Hier encore, je ne connaissais pas ce superbe “Fallen Empires”, d’où est tiré ce bouleversant “This Isn’t Everything You Are”. Et ce matin, après une seule écoute, je savais qu’il fallait absolument que j’écrive un petit mot, pour vous en parler, et pour vous dire à quel point Snow Patrol est un groupe important.

Il s’agit donc d’un groupe irlando-écossais, mené par le chanteur Gary Lightbody, avec Nathan Connolly à la guitare, Paul Wilson à la basse, Jonny Quinn à la batterie. Le clavier, Tom Simpson, a quitté le groupe après l’enregistrement de “Fallen Empires”, leur sixième album.

Si j’ai bien compris, ce “This Isn’t Everything You Are”, évoque 3 connaissances de Gary Lightbody qui ont traversé des périodes très difficiles, et cette chanson est une sorte de message de soutien, pour eux.

La musique se construit suivant un schéma que j’affectionne particulièrement, pour ressembler à une sorte d’hymne, c’est-à-dire que le couplet organise une lente montée vers un refrain dans lequel éclate un chœur au cours duquel le vers-titre revient comme un mantra. On m’objectera que l’écueil contre lequel risque de se fracasser ce genre de musique, est de générer une “musique de stade” opposée à la musique intimiste, que je ne dois pas être le seul à apprécier. Mais je trouve que Snow Patrol, dans ce titre, franchit l’obstacle avec beaucoup de maestria. Il s’agit, certes d’un groupe qui recherche l’appréciation d’un large public, mais il le fait sans trop de concessions à une démarche artistique rigoureuse, et je crois que c’est le point important.

Et puis, si vous n’appréciez pas “This Isn’t Everything You Are”, notez bien que “Fallen Empires” regorge de chansons toutes plus belles les unes que les autres. L’un des albums les plus réussis de 2011.

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*Les musiques sont signées par l’ensemble du groupe, alors que tous les textes sont de la plume de G. Lightbody.

Neal Casal est à la tête d’une œuvre déjà conséquente, puisque “Sweeten The Distance” est déjà son dixième album, alors qu’il était auparavant le guitariste des Cardinals de Ryan Adams. Je ne connais pas l’intégralité de ce qu’il a fait, mais je me suis laissé dire que cet album est l’un de ses plus aboutis. Grâces en soient rendues à la production très fine de Thom Monahan, qui respecte parfaitement la subtilité et la douceur qui émanent de la voix et des compositions de Neal.
Aucune embardée progressiste* ne vient rompre ce disque d’americana qui trouve ses racines dans une tradition qui remonte à Buffalo Springfield, aux Eagles et aux Byrds.
Neal Casal nous dit qu’il a pris son temps pour élaborer ces chansons, et cela s’entend. Tout est donc suave (mais certainement pas mièvre) ici, et en particulier ce “Angel And You’re Mine” qui clôt le disque.
L’orchestration fait la part belle à l’orgue Hammond, et surtout à une pedal steel qui est entre les mains de son partenaire John Graboff. La voix de Neal est douce et chargée d’émotion. Voilà qui me donne très envie de compléter ma connaissance un peu lacunaire de Neal Casal.

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*disque garanti sans synthétiseurs.

J’ai déjà dû vous confier le grand intérêt que je porte à la pop scandinave*. Sur son sommet brille l’incomparable talent de la Suédoise, Anna Ternheim. Vous ne serez donc pas étonné(e) si, à la question de savoir quel est le meilleur album de 2011**, je réponds “The Night Visitor” de la belle Anna. Enregistré à Nashville sous la direction de Matt Sweeney, cet album est d’une beauté absolue, de bout en bout, surtout si vous possédez la version luxe avec le cd “Live On The Porch”, et le DVD.

