Pour leur neuvième album, “Fellow Travelers”, Jonathan Meiburg et ses ami(e)s de Shearwater décidèrent de produire un albums de reprises.

L’album de reprises est souvent le piège ultime dans lequel tombent beaucoup de groupes qui s’adonnent à ce qui apparaît, de prime abord, comme une facilité. Il est, en effet, apparemment plus facile de ne pas avoir à s’atteler à un travail d’écriture, et à occuper un nid construit par d’autres. Malgré tout, les pièges sont nombreux, et beaucoup ont sombré pour n’y avoir pas accordé une attention suffisante.

Le piège le plus fréquent est celui d’une fidélité obséquieuse à l’original, vidant la dite reprise de la subjectivité qui en est l’enjeu. Mais le piège opposé est celui d’une distance trop radicale entre l’original et la reprise, comme si seuls avaient été transmis quelques lambeaux désincarnés d’une partition ; cependant, cette dernière règle connait une exception capitale : celle d’une reprise très éloignée de l’original, mais, qui tout en en respectant les grandes lignes structurales y ajouterait une vérité proprement inouïe.

Un exemple illustrera mon propos : prenons la version originale, orthodoxe de l’hymne national américain, le “Star-Spangled Banner”. Jimi Hendrix l’interprétera, le 18 août 1969, à Woodstock, d’une façon telle qu’il lui ajoutera ce poids de vérité rendu palpable par les évocations soniques des bombes lâchées sur le Vietnam, ou des sirènes hurlantes de la contestation sociale.

Tout ça pour dire que Shearwater évite avec beaucoup d’intelligence tous les pièges du “disque de reprises” : toutes les reprises choisies sont plutôt obscures et l’auditeur s’affranchit ainsi de points de comparaison qui sont autant d’obstacles à un avis dont on aime penser qu’il s’approche d’une certaine objectivité.

D’autre part, les créateurs des chansons reprises sont tous des connaissances, voire des relations amicales de Shearwater dans la mesure où ils étaient ensemble en tournée. C’est ainsi qu’on peut citer les noms de Clinic, Coldplay, Xiu Xiu, Sharon Van Etten, St Vincent, The Baptist Generals, qui sont ─ à l’exception notable de Coldplay ─ peu exposés, médiatiquement parlant.

L’autre idée géniale est d’avoir demandé à certains membres des groupes ci-dessus de participer à l’élaboration des chansons de ce disque, à l’exception, bien sûr, de celle dont ils étaient les interprètes initiaux. Personnellement, je trouve que c’est un sans-faute.

Commencez par écouter “Natural One” par ses créateurs, The Folk Implosion de Lou Barlow. On trouve ce titre sur la bande originale du film “Kids” de Larry Clark. Et puis, ensuite, écoutez la version de Shearwater ; les deux versions ont beaucoup de points communs ; la version de Lou Barlow (1995) reflète bien un certain je-m’en-foutisme, une paresse revendiquée. Shearwater, au contraire donne à tout cela une impulsion et un dynamisme soulignés par la batterie et le son distordu de la basse ; Jenn Wasner de Wye Oak est dans les chœurs ; et surtout, Jonathan Meiburg imprime, grâce à sa voix unique, une urgence bien de ce siècle. L’art de la reprise ne se dévoile pas aussi facilement qu’on pourrait le penser.

