Sur un tempo très rapide, une note insistante de piano vient nous sortir de notre torpeur pendant que la main droite indique l’ébauche d’une ligne mélodique.

Troisième titre de l’album “Animal Joy” que je choisis de chroniquer*, “You As You Were” construit patiemment l’image d’un groupe ayant assuré ses arrières et sa crédibilité de groupe indie, et qui veut maintenant se faire entendre par un public plus large.

C’est toute la richesse de Shearwater, toute sa spécificité, d’associer des musiciens dont la sophistication et la complexité harmonique ne peuvent se goûter que sur des enregistrements ou devant des petites audiences, et un chanteur dont le lyrisme et l’intensité dramatique, j’irais jusqu’à dire l’attirance pour le spectaculaire, pourraient le rendre capable de soulever des foules.

Ainsi ce “You As You Were”, qui se construit dans un crescendo, dans une tension qui se résout, comme si la chanson s’ouvrait lentement, à la manière d’une fleur qui déploie ses pétales, et qui, de cette façon, occupe une surface plus grande.

Et c’est, en effet, une stratégie de ce genre qui protège Shearwater de la boursouflure des groupes “de stade” ; Shearwater ne cherche pas à jouer plus fort, à se grandir dans une verticalité**qui ne lui irait pas ; les chansons de Shearwater grandissent comme le ferait un nénuphar recouvrant lentement la surface d’une mare. Et c’est ainsi qu’elles restent belles…

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*après “Animal Life” et “Breaking The Yearlings”.

**phallique, évidemment !

Encore une chanson extraite de cet album de Shearwater, “Animal Joy”, pour lequel j’avais indiqué que Jonathan Meiburg et ses amis prenaient une direction plus “rock”.

Ce premier single en est une illustration évidente, avec un accent particulier mis sur les percussions, lesquelles installent une ambiance un peu africaine.

Le clip vidéo vient confirmer cette référence en mettant en scène des animaux sauvages vivant en Afrique, mais également des scènes de taxidermie. Je dois cependant vous avouer que la lecture des paroles de la chanson ne m’a pas beaucoup éclairé sur le sens qu’il fallait donner à tout cela. Mais peu importe ; la qualité d’écriture de cette chanson, ainsi que la personnalité singulière de la voix de Jonathan Meiburg suffisent à hisser  “Breaking The Yearlings” au rang des grandes réussites de Shearwater.

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* voir ma chronique de “Animal Life“.

Avec leur 7ème album, “Animal Joy”, Shearwater franchit un nouveau palier, avec l’ambition affichée d’élargir son public. La question qui est posée, c’est « Comment faire pour devenir Arcade Fire, et ne pas devenir Muse ? ». Mais rassurez-vous, Shearwater reste lui-même, mené par la voix et par les préoccupations de Jonathan Meiburg, ornithologue, et, de ce fait, très concerné par la condition animale.

“Animal Life” s’appuie ainsi sur une instrumentation rock, tout ce qu’il y a de plus classique, pour développer une mélodie suffisamment addictive pour qu’elle vous reste dans la tête pendant quelques semaines ; s’y ajoute un effet de crescendo auquel je me suis laissé prendre, la théâtralité n’étant pas un défaut rédhibitoire quand elle est bien jouée, avec cette élégance qui est la marque de Jonathan Meiburg.

Cette belle chanson : “Ode To What Was Lost”, figure sur “We Become Ourselves”, le 4ème album de la Norvégienne expatriée à Stockholm.

Pour ceux qui ne la connaîtraient pas encore, Rebekka Karijord est une auteure-compositrice-interprète dont le beau timbre d’alto se met au service de chansons sur lesquelles elle s’accompagne souvent au piano.

 C’est le cas sur cette “Ode To What Was Lost”, produite par Tobias Froberg où elle est accompagnée par Jacob Snavely à la basse (et aux chœurs) et Anders Scherp à la batterie.