Et brille d’un éclat particulier ce “Black Light Shines” (Anna à la guitare acoustique, Matt Sweeney, guitare électrique et guitare cordes nylon, Peter Townsend, percussion et Joey Miskulin, accordéon), chanson de séparation amoureuse (comme beaucoup de chansons de Mlle Ternheim, d’ailleurs), valse triste, mélancolie qu’éclaire la voix si pure et si droite d’Anna, libre de tout effet, tranchante comme la douleur et ne cédant à aucun apitoiement. C’est là que j’ai compris que les chansons tristes devaient être chantées comme s’il s’agissait de chansons joyeuses, sous peine de verser dans la mièvrerie et la complaisance.

J’ai passé une bonne partie de l’après-midi à regarder et écouter la dizaine de versions en public de “Black Light Shines” disponibles sur le Net, dont une enregistrée au Rival de Stockholm en 2012, avec une très vieille dame qui reprend le refrain avec elle (sa mère ?), et celle enregistrée le 23 février 2012 au Café de la Danse, à Paris, où j’étais à deux mètres d’elle…

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*voir ma chronique de “Have You Ever Said Goodbye ?”

**en fait, je l’ai classé meilleur album de 2012, car il est arrivé en France en janvier ; et puis, en 2011, il y avait de la concurrence (Bon Iver); en 2012, je vous assure, rien du tout !

Lorsque j’ai entendu pour la première fois cette chanson, j’ai dressé l’oreille, car j’aimais bien l’ambiance qui s’en dégageait ; n’ayant jamais entendu parler de Jamie N Commons, j’imaginais un Américain de la Bible Belt, d’autant que les paroles content la fin tragique de la femme d’un prêcheur, bref, une murder-ballad à la Nick Cave par un chanteur réalisant un croisement assez réussi entre Steve Earle et David Eugene Edwards.

En regardant le clip vidéo, et en furetant un peu, je me suis aperçu qu’il s’agissait, en fait, d’un blanc-bec de 22 ans, citoyen britannique de surcroît (quoiqu’il ait passé une partie de sa jeunesse à Chicago) !

Cela ne retire rien à la qualité de la chanson, que l’on trouve donc sur le 1er EP du chanteur, “The Baron”, même si ça en diminue nettement l’authenticité. Mais, après tout est-il indispensable d’être Indien pour jouer du sitar, ou Noir pour chanter le blues ? Non, évidemment ! Il n’empêche que je n’ai pas tellement suivi la carrière de Jamie, après cette première réussite, mais avec une chanson comme celle-là, on peut estimer qu’il a sa place parmi les meilleurs, n’est-ce-pas ?

Ce n’est pas la première fois que je prétends qu’après les USA et le Royaume-Uni, la Scandinavie est la 3ème terre du rock et de la pop*.

C’est vers le Danemark que je me tourne aujourd’hui, pour vous présenter une chanson du dernier album, à ce jour, du natif de Copenhague, Tim Christensen, qui, pour la première fois, s’entoure d’un groupe, The Damn Crystals (Lars Skjærbæk à la guitare, Søren Koch à la basse, Christoffer Møller aux claviers, et Jesper Lind à la batterie).

Tim compose, joue de la guitare, produit et chante, et je voudrais ici insister sur la qualité de son chant qui en fait l’un des meilleurs que le rock nous ait donné, toutes époques et lieux confondus.

Témoin ce “Wiser”, emmené par les arpèges d’une guitare acoustique, et par une grosse caisse qui ponctue consciencieusement chaque temps. Cela dit, tous les Damn Crystals sont là et bien là, d’autant plus que l’ensemble du groupe, qui accompagnait Tim de façon anonyme depuis 5 ans, est, conjointement avec ce dernier, responsable des arrangements, ce qui donne à l’ensemble une tonalité rock bien plus marquée que dans les 3 premiers albums. Les instruments ont même tendance, tout au moins dans cette chanson, à saturer l’espace sonore, témoin le long passage instrumental qui termine la chanson, comme si le groupe cherchait à faire revivre le “wall of sound” cher à Phil Spector.

