me dire : mais, c’est la 3ème chanson de Blood/Candy sur laquelle tu écris ! Ne serait-il pas plus simple de faire une critique de l’ensemble de ce disque ? Je répondrais la chose suivante : oui, ce serait plus simple, d’autant que ceux qui me suivent savent bien que ce n’est pas le premier album sur lequel je m’appesantis en écrivant plusieurs chroniques de chansons, et surtout, du fait que je pense que les exemples sont rares d’albums au sein desquels on ne déniche qu’une seule pépite, au milieu d’une dizaine de détritus ; il y a tout de même une relative homogénéité dans la production artistique d’un artiste donné. Et il y a une autre raison, qui ne va, en effet, pas dans le sens de la facilité, et qui, de ce fait, apparaît comme une motivation supplémentaire : la plupart des sites musicaux, connus ou pas, mettent l’accent sur la chronique d’albums, et certains le font parfois très brillamment, avec des connaissances et des références auxquelles je ne saurais prétendre ; tous ces gens-là “prennent de la hauteur”, et c’est très intéressant, d’autant que, lorsque la critique est positive, on achète le cd (voilà une expression qui va être caduque dans quelques années !), et ça fait marcher le commerce. Maintenant, si vous regardez bien, et dans le meilleur des cas, (Pitchfork…) seules une ou deux lignes sont consacrées aux caractéristiques spécifiques de telle ou telle chanson… Eh bien, moi, je ne veux pas élaborer ces critiques que j’appellerais surplombantes, je veux me coltiner avec un objet artistique bien défini, bien caractérisé, et, croyez-moi, je me rends compte qu’il s’agit d’un exercice assez différent, et peut-être plus difficile que la critique de disques habituelle, car je dirais, pour finir, que mes choix me sollicitent personnellement. Voilà un débat qui n’est pas sans intérêt.
Prenez ce “Notion 99”. Je l’avoue, ce n’est pas une chanson majeure de Blood/Candy, et il y a des choses plus intéressantes sur ce cd, que j’ai laissées de côté.
Alors ? Il m’est tout simplement venu à l’idée que Notion 99 avait éveillé mon attention parce que le riff me rappelait celui de … Message In A Bottle, de Police ! Nul doute que je risque, ce faisant, d’être pendu par les pieds par la Brigade du Bon Goût Musical, mais, au point où j’en suis !…

Belle composition de Jon Auer et Ken Stringfellow sur l’album de la renaissance des Posies, Blood/Candy. Et avec cette chanson, on est plutôt du côté “Candy”, avec cette mélodie powerpop qui ne se laisse pas oublier, et qui est sans doute, également le fruit des diverses collaborations de Ken avec Big Star, ainsi qu’avec R.E.M. Ken dit volontiers qu’il s’agit de son album préféré des Posies.
Les deux nouveaux musiciens des Posies, Matt Harris à la basse, et Darius Minwalla à la batterie sont tout à fait à la hauteur, et on admire toujours la façon dont les voix de Ken et Jon se mêlent et se complètent.
Pendant les deux tiers de la chanson, la guitare est toute en retenue, et la tension ainsi créée, qui se résout d’ailleurs vers la fin, installe une ambiance intéressante.

Cette composition de Jon Auer et Ken Stringfellow, les leaders des Posies, figure dans leur très bel album “Blood/Candy”, leur 7ème, enregistré en Espagne.
En effet, ceux qui pensent que les Posies sont un simple groupe de powerpop devraient réviser leur jugement et écouter Blood/Candy. Très brièvement, les Posies, formés en 1988 se sont séparés à la fin des 90’s, pour se reformer en 2005. S’il y a bien un groupe qui peut se dire héritier de Big Star, c’est eux, car il ne faut pas oublier que, de 1993 jusqu’à la mort d’Alex Chilton, en 2010, Auer et Stringfellow ont fait partie de Big Star !
For The Ashes, chantée par J. Auer est une chanson dure, actuelle, évoquant le ghetto, l’espoir, l’ambition. Le piano domine l’orchestration, et For The Ashes est un exemple supplémentaire, s’il en était besoin, que le rock’n’roll, loin d’être une musique “réservée aux jeunes”, gagne en profondeur et en densité lorsque il est créé par un groupe de quadragénaires ayant déjà une relativement longue histoire.