Le piano dessine une ligne d’accords immuable sur laquelle Rebekka déroule une mélodie sombre et prenante. Dans la seconde partie de la chanson, alors que les instruments, et en particulier la batterie, se déchaînent, Rebekka se lance dans une longue modulation, dans les aigus, qui vient bousculer ce que cette chanson pouvait avoir de trop sage et retenu. Une autre voix singulière, créative, originale, venant du Nord.

Bon, d’accord ; je suis séduit par Lana Del Rey.* Ses yeux, sa bouche, son corps, sa voix. Est-ce une raison suffisante pour passer quelques précieuses heures à écrire une chronique qui ne sera lue que par quelques personnes ? Oui. Parce que, je le proclame avec encore plus de force : Lana Del Rey est une artiste ; elle a une vision du monde ; elle n’est pas que le jouet de l’Industrie, elle n’est pas qu’une machine à cash.

On a découvert “Ride” sur une réédition de son album “Born To Die” connue sous le nom “The Paradise Edition”. Mais, pour apprécier cette chanson à sa juste valeur, c’est vers la vidéo, écrite également par Lana, qu’il faut se tourner. Cette vidéo dure, en effet, plus de 10 minutes, là où la chanson n’occupe que la moitié de cette durée ; cela s’explique parce que la chanson est précédée et suivie par un long monologue parlé. Il est donc indispensable de lire attentivement les paroles.

Et tout d’abord, le monologue qui précède la chanson :**

“J’étais dans l’hiver de ma vie et les hommes que j’ai rencontrés le long de la route étaient mes étés. La nuit, je m’endormais avec des visions de moi dansant, chantant et pleurant avec eux. Trois ans d’un tour du monde sans fin, et mes souvenirs ont été les seules choses qui m’ont soutenu et mes vrais seuls moments de bonheur. J’étais une chanteuse, pas très populaire, qui avait jadis le rêve d’être un grand poète – mais par une série d’événements malheureux, a vu ses rêves effacés et brisés comme un million d’étoiles dans le ciel de la nuit. Mais je m’en fichais parce que je savais qu’il est possible d’obtenir ce que vous avez toujours voulu, puis le perdre et alors savoir ce qu’est la réelle liberté. Quand les gens que je connaissais ont découvert la façon dont je vivais, ils m’ont demandé pourquoi. Mais ça ne sert à rien de parler à des gens qui ont une maison, ils n’ont aucune idée de ce que c’est que de chercher refuge chez d’autres personnes. J’ai toujours été une fille étrange, ma mère me disait que j’avais une âme de caméléon. Pas de boussole morale indiquant le nord, sans personnalité fixe. Juste une fermeté intérieure aussi large et vacillante que l’océan. Et si je disais que je n’avais pas prévu que tout soit comme ça, je mentirais, parce que je suis née pour être l’autre femme. J’ai appartenu à une personne qui appartenait à tout le monde, qui n’avait rien, qui avait une obsession pour la liberté qui m’a terrifiée au point que je ne pouvais même pas parler et m’a conduit à un point où la folie m’a éblouie et étourdie.

Puis la chanson elle-même, bien écrite, dans la ligne de ce qui précède, avec ces étranges notations qui indiquent que Lana Del Rey ne s’aime pas trop ; et, enfin, le monologue parlé qui clôt la chanson :

Chaque soir, j’avais l’habitude de prier pour que je trouve des personnes sur une route ouverte. Nous n’avions rien à perdre, rien à gagner, rien que nous ne désirions plus, sauf celle de faire notre vie une oeuvre d’art. Live Fast. Die Young. Be Wild. And have fun. Je crois en le pays qu’a été l’Amérique. Je crois en la personne que je veux être, je crois en la liberté de la route. Et ma devise est toujours la même, je crois en la bonté des étrangers. Et quand je suis en guerre avec moi-même, je roule. Je continue de rouler. Qui êtes-vous? Etes-vous en contact avec vos fantasmes les plus sombres? Avez-vous créé une vie pour vous-même où vous êtes libre d’en faire l’expérience? Je l’ai. Je suis une putain de folle, mais je suis libre.”

