Vous connaissez déjà mon admiration pour Dan Carney qui se cache derrière le nom pluriel d’Astronauts*. Cette admiration ne fait que croître, au fur et à mesure qu’il fait paraître de nouveaux disques**.

Four Songs EP, comme son nom l’indique, nous fait découvrir quatre chansons enregistrées à l’époque d’Hollow Ponds, et qui n’ont pas trouvé leur place sur celui-ci.

La chanson que j’ai choisie, “Think On (2003)” prouve bien que s’il y a quelqu’un qui mérite de reprendre la couronne du regretté Elliott Smith, c’est bien Dan Carney, Docteur en Psychologie, que je proposerais bien au jury du Prix Nobel, pour avoir inventé une musique bien plus efficace et sans danger que tous les tranquillisants existants !

On se trouve, avec “Think On”, plongé dans un bain quasi-amniotique de son et de musique d’une douceur sans pareille. Pour reprendre et compléter cette filiation évidente avec Elliott Smith, il s’agirait d’un Elliott souriant et non-suicidaire, c’est-à-dire l’opposé du vrai.

Tout, ici, est léger, à peine suggéré, comme une aquarelle transparente, la voix , la guitare, et ces instruments qui arrivent au fur et à mesure des couplets, sans jamais peser plus qu’une plume, un piano, un petit battement électronique.

Je n’ai parlé jusqu’ici que de deux chansons dans l’œuvre d’Astronauts, mais, si je passe en revue la trentaine de chansons que je connais de lui, je suis frappé par la constante qualité de ce qu’il fait et le nombre incroyablement réduit de déchets, dans sa production.

Comme je vous le disais par ailleurs, Astronauts est un trésor caché dont il convient de profiter plus largement afin qu’il ne disparaisse  pas dans les sables de l’oubli.

*Voir ma chronique de “Hollow Ponds”.

**Je ne sais pas très bien comment nommer ces trucs qui n’existent pas physiquement et sont uniquement accessibles en téléchargement.

Vous me connaissez, à chaque fois que je déniche un groupe français, ça chante en Anglais, ou en Kobaïen, ou bien, il s’agit d’un instrumental, tout ça est assez agaçant.

Eh bien, cette fois-ci, avec Moodoïd, je ne vous fais pas le coup. Le groupe a un son, une personnalité, certains diraient une “vision”, qui le rend unique dans le paysage musical français, et même international.

En tout cas c’est ce que je me suis dit en prenant connaissance du “simple”* qui a précédé la sortie de leur premier album, Le Monde Möö, enregistré à Brooklyn dans le studio de Nicolas Vernhes, le producteur, et qui renferme cette perle qu’est “La Lune”,**magnifique ritournelle où dominent les voix féminines, et à laquelle une très riche instrumentation donne un léger parfum orientalisant. Les critiques, toujours en mal d’étiquettes, ont affublé Moodoïd du terme générique de “psychédélique”, ce que certains titres pourraient laisser croire, mais, pour moi, “La Lune” est plutôt l’équivalent musical d’un conte pour enfants, un savant mélange d'”Hansel et Gretel” des frères Grimm et de “La Petite Poucette” d’Andersen. Mais, si vous avez d’autres contes en tête, rassurez-vous, ça marche aussi.

Moodoïd a en effet trouvé le secret pour fabriquer de la musique d’enfants pour adultes***. L’un des ingrédients de la recette de Pablo Padovani, l’âme du groupe, et également guitariste de Melody’s Echo Chamber, et de ne s’être entouré que de musiciennes**** auxquelles on doit ces voix féériques, inédites dans la pop hexagonale.

C’est à Hugo Cassavetti que j’ai envie d’emprunter le terme de “maniérisme” pour caractériser plus finement la très belle approche de Moodoïd. Mais là où Hugo ─ dont je salue le goût très sûr ─ emploie le terme en lui donnant une nuance un peu péjorative, j’ai simplement envie de rappeler qu’au XVIème siècle, le maniérisme pictural a donné des chefs-d’œuvre, en osant un affranchissement ludique des règles édictées par les Maîtres insurpassables de la Renaissance.

C’est ainsi que va Moodoïd, et si, fidèle à mon choix de situer ma chronique au niveau d’une chanson, j’ai choisi “La Lune”, je voudrais souligner la richesse d’inspiration de Padovani et de ses ami(e)s, dans la mesure où tous les titres de cet album offrent des facettes différentes et complémentaires, aboutissant ainsi à faire de Le Monde Möö, l’un des meilleurs albums de 2014, toutes régions du monde confondues.

*Les anglophones appelleront ça un “single”, et tout le monde sera content.

**La version de Le Monde Möö est beaucoup plus longue, mais tout aussi délicieuse.

***Ou le contraire, car leur version de “Venus In Furs” du Velvet pourrait être diffusée dans les crèches.

****tout au moins sur scène, car la version de studio comporte une partie de duduk (flûte arménienne) jouée par Didier Malherbe, pilier de Gong. Y apparaissent également Vincent Segal, le père de Pablo, Jean-Marc Padovani, Riff Cohen, et beaucoup d’autres.