Une chanson punk. Mais l’une de mes chansons préférées de cette année 2013, dénichée sur une compilation, ce qui fait que je ne connais pas grand chose du reste de l’œuvre de ce groupe d’Adelaide (Australie). Et c’est dommage, parce que je suis certain que ça doit être très intéressant.
Bitch Prefect est un trio ; Pat Telfer à la batterie et Scott O’Hara et Liam Kenny aux guitares. “Bird Nerds”, sur lequel figure cet indispensable “Shipped It” est donc, sans aucun doute, un morceau punk ; mais le punk joué dans le sud australien est quand même moins énervé que ce que le genre nous a fourni avec les groupes européens ou américains de la fin des 70’s. Bitch Prefect joue du punk paresseux, alangui, je-m’en-foutiste. C’est juste suffisamment dissonant pour énerver les plus conservateurs d’entre nous et, en ce qui me concerne, je trouve ça très réjouissant. Je n’ai pas réussi à dénicher les paroles mais je suis certain qu’elles doivent être assez rigolotes. Et comme, apparemment, YouTube ne consent pas à nous diffuser la vidéo de ce titre, il va falloir, comme au XXème siècle, vous débrouiller pour acheter le disque ou télécharger le titre à partir d’une plate-forme légale et payante. Grâce au punk, les vraies valeurs reviennent !

Si vous ne savez pas encore que Nada Surf est un de mes groupes préférés, eh bien, voilà une bonne occasion de l’apprendre !

En 2008, leur magnifique album, “Lucky”, renfermait une chanson qui s’appelait “Je T’Attendais”, oui, oui, en Français dans le texte, tout simplement parce que le new yorkais, Matthew Caws, chanteur, guitariste et leader de Nada Surf est parfaitement francophone, ayant vécu dans notre pays pendant ses années universitaires. En outre, les parents de Matthew possédaient un chalet près du Mont Ventoux, dans les Petites Alpes.

Tout cela nous conduit à Minor Alps, qui est un duo, formé, cette année-là par Matthew, et son amie Juliana Hatfield (ancienne bassiste-chanteuse des Blake Babies) qui a abouti à la sortie de l’album “Get There”. Le projet n’a pas connu d’autres développements, mais tel qu’il est, il se suffit à lui-même avec, donc, ce “Waiting For You”, qui n’est autre que la reprise de la chanson de Nada Surf évoquée plus haut.

Cela dit, l’ambiance est beaucoup plus “acoustique” que chez Nada Surf, et la première constatation, c’est que les voix de Matthew et de Juliana sont vraiment faites pour s’accorder. Ils jouent de tous les instruments (guitares, basse, claviers..) et sont simplement secondés par la batterie de Parker Kindred*.

Tout l’album est, bien sûr, hautement recommandable, et on peut simplement regretter que cette belle collaboration ait, jusqu’ici, pris fin.

Quant au clip vidéo, il est interprété par rien moins que notre Julie Gayet nationale.

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*Qui jouait sur l’album posthume de Jeff Buckley.

Je ne peux pas me résoudre facilement à quitter “In The Silence”, qui s’ouvre par ce “Higher”, un peu plus marqué par l’électronique que la plupart des autres chansons. On parle, paraît-il, de folktronica, puisqu’il faut mettre des étiquettes un peu partout.

Tempo lent, prédominance des claviers, boucle vocale qui tourne à l’arrière-plan (“Look out over”…) et qui répond idéalement à la très belle voix d’Ásgeir, la chanson, comme beaucoup d’autres sur “In The Silence” est composée par notre chanteur, écrite par son papa, et la traduction de l’Islandais vers l’Anglais a été assurée par John Grant. Je me permettrais juste d’avancer l’opinion que la naïveté des paroles, et leur intérêt, somme toute, limité, permet de se consacrer pleinement à l’appréciation de la musique, des arrangements, de la production. Le travail accompli par Gudmundur Kristinn Jónsson sur cette dernière, en particulier, fait bien ressortir tous les plans vocaux et instrumentaux, et contribue à faire de “In The Silence” l’un des meilleurs albums de cette année 2013.

Je vais continuer à vous parler de cet exceptionnel premier album* d’Ásgeir, avec cette chanson qui s’oriente plus vers le folk que les autres titres déjà évoqués**.

La lumineuse production de Gudmundur Kristinn Jónsson permet d’apprécier pleinement l’instrumentation, cette fois-ci dépourvue de batterie. En revanche les chœurs sont à la fois d’une grande subtilité et d’une maîtrise parfaite.

le “Summer Guest” évoqué par l’auteur*** n’est autre qu’un oiseau migrateur, dont le retour annonce l’été.