On m’objectera que ce n’est pas du Rimbaud, et on aura raison. Mais, tout de même, il s’agit d’un texte dans lequel cette jeune femme de 26 ans expose, sans fards, ce qui sans doute le cœur de sa personnalité, et ce n’est pas aussi fréquent que ça dans le monde, parfois superficiel, de la musique populaire.

Quant à la musique qu’on doit, comme d’habitude, à Justin Parker, sans toucher au génie, elle est d’une qualité constante, et fait honneur à cette grande artiste qu’est Lana Del Rey.

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*voir mes chroniques de “Video Games” et de “Summertime Sadness“.

**Je remercie beaucoup Lili, qui publie cette traduction sur le site français des admirateurs de Lana Del Rey.

“The Motherlode” est d’abord sorti en single puis s’est retrouvé sur le premier album des Staves, l’impeccable “Dead & Born & Grown”.

The Staves sont trois sœurs, Emily, Jessica et Camilla Staveley-Taylor, qui ont grandi à Watford (Hertfordshire) à 30 km au nord-ouest de Londres, mais vous m’auriez dit qu’elles étaient originaires de Laurel Canyon, en Californie, je n’aurais pas trouvé ça idiot !

Car cet album, produit par Glyn Johns (Stones, Beatles, quand même !) et son fils Ethan Johns (Laura Marling) réalise l’intéressante hybridation entre le folk anglais traditionnel (les sœurs ont écouté Sandy Denny) et l’americana des grands espaces de l’ouest américain (Emmylou Harris, les Wailin’ Jennys, Joni Mitchell…).

“The Motherlode” en est une parfaite illustration.  Après une introduction à l’harmonium, la guitare de Jessica nous gratifie d’un picking sur lequel se pose la voix de Camilla, tandis qu’une percussion marque tous les temps. La basse arrive en même temps que les voix d’Emily et de Jessica qui fusionnent parfaitement avec celle de Camilla. Et je voudrais m’arrêter un instant sur cette magie particulière qui fait que, au-delà même des qualités individuelles des voix de tel ou telle, certains trios réalisent des ensembles dont l’harmonie surpasse ce qu’on pouvait légitimement attendre.

Je mets de côté les duos (Simon & Garfunkel, les Everly Brothers…), ayant surtout en tête, outre The Staves*, Crosby, Stills & Nash et The Wailin’ Jennys**. Les musicologues ou les physiciens spécialisés en acoustique auront sans doute des réponses plus pertinentes que les miennes, en disant, par exemple que les timbres individuels des interprètes possèdent une richesse, c’est-à-dire une complexité harmonique, peu commune, et que, de plus, leur fusion crée de nouvelles harmoniques, inédites, réalisant un nouvel agencement, particulièrement plaisant à l’oreille.

Certes ; mais je crois aussi qu’il existe chez certains chanteurs ou chanteuses, souvent (mais pas toujours) unis par des liens familiaux et donc par la longue habitude d’un travail commun, une forme particulière de communi(cati)on qui met en rapport des liens inconscients, dont la permanence et la solidité font le lit d’une élévation artistique pour laquelle je n’ai pas hésité, dans un paragraphe précédent, à utiliser le mot “magie”.

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*Je présume que vous aurez envie d’aller regarder une vidéo des Staves. Choisissez alors quelque chose qui a été filmé devant un public restreint. Les 3 sœurs y chantent quasiment sans micro, et c’est d’une qualité suprême..

**Il y en a bien d’autres : The Kingston Trio, Peter, Paul & Mary, Carl, Dennis et Brian Wilson, des Beach Boys, etc.

Ernest Hemingway disait que “dans tous les arts, le plaisir croît avec la connaissance que l’on a d’eux”. Je ne connaissais pas l’Australienne Sarah Blasko, et c’est bien parce que j’ai eu entre les mains son quatrième album*, que j’ai découvert une “nouvelle” auteure-compositeur-interprète de première grandeur.

Cet album, “I Awake” a été produit et enregistré à Stockholm par Sarah Blasko, en compagnie d’un orchestre de 52 musiciens, le Nouvel Orchestre Symphonique Bulgare.