De tout cela, il faut bien admettre que l’écho, en dehors des pays du nord de l’Europe, s’en est assez peu fait sentir, ce qui est dommage. Je ne crois pas par exemple, que Tim Christensen ait jamais été invité à chanter sur une scène française. Il nous reste les disques, et quelques plateformes de vidéos, pour nous consoler. Et j’ajoute que, depuis cet album, Tim nous a donné assez peu de nouvelles, ce qui est encore plus dommage, étant donné le talent de ce, maintenant, quadragénaire**.

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*voir ma chronique sur “Have You Ever Said Goodbye ?”

**ne manquez pas, sur YouTube, les splendides reprises acoustiques de certains titres des Beatles, que Tim reprend comme personne !

Comment ne pas être emporté par la folie furieuse qui jaillit de ce collectif portugais, né dans un quartier de la banlieue nord de Lisbonne (Buraca) ?

Formé par quatre DJ, cet electro-breakbeat dément emprunte ses rythmes et ses codes au style kuduro, inventé en Angola à la fin des années 90.

Peu importe ce que racontent ces paroles en anglais contaminé par l’argot portugais, l’essentiel est la pulsion, le beat, le rythme, qui fait se retrouver, chaque week-end, autour des Sound Systems (en portugais, Som Sistema) la jeunesse, essentiellement issue de l’immigration africaine (Angola, Mozambique, Sao Tomé et Principe, Cap-Vert..).

Contrairement à ce qui peut se passer avec, par exemple, la musique malienne, le kuduro a totalement oublié les instruments traditionnels, et seuls les ordinateurs et les échantillonneurs sont sollicités pour produire cette transe.

Ce “(We Stay) Up All Night”, paru sur l’album “Komba” vous fera l’effet d’une grenade dégoupillée dans votre pantalon, et vous commencerez à bouger vos jambes dans tous les sens , comme ces gamins sur les trottoirs de Luanda. Le virus du kuduro ne vous lâchera plus.

Ouh la la ! Dans quoi je me suis embarqué ? Je vous raconte sans détours, mais, je vous en prie, arrêtez de rigoler. Dans une compilation du magazine “Les Inrockuptibles” parue sous le titre “Un Printemps 2012”, je suis tombé sur ce titre, qui figurait sur le premier album d’une jeune chanteuse anglaise, “Birdy”. Je ne savais rien, et je ne sais toujours rien de cette Birdy dont le minois agréable et la jolie voix finirent par séduire des millions d’auditeurs et d’acheteurs, bref, ce qu’on appelle le grand public. Moi, je m’étais juste dit que la chanson était jolie, les arrangements, jolis, la voix, jolie, et la fille aussi. ça aurait dû me mettre la puce à l’oreille : je ne supporte pas l’adjectif “joli”! Je n’ai rien contre Birdy à qui je souhaite beaucoup de succès, mais il fallait quand même que je reconnaisse que l’interprétation manquait d’épaisseur, et que pour un gars qui se pique d’avoir un peu de goût, je m’étais laissé séduire par un truc pas moche, mais disons-le, un peu clinquant, et, osons l’adjectif, légèrement putassier. Bon.

Comment allais-je m’en tirer ? C’est alors que, par bonheur, la lumière s’est faite, et que je me suis aperçu que “People Help The People” n’était pas une chanson de Birdy, mais une reprise d’un groupe indie anglais, Cherry Ghost, qui figurait sur leur album de juin 2007, “Thirst For Romance”. Je connais un peu Cherry Ghost, et mon programme de chroniques prévoit même que j’écrive un petit texte sur une de leurs chansons. En tous cas, je suis en terrain connu, et je me précipite pour écouter leur version : ça n’a rien à voir ; la joliesse a disparu au profit de ce que j’aurais envie d’appeler l’authenticité. Je ne vais pas épiloguer, ce n’est pas mon sujet, mais, merci Birdy de m’avoir aidé à préciser ce que je recherche dans la musique, merci de m’avoir remis dans le droit chemin, enfin, dans celui que je considère comme tel, car c’est celui qui me procure les plus grandes joies. Avec toi, c’aurait été un flirt sympa, mais, vois-tu, baby, je ne cherche que le grand amour…

Ces chroniques s’accumulant, elles vous apprennent, évidemment, un certain nombre de choses sur mes goûts musicaux, mais elles me renseignent également sur moi-même, et, par exemple, sur le fait que je suis assez friand de ce que j’appellerais les “gospels laïques”.