L’écologie et le respect de la nature sont les sujets le plus souvent évoqués par Ásgeir dans son disque, et on ne peut qu’applaudir cet engagement.

Ce “In The Silence “n’a pas besoin d’autres paroles de ma part pour que vous en fassiez un disque de chevet, et je n’ai plus qu’à vous laisser l’écouter.

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*distribué autre part qu’en Islande

**”In Harmony” et “Torrent”

***qui est, on s’en souvient, le propre père d’Ásgeir.

J’ai écrit récemment*toute l’admiration que je portais au jeune Ásgeir, et à son premier album distribué dans nos contrées, “In The Silence”.

Cette autre chanson, “Torrent”, montre qu’à certains moments, Ásgeir sait hausser le ton.

On s’attend à une chanson folk, à l’écoute des quelques accords de piano par lesquels elle débute, puis soudain, le piano martèle d’autres accords, et “Torrent” prend une toute autre tournure, avec le tom basse qui impose un rythme métronomique, et une guitare électrique distordue comme il le faut**, qui vient, comme un torrent, balayer le confort auditif qui avait été le nôtre, jusqu’à présent.

Ce parti-pris de s’éloigner de cette façon des canons qui déterminent ce que doit être la musique folk, est très réjouissant, et nous donne une précieuse indication sur la personnalité et l’indépendance d’esprit d’Ásgeir.

L’indispensable unité de style est pourtant préservée par la voix d’Ásgeir qui ne sort pas du cadre artistique qu’elle s’est donnée, et qui se promène dans un impressionnant registre aigu.

Il paraît que 10% de la population islandaise possède l’album d’Ásgeir, en langue vernaculaire. Ce n’est pas chez nous que ça arriverait !

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*voir ma chronique de “In Harmony“.

**mais mixée à l’arrière-plan ; ce n’est quand même pas du hard-rock !

Ce “In The Silence” a fait du bruit ! Un parfait inconnu, venu d’Islande, se permet de sortir un album qui est immédiatement intronisé comme étant l’un des meilleurs de l’année.

Pour être tout à fait complet, le garçon a commencé par sortir cet album en islandais, l’année précédente, avec des paroles écrites par son papa*, et c’est notre ami John Grant qui les a traduites ou réécrites. Il n’est sans doute pas anodin d’entendre ces paroles, très préoccupées d’écologie et des beautés de la nature islandaise, écrites par un homme de plus de 70 ans, chantées par son fils d’à peine 20 ans.

Et le résultat est superbe. La voix d’Ásgeir Trausti Einarsson (son nom complet) se promène dans les aigus, un peu à la manière du Bon Iver de “For Emma, Forever Ago”; elle est au service d’une mélodie dont le niveau de qualité dépasse largement la facilité des standards actuels. Ásgeir joue de la guitare, de la basse, du piano, des claviers, et est accompagné par une batterie et un autre claviériste, ainsi que par un saxophone, un trombone et une trompette. Les ponts instrumentaux pourront, pour certains auditeurs, friser la grandiloquence, mais je n’en suis, personnellement, pas choqué, tant le talent de ce jeune homme est à la mesure de son ambition. Le grand public ne s’y est pas trompé, et c’est plutôt une bonne chose. Mon enthousiasme vous laisse déjà deviner que je reviendrai sur d’autres titres de cet album, et vous avez raison.

Pourquoi changer quelque chose qui donne satisfaction ? Je vous ai dit, il y a peu, beaucoup de bien d’une chanson de l’album d’Emily Jane White, “Blood/Lines”*. “Wake” fonctionne un peu sur le même principe : un chant qui a retenu les leçons de P J Harvey et de Kate Bush, une habile programmation de synthétiseur, qui fournit un arrangement orchestral réussi, et que l’on doit à Shawn Alpay ; un violoncelle, joué par le même ; une basse, tenue par Darwin Meiners ; les percussions et la discrète batterie de Nick Ott ; et les claviers (piano et synthétiseur) qui sont joués par Emily Jane.