La biographie de cette jeune femme est assez surprenante, et je vous renvoie à Wikipedia pour en découvrir les méandres.
Quoi qu’il en soit, “Tulip” est une remarquable et originale chanson qu’on trouve sur l’album “Hunting My Dress”, l’album qui débute la période “anglaise” de la chanteuse.
Les paroles ne sont pas banales, puisqu’il s’agit de ce qu’on appelle une murder ballad, un homme noyant la femme qu’il aime, car elle en aime un autre.
Jesca chante et joue de la guitare ; une seconde guitare très filtrée et distordue offre un contrepoint très intéressant.
Il existe une autre version de Tulip, qu’on trouve sur son dernier album de 2014, “Undress”, où la seconde voix est assurée par Erika Wennerstrom.

Cahiers de Critiques Musicales

Un Everest. Je veux dire que pour la première fois, dans mes petites chroniques (mais ce n’est sans doute pas la dernière), ça va être difficile, et je ne suis pas certain d’arriver au sommet. 11 minutes et 38 secondes pour cette œuvre qui ouvre le All Delighted People EP (un EP qui dure 1 heure, excusez du peu !), et qui sera suivi, 53 jours plus tard, par la sortie de The Age Of Adz, qui nous confrontera à d’autres sommets, mais c’est une autre histoire.
Je ne sais pas dans quelle catégorie musicale je peux classer ça ; du folk liturgique ? du rock apocalyptique ? de la pop simonienne (obédience Paul Simon, pour des raisons que je vous expliquerai plus tard) ?
Un petit détour, pour un aveu : le XXème siècle a vu émerger quelques génies musicaux qui ont contribué à construire et enrichir la musique que nous aimons ; en général, on s’entend sur les noms de Dylan, Hendrix, Lennon, et vous ajoutez qui vous voulez. J’affirme la chose suivante : le seul génie musical à avoir construit une œuvre digne de celle des Grands Anciens, au XXIème siècle, s’appelle Sufjan Stevens. On ne pourra pas dire que je ne m’engage pas !
Donc, vous qui ne connaissez pas encore All Delighted People (ce titre !!), n’écoutez pas ça à la radio, ou dans votre voiture, ou en lisant un magazine, ou en faisant le ménage, parce qu’un oratorio, ça ne s’écoute pas de cette façon-là.
Là, j’ai écrit un mot qui ne cadre pas avec le registre de la musique populaire. J’ai regardé dans le dictionnaire et j’ai vu qu’un oratorio est une œuvre à caractère religieux, pour voix soliste, chœur et orchestre symphonique. Bingo !
Donc, ça commence, le chœur angélique, et la voix de Sufjan. Il faut que je vous dise : Sufjan n’a pas du tout, mais alors, pas du tout, une voix à chanter de l’opéra. Dans une émission de télévision comme “The Voice”, il serait viré tout de suite. Mais Sufjan a une voix adorable, étranglée, limitée, une voix qui respecte celle des anges qui chantent divinement, derrière, parce qu’il ne peut pas lutter avec ces voix-là, lui qui a une voix si imparfaite, si humaine.
Et puis arrivent la batterie, les cuivres, l’électronique, les cordes, mais, curieusement, on reste dans le domaine de la liturgie, de l’oratorio, en fait. Jamais un orchestre symphonique n’a sonné de cette façon-là, mais je continue à croire fermement qu’il s’agit d’un orchestre symphonique. Quel autre type d’orchestre pourrait nous emmener sur ces hauteurs, nous faire visiter ces vallées (vers la 7ème minute, quand les choses se calment un peu), puis nous faire remonter en suivant la Lumière ? Ah ! ça y est, OldClaude nous fait une crise mystique ! Pas du tout ! Mais pour ceux qui ne le savent pas, Sufjan Stevens est un fervent Chrétien Episcopalien, et All Delighted People est une vision de l’Apocalypse (oratorio !). Lisez les paroles, comme je l’ai fait (j’ai quand même pas tout compris, mes connaissances en christianisme sont limitées), et regardez comment le Chrétien S. Stevens va chercher des mots et des images chez le Juif Paul Simon, plus exactement dans “The Sound Of Silence” : “And the people bowed and prayed”, les mêmes mots dans les 2 oeuvres. “Hello darkness, my old friend”, également. Je laisse les exégètes faire leur travail et réfléchir sur la signification de ces “rencontres”, mais D.ieu, que c’est beau !