On en trouvera, de ci de là quelques exemples*, et “Everything”, sur le 4ème album de Megafaun représente bien cette classe particulière de chansons.

Megafaun est un trio de Durham (Caroline du Nord) composé des frères Phil et Brad Cook et de Joe Westerlund ; ils faisaient autrefois partie d’un groupe, dans le Wisconsin, qui comprenait également Justin Vernon. Justin est parti former Bon Iver, et les autres sont partis vers le Sud.

Donc, j’écoute cet album de Megafaun, bon album de folk-rock, très recommandable, et je tombe sur cette chanson qui clôt l’album, et je découvre que ce très talentueux trio s’est adjoint les services, pour “Everything”, d’une chanteuse, jeune femme dont je n’avais jamais entendu parler, auparavant, Frazey Ford.

Il faut que je vous avoue que la découverte de voix, singulièrement féminines, qui arrivent à me toucher, m’émouvoir, me bouleverser, est l’une des motivations de ma quête obsessionnelle d’artistes ou de chansons nouvelles.

Tout ça pour vous dire que, si au cours des prochains jours, je ne réponds pas au téléphone, c’est que je suis trop occupé à écouter les chansons de la Canadienne Frazey Ford, ancienne membre de The Be Good Tanyas. Salut ! J’ai à faire.

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*”Things To Say When You’re Not Here” par Poor Rich Ones

Je ne sais rien de Fangs et je m’en fiche. Queen, chanteuse peroxydée, Marko, bassiste, Lloyd, claviers, Jojo, batteur. Pas de guitariste. Donc un groupe électropunk de Glasgow (Ecosse) qui a sorti cet album que je ne connais pas, avec cette chanson mirifique, à la fin, qui est l’essence même du rock n’ roll !

Si un Martien débarquait et vous demandait : “C’est quoi, le rock n’ roll ?”, il faudrait lui envoyer ce truc dans ce qui lui servirait d’oreilles : le batteur, avec sa grosse caisse, qui fait ce que toutes les grosses caisses devraient faire, marquer les quatre temps ; et jamais de cymbales. La basse, je sais pas ce qu’elle fait, la basse, mais elle fait du bruit. Le synthé imite une guitare distordue, et c’est juste parfait. Et la chanteuse nous balance son texte avec un dédain, une morgue…On a envie de lui mettre une baffe dans sa gueule. On ne le fait pas parce qu’on respecte les artistes, et que les paroles sont tellement géniales…Et puis, on est trop occupés, les jeunes, à danser comme des dingues, les vieux à taper du pied.

Vous me connaissez, quand j’écris une chronique, je vais, la plupart du temps, me procurer les paroles, on ne sait jamais, ça pourrait avoir du sens.

Et donc, pour Fangs, j’ai cherché partout sur Internet, ces fameuses paroles. Rien ! nulle part ! Je subodore qu’une certaine forme de censure a dû passer par là. J’ai donc décidé, en exclusivité mondiale, de vous fournir ce texte. J’ai pris du papier et un crayon et j’ai relevé ces paroles en écoutant “Automatic Rocknroll”, un peu comme on le faisait dans les 60’s avec Bob Dylan, pour paraître intelligents et cultivés, sauf que les Fangs auront jamais le Prix Nobel de quoi que ce soit.