Écrin idéal pour la voix somptueuse de Sarah, cet orchestre brille particulièrement dans ce “An Arrow”, sommet d’un disque, de toutes façons indispensable.

Tempo lent marqué par une batterie discrète, piano indiquant les accords, et surtout, utilisation très intelligente de l’orchestre, mixé très près de la voix, sur le même plan, dans une fonction de dialogue et non de simple accompagnement.

Sarah Blasko nous offre avec “An Arrow” l’une des plus belles chansons de cette année-là. Qui en a entendu parler ?

Il ne me reste plus, maintenant, qu’à mettre la main sur les 3 premiers albums de Sarah Blasko, et surtout sur les 2 qu’elle a sorti depuis “I Awake”. C’est ce qui s’appelle avoir du pain sur la planche, mais comme vous le savez, j’adore ça !

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*Merci, Alain !

Tim Burgess est l’ancien chanteur des Charlatans, le groupe de Manchester emblématique de la période “madchester”, et, pour ce deuxième album solo, il a fait appel à Kurt Wagner, le chanteur de Lambchop, qui a écrit les paroles, et chez qui il est venu enregistrer, à Nashville.

De cet album, “Oh No I Love You”, produit par Mark Nevers, producteur habituel de Lambchop, j’ai choisi ce “A Case For Vinyl” qui rassemble des musiciens de Lambchop et des Silver Jews. On pourrait penser qu’il n’y a absolument rien de commun entre l’Anglais hédoniste (il a tout de même 45 ans, en 2012) et l’Américain sombre et torturé.

Et pourtant ça fonctionne ; sur un tempo très ralenti, ce qui n’étonnera pas ceux qui connaissent Lambchop, Tim fait siennes les paroles de Wagner qui trouvent un écrin parfait dans cette instrumentation très classique (basse, batterie, guitare, piano et orgue), et qu’il chante, en se les appropriant, d’une façon très authentique et touchante.

Les refrains sont chantés en voix de falsetto, ce qui introduit une heureuse rupture dans cette chanson très répétitive.

Je le disais déjà à propos d’un autre artiste*, la maturité peut être un grand atout pour les rockers !

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voir, par exemple ma chronique de “San Jacinto” de Peter Gabriel

La deuxième année de chaque décennie réussit bien à Bob Mould : en 1982, à la tête des fous furieux d’Hüsker Dü, il lançait son premier brûlot, “Land Speed Record” ; en 1992, leader de Sugar, il délivrait ce qui reste, à mon avis, son chef-d’œuvre, “Copper Blue”. En 2002, c’était “Modulate”, et en 2012, âgé de 52 ans, il se remet dans la ligne de Sugar, avec cet album, “Silver Age”*, qui montre bien qu’il est loin d’avoir baissé les bras.

Le livret du cd, avec des remerciements appuyés à Dave Grohl et aux Foo Fighters nous indique clairement la famille musicale à laquelle Bob se rattache**, sauf que lui fait ça dans sa configuration préférée du power trio, avec Jason Narducy à la basse, et Jon Wurster (de Superchunk) à la batterie.

Et nous avons, de ce fait, une collection de pop-songs survitaminées, dominées par sa guitare sans concession, et chantées d’une voix toujours intacte, qui porte la même révolte qu’aux temps d’Hüsker Dü.

“Angels Rearrange”, par exemple, n’oublie jamais de ciseler, par-delà le boucan*** des instruments, une vraie ligne mélodique, ce qui est, comme vous le savez, la seule colonne vertébrale possible d’une chanson.

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*c’est tout de même son 10ème album solo.

**quoiqu’il serait plus pertinent d’énoncer que les Foo Fighters n’ont fait que reprendre le flambeau de Sugar !

***ne froncez pas les sourcils ! J’adore ce boucan.

Je sais que “Laura” figure sur le troisième album, produit par David Kosten, de la jeune anglo-pakistanaise Natasha Khan, qui enregistre sous le nom de Bat For Lashes, mais je ne connais pas cet album.