J’avais avancé l’adjectif “néo-gothique” pour caractériser l’ambiance générale que tente d’installer Emily Jane ; même s’il s’agit d’un terme consacré par l’usage, je préfère parler de musique expressionniste, lequel suggère l’attitude un peu surjouée de l’ensemble. En disant cela je ne veux pas créer une méprise ; E J White est parfaitement honnête, et aucune hypocrisie ne vient entacher sa démarche, et ce que j’appelais, dans l’article évoqué, son attitude romantique. Disons simplement que cette musique montre, expose, parfois exhibe, là où d’autres afficheraient une pudeur plus convenue. En tout cas, mon voyeurisme y trouve son compte, et comme il ne s’agit que de sentiments, la morale est sauve !

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*voir ma chronique de “Keeley“.

J’ai découvert le travail de la jeune californienne d’Oakland, Emily Jane White, avec son quatrième album, le très impressionnant “Blood/Lines”.

Même si l’album est une franche réussite, s’en détache ce “Keeley”, qui a d’ailleurs été choisi pour être édité en single.

Comme beaucoup d’artistes qui écrivent et interprètent leurs chansons, on entend clairement qu’Emily Jane a subi la double influence de Kate Bush et de P J Harvey. Il y a pire, évidemment !

“Keeley” est une chanson dans laquelle elle s’accompagne au piano et au synthétiseur, ce dernier instrument nous fournissant un grand orchestre romantique plausible. Nick Ott, aux percussions et à la batterie reste, de bout en bout, assez discret.

Ce n’est rien de dire que nous sommes dans un mélodrame exacerbé, souligné par une réverbération qui en magnifie la théâtralité. Emily Jane assume totalement ce romantisme extrême, et c’est ce qui fait que cette chanson est très mémorable. Sa voix se prête parfaitement à cette atmosphère sombre et dramatique, parfois désignée par l’adjectif “néo-gothique”. Et, bien évidemment, comme dans toute chanson marquante, se déroule une ligne mélodique somptueuse, épousant parfaitement la tonalité générale de la chanson.

Tout cela me donne très envie d’en savoir un peu plus sur Emily Jane White, et également, de vous présenter une autre chanson issue de ce “Blood/Lines”.

Il faut bien, non pas avouer, mais revendiquer, que la plus grande partie de mes goûts ou influences musicales est ancrée dans ce que l’on appelle le rock progressif, ce depuis le choc inaugural d'”Ars Longa Vita Brevis” (1968) des Nice.*
J’ai aimé et j’aime toujours Soft Machine, King Crimson, Yes, Jethro Tull, Emerson, Lake & Palmer, Procol Harum, pour n’en citer que quelques-uns, sans oublier les incomparables Gentle Giant, et, chez nous, Magma.
Le punk a tué la musique prog, mais celle-ci, tel un phénix va renaître sous des formes différentes, et le groupe anglais Haken fait partie des jeunes pousses (il s’est formé en 2007) les plus intéressantes de ce style.
Preuve en est donnée par cet album, leur troisième, “The Mountain”, passionnant de bout en bout, mais dans lequel j’ai choisi de privilégier cette chanson, “Because It’s There”, qui va probablement vous faire remettre en question l’étiquette “prog-metal” derrière laquelle on range le plus souvent Haken. Il faut se méfier des étiquettes !
“Because It’s There”, qui est la 5ème chanson de cet album, reprend d’ailleurs la mélodie de la chanson d’ouverture de l’album, “The Path”, que je vous conseille d’écouter préalablement.
Mais elle la reprend d’une façon que n’auraient pas renié Gentle Giant, voire Freddie Mercury.
En effet les premiers couplets sont chantés a cappella, d’abord par le seul Ross Jennings, le chanteur d’Haken, puis par tout le groupe, suivant une technique d’écriture contrapunctique. La suite de la chanson, d’une facture plus traditionnelle, permet d’apprécier la virtuosité instrumentale de tout le groupe dont il convient de citer les membres, à commencer par le guitariste, Richard Henshall, qui écrit toute la musique, Charlie Griffiths, guitare solo, Thomas MacLean, bassiste, qui quittera le groupe après la sortie de “The Mountain”, Diego Tejeida, claviers, et le batteur, Raymond Hearne, par ailleurs auteur des paroles de “Because It’s There”**.
Eh bien, c’est fait. Avec “Because It’s There” vous avez prêté une oreille (voire les deux) à la musique progressive du XXIème siècle, tout en gardant un peu à distance le côté “metal” de ce groupe remarquable qu’est Haken. Vous êtes prêt(e) pour une exploration plus poussée, mais ce sera l’objet de chroniques ultérieures.