Avant de vous faire profiter de cet exemple inédit de littérature britannique, laissez-moi vous dire que, pour ceux qui ne comprendraient pas tous les termes employés, je ferai une petite explication de texte ; vous ne pourrez pas dire qu’OldClaude ne fait pas tout pour vous instruire et vous faire plaisir. On y va :

Johnny Cash, sex and drugs

Darby Crash, sex and drugs

Dee Dee Ramone, sex and drugs

Rory Storm, sex and drugs

Billy Mc Kenzie, sex and drugs

Elvis Presley, sex and drugs

Paul Kantner, sex and drugs

Billy Murcia, sex and drugs

Judy Garland, sex and drugs

Nancy Spungen, sex and drugs

Michael Jackson, sex and drugs

Gram Parsons, sex and drugs

Sid Vicious, sex and drugs (x 4)

Rock n’Roll

Johnny Cash, sex and drugs

Darby Crash, sex and drugs

Dee Dee Ramone, sex and drugs

Rory Storm, sex and drugs

Sid Vicious, sex and drugs (x 3)

Sid Vicious, rock n’ roll !

We can be so, ah ah ah, naive, we are rock n’ roll (x 2)

Ah, ah, ah, naive, (x2)

Rock n’roll

Ah, ah, ah, naive (x 2)

We are (x 3)

Rock n’ Roll

Johnny Cash, sex and drugs

Darby Crash, sex and drugs

Dee Dee Ramone, sex and drugs

Rory Storm, sex and drugs

We can be so,  ah, ah, ah, naive, we are rock n’ roll (x 2)

Ah, ah, ah, naive, (x 2)

Rock n’ roll

Ah, ah, ah, naive (x2)

We are (we are) (x 3)

Rock n’ roll

Bon. Explication de texte pour ceux et celles qui ne connaîtraient pas les pittoresques personnages cités dans la chanson. D’abord, ils sont tous morts, plus fort que Shakespeare. Un petit mot sur chacun, qu’ils reposent en paix.

Johnny Cash, toxicomane. Darby Crash, l’un des plus jusqu’au-boutistes ; chanteur des Germs, suicidé à 22 ans par overdose volontaire, la veille de l’assassinat de John Lennon. Dee Dee Ramone, bassiste des Ramones ; overdose. Rory Storm, chanteur des Hurricanes, premier groupe de Ringo Starr ; surdose médicamenteuse. Billy McKenzie, chanteur des Associates, suicidé au paracétamol. Elvis Presley, 10 médicaments en même temps, à pleines poignées, dont la morphine, le Valium, le Dolosal, le Mandrax, même pour un obèse, c’est un peu beaucoup. Paul Kantner, Jefferson Airplane, mort suspecte. Billy Murcia, batteur des New York Dolls, overdose. Judy Garland, barbituriques. Nancy Spungen, a fait découvrir l’héroïne à son petit ami, S. Vicious. Assassinée à coups de couteau par ce dernier. Michael Jackson ; son médecin le faisait dormir avec des anesthésiques opératoires. Too bad. Gram Parsons, des Flying Burrito Brothers, grand copain de Keith Richards, overdose. Sid Vicious, crétin intégral, bassiste des Sex Pistols sans jamais avoir touché une basse, auparavant ; se souvenait à peine d’avoir poignardé Nancy ; overdose à 21 ans ; ses cendres furent remises à sa mère qui, totalement ivre, les fit tomber sur le sol, et nettoya le tout à la serpillère.

Quand je vous disais ! L’essence du rock n’ roll ! Mais, sans blague, l’une des meilleures chansons qui existent, non ? Personne pourra plus dire : “OldClaude nous fait un peu ch… avec ses petites chansons folk, douces et tristes, pour jeunes filles pré-pubères”.

Rock n’ roll !

Un remix ! Alors que je ne suis pas loin de penser que cette pratique, issue de la dance music, mais qui semble en déborder les frontières, est à la musique ce qu’une pustule est à une peau saine !

Il faut dire que ne connaissant pas encore “Biophilia”, le 8ème album de Björk d’où est issue “Crystalline”,  je n’ai pu qu’être enthousiasmé par le traitement particulier que le Syrien Omar Souleyman a fait subir à cette chanson : on se croirait en plein milieu d’un mariage arabe, avec les instruments traditionnels et les danseuses du ventre !