J’ai été, en revanche, séduit par ce titre, sorti en single, et que Natasha Khan a coécrit avec Justin Parker. Il faut maintenant se souvenir que J. Parker est également le co-auteur de “Video Games” de l’Américaine Lana Del Rey*, ce qui permet de comprendre la raison pour laquelle la critique unanime a qualifié ce morceau d'”œuvre la plus pop de Bat For Lashes”.

Il est dominé par un piano sur lequel la très belle voix de Natasha déroule une mélodie prenante. Un violoncelle et des cuivres discrets interviennent parfois, et, malgré tout, l’ensemble a une petite teinte hollywoodienne, assez nouvelle chez Bat For Lashes, qui se situe habituellement dans une mouvance Nico-Kate Bush résolument européenne.

Mais voilà, quand c’est bien fait, on pardonne volontiers les appels du pied vers un plus large public, lequel ne s’y est pas trompé et a réservé un excellent accueil à cette chanson.

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*voir ma chronique de ce titre.

Cette année-là, Erland Cooper décida de se libérer de son travail avec Erland and the Carnival, et, en compagnie de Simon Tong, ex-Verve, et de Hannah Peel, violoniste, tromboniste, et donc, responsable des arrangements de cuivres, de cordes et vocaux, ils se mirent à adapter un livre de John Charles Gunn, lequel raconte l’histoire de Betty Corrigall, jeune femme vivant aux Orcades au XVIIIème siècle, et acculée au suicide après le bannissement dont elle fut l’objet, de la part des autres villageois, pour s’être retrouvée enceinte d’un mystérieux marin.

Les Orcades sont un archipel, au nord de l’Écosse, qui porte le nom, en Anglais, d’Orkney Islands, d’où le nom du disque : “Orkney Symphony Of The Magnetic North”.

Un certain nombre de titres portent le nom de lieux de ces îles, et “Orphir”, en particulier, qui ne dédaigne pas avoir recours à quelques sonorités électroniques, déroule essentiellement une chorale sombre et majestueuse, ponctuée de claquements de mains, et au dessus de laquelle  se pose la voix d’Erland. Les arrangements, dont je rappelle qu’ils sont dus à Hannah Peel, sont d’une remarquable qualité, et font l’unité et la qualité de cette œuvre, dont le moindre mérite est de nous donner envie d’aller arpenter ces mystérieuses Orkney Islands.

Je vous avais déjà signalé tout l’intérêt que je portais à cette jeune Norvégienne lorsque j’avais chroniqué la chanson-titre de son album précédent*. Son 5ème album**, dans la continuité du précédent, car élaboré en étroite collaboration avec le poly- instrumentiste Lars Horntvert, est au moins aussi réussi.
J’en veux pour preuve cette très sombre chanson, “The Silicone Veil” qui couronne un album brillant de bout en bout, certainement l’une des révélations de cette année 2012.
La première chose qui frappe, c’est bien sûr, l’exceptionnelle qualité de la voix de la blonde Susanne, avec, chose frappante pour qui a l’habitude des critères de production des musiques actuelles, une utilisation très parcimonieuse des effets de type réverbération ou autres, destinés à magnifier la voix de chanteurs ou chanteuses qui en ont parfois un besoin vital. Rien de tel, ici ; la voix de Susanne Sundfør se présente dans une nudité de bon aloi qui la rend encore plus impressionnante.
la chanson est introduite par un motif joué sur un Fender Rhodes***avant que la voix de Susanne, puis une instrumentation essentiellement électronique, y compris quand rentrent les cordes, ne vienne petit à petit faire culminer l’ensemble dans la supplication finale : “Let me out”.
Ce n’est pas faire injure à Susanne Sundfør que de lui dire qu’elle est la plus grande interprète de torch-songs actuelle. Susanne, héritière de Judy Garland ou Peggy Lee ? Pourquoi pas !
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*voir ma chronique de “The Brothel”
**je ne connais pas les 3 premiers, peut-être réservés au marché norvégien.
***ou sur un outil électronique qui en restitue le son.