Je ne connaissais pas ce jeune homme, élevé dans la banlieue de Londres, jusqu’à ce qu’on me confie un exemplaire de son premier album, The Fire Inside.

Il s’agit d’une première œuvre de très bonne tenue, par un garçon qui a écouté Jeff Buckley ou Bon Iver, c’est-à-dire des artistes que je chéris particulièrement. Mais, sans que cela diminue en quoi que ce soit l’intérêt de cet album ─ qui fut précédé par un certain nombre de singles également intéressants ─ j’ai été happé par une chanson qui, telle une étoile de première magnitude, a presque éclipsé les autres, l’une des plus belles de cette année-là : “Nearly Morning”.

Dans l’enregistrement original, Luke s’accompagne à la guitare, et une discrète voix féminine intervient à certains moments, mais en passant en revue les différentes incarnations de “Nearly Morning” en public, il lui arrive de la chanter avec un piano (comme, par exemple, sur la magnifique version qu’il en donne en compagnie de Gabrielle Aplin), ou avec un orchestre.

Voilà, tout simplement, comment on trouve une nouvelle chanson pour accompagner votre vie, et je souhaite qu’elle puisse accompagner la vôtre.

Il semblerait qu’après la sortie de leur excellent album Pedestrian Verse,(2013) le groupe écossais*Frightened Rabbit** ait été proche de l’implosion. Tout le monde s’est mis en vacances, et cela a consisté pour le chanteur et guitariste  Scott Hutchison à sortir un album solo, sous le nom de Owl John.

Il en a écrit toutes les paroles, et s’est fait aider, pour la musique, de ses copains du groupe, Andy Monaghan et Simon Liddell.

En tout cas, cet album est rempli de bonnes chansons, qui évoquent Frightened Rabbit, sans être du Frightened Rabbit.

J’ai mis en avant cette chanson, “Los Angeles, Be Kind”, l’une de mes préférées. Scott y évoque la difficulté, pour un Britannique, de vivre à Los Angeles, et trousse une mélodie assez captivante, avec des arrangements que ne renierait pas son groupe originel. C’est probablement quand il est seul avec sa guitare Martin, qu’il faut apprécier cette chanson à sa juste valeur ; YouTube en offre un ou deux exemples, et les vraies vacances de Frightened Rabbit auraient peut-être pu se matérialiser par un disque qu’il aurait fait absolument seul, sans autre aide que sa guitare. Scott Hutchison en a le talent.

J’apprends ce jour (11 mai 2018), veille de la publication de cette chronique, le décès de Owl John. Il avait 36 ans.

*Vous savez à quel point j’aime les groupes écossais !

**Voir ma chronique de “Nitrous Gas”

Je ne pouvais pas laisser ainsi la jeune et charmante finlandaise Mirel Wagner et ses histoires de bébés enterrés*, qui remplissent l’austère mais splendide album When The Cellar Children See The Light Of Day, et il fallait vraiment que je vous parle d’une autre chanson, la magnifique “Ellipsis”.

Sombre est le propos de Mirel, sombre son chant et son jeu de guitare, et l’on ne peut pas vraiment dire que le violoncelle de Craig Armstrong vienne illuminer quoi que ce soit dans ce paysage décharné, bien au contraire.

Mais Mirel est comme ça, et on ne va pas lui demander de chanter des chansons rigolotes, tout simplement parce que ce n’est pas ce genre d’émotions qu’elle a envie d’exprimer. En d’autres termes, les artistes qui creusent toujours le même sillon ne m’ont jamais posé le moindre problème, parce que c’est la rançon d’une authenticité qui est sans doute l’un des maître-mots de l’expression artistique, et dont on peut déplorer la raréfaction dans le champ musical qui m’occupe. Il y a une âme chez Mirel Wagner, et même si son disque est rêche, sec et imparfait, je le préfère à nombre de productions impeccables mais froides. J’espère vraiment que Mirel Wagner va vendre suffisamment de disques pour pouvoir donner une suite à ce deuxième album.

Voir ma chronique de “Oak Tree”.

C’est avec ce deuxième album, When The Cellar Children See The Light Of Day que j’ai découvert la charmante Finlandaise d’origine éthiopienne, Mirel Wagner.

Mirel n’a qu’une seule préoccupation, dans ses chansons ─ et il paraît que c’était la même chose dans son premier album, Mirel Wagner ─ , c’est la mort.

Ainsi,” Oak Tree” semble être la lamentation d’un bébé enterré par sa mère sous un chêne, ou quelque chose dans ce genre-là.

L’album, superbe de bout en bout, s’appuie sur la voix et la guitare de Mirel, même si d’autres morceaux bénéficient de l’apport discret d’un clavier ou d’un violoncelle.

La production est assurée par un certain Vladislav Delay, qui s’occupe plus souvent de dance music, mais qui a réussi à créer un son très aéré, mettant bien en valeur la guitare et la voix, ou plutôt les voix, puisque, dans “Oak Tree” la voix de Mirel se réverbère en