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*À moins que l’acte fondateur en soit le “A Day In The Life” des Beatles sur “Sgt Pepper”.

**Je jetterai un voile pudique sur la question des textes de “The Mountain”, et dans la musique progressive, en général.

La dernière fois que je vous ai parlé de House Of Love, c’était à propos d’une chanson du 3ème album, le sous-estimé “Babe Rainbow”. Je ne vous dirai pas un mot de l’album suivant, “Audience With The Mind” (1993) qui marque la fin de House Of Love. Ils se sont reformés pour sortir un album en 2005, “Days Run Away”, que je ne connais pas. Puis, plus rien.

Quelle surprise, donc, de voir réapparaître, en 2013, House Of Love, qui plus est avec le guitariste historique, Terry Bickers, pour nous produire un album d’excellente tenue, leur 6ème, donc, “She Paints Words In Red”, qui me semble avoir eu le tort d’avoir assez peu de succès. Quand on est un peu vieux et plus à la mode…

Donc, j’ai retrouvé la qualité de composition et d’interprétation qui étaient ceux du House Of Love des 90’s, même si, à côté de Terry Bickers (voix, guitares) et Guy Chadwick (voix principale, guitare), on note la présence de nouveaux : Matt Jury à la basse et Pete Evans à la batterie.

Quelques chansons jouent la carte d’une certaine modernisation, il serait plus gentil de dire d’une certaine maturité, et l’ensemble du disque s’écoute avec plaisir, mais j’ai voulu mettre en avant “Low Black Clouds”, parce qu’ici, House Of Love fait ce qu’il sait faire : du House Of Love millésimé 90’s, douceur, harmonies vocales, guitares tintinnabulantes, de la vraie pop anglaise ; bref, un saut sympathique, parce que pas arrogant, 15 ans en arrière. Vu mon âge, ça ne me déplait pas foncièrement.

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*voir ma chronique de “Fade Away“

Je ne sais plus très bien comment cet album, “Rivonia”, m’est arrivé entre les mains, mais, renseignement pris, Rivonia est une banlieue de Johannesburg où a grandi la jeune Sud-Africaine, Cherilyn MacNeil, fondatrice et auteure-compositeure-interprète* de Dear Reader.
Cela dit, depuis quelques années, Cherilyn est basée à Berlin, et c’est la raison pour laquelle “Rivonia”, quoique ayant pour sujet l’Afrique du Sud, est le fruit de la collaboration de Cherilyn avec des musiciens allemands, dont Konstantin Gropper (Get Well Soon).
La voix très personnelle et vivante de Cherilyn est soutenue par une instrumentation variée, dominée par les trompettes et le piano. Des percussions, mais surtout, des chœurs viennent évoquer l’Afrique du Sud.
Mais comme je vous le dis très souvent, tout l’album est hautement recommandable, et “Rivonia” me donne très envie d’explorer le reste de la discographie de Dear Reader.

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*Je ne sais jamais avec cette féminisation des substantifs ; je vais me faire taper sur les doigts par les féministes en colère…