Et c’est, en effet, une irrésistible invitation à la danse et à la transe qui s’est fabriquée de cette façon, au point même qu’on a l’impression que Björk n’est qu’une invitée secondaire de cette joyeuse cérémonie. Omar Souleyman impose sa vision (et même sa langue, puisqu’il chante en arabe), et c’est tant mieux, car, ayant fini par écouter la version originale de Björk, il faut bien dire que celle-ci est un peu réfrigérante.

Mais que les admirateurs de Björk, dont je fais d’ailleurs partie, ne commencent pas à me maudire, l’artiste islandaise avait en tête la destinée de “Biophilia” au moment de son élaboration (et des applications iPad furent fournies afin de permettre le tripatouillage des pistes de l’album), et poussa la reconnaissance jusqu’à publier, l’année suivante, un album présentant les meilleurs remixes de “Biophilia” :  “bastards”.

Ce titre, qui ouvre le 3ème album éponyme de Mamani Keïta, est une invitation à la danse et à la joie, malgré la tonalité assez désabusée des paroles, qui expose clairement les difficultés qui assaillent l’immigration malienne, surtout lorsque, comme ça a été le cas pour Mamani, elle vécut pendant de nombreuses années sans papiers, et dans une précarité que son statut de choriste dans l’orchestre de Salif Keïta, ne parvint pas à effacer.

Enregistré sous la direction du guitariste Nicolas Repac, Mamani Keïta, en compagnie de son guitariste Djeli Moussa Kouyaté, nous concocte une belle fusion franco-malienne. Les instruments mandingues (ngoni, kora…) se mêlent habilement aux échantillons d’instruments de cultures très différentes ; il n’y a pas collage ou juxtaposition, mais intégration très réussie, et, comme je l’ai dit ci-dessus, il s’agit d’une chanson très dansante ;  je peux vous assurer qu’au cours d’une soirée bien animée, tous les participants en viennent à reprendre les paroles en chœur !

Et, bien sûr, j’ai eu la curiosité d’écouter le reste de l’album, et bien m’en a pris, car c’est une réussite totale. Mamani aligne des mélodies très belles et bien plus douces où l’Afrique prend le devant, avec des paroles souvent chantées en bambara.

En espérant que les conflits qui ravagent le Mali permettront tout de même la perpétuation de cette si riche civilisation mandingue et la survie des griots qui en sont les porte-paroles.

Une chanson dont les premiers mots sont “Kiss me like it’s the 50’s” (Embrasse-moi comme si c’étaient les années 50″) ne peut pas être une mauvaise chanson. Je commence par regarder la “vidéo officielle” ; j’y vois de belles images prises sur un bateau comme ceux qui relient la côte à des îles assez proches, mais le rapport entre tout ça et les paroles de la chanson me semble assez éloigné. C’est d’autant plus dommage, que je ne connais pas House Of Wolves. Alors je me penche sur la pochette de mon cd, “Fold In The Wind”, et je vois que HOW est le projet d’un certain Rey Villalobos,* qui a tout écrit, tout composé, tout chanté, qui joue les guitares, du piano, des percussions. Il est aidé par Cory Gray aux cuivres, Brian Wright à la batterie, et Amanda Lawrence au violon alto. Bizarre. Où est la fille qui chante ? Je réécoute. Il n’y a pas de fille. Rey V. est bien un garçon qui chante avec cette adorable voix de fille. Allez voir la vidéo sur Dailymotion : aucun doute !

Alors, vous, mes ami(e)s, qui aimez les chansons tristes, qui aimez cette exquise douleur qui fait dire à Rey : “It’s the bitter side of life that I like”, vous qui êtes orphelins d’Elliott Smith, vous n’allez pas vous arrêter à ce magique “50’s”, mais vous allez écouter l’intégralité de ce “Fold in The Wind”, et vous allez tomber amoureux/amoureuse de ce garçon-fille qui sait si bien mettre en musique les tourments de votre âme.

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*traduction anglaise de son patronyme : house of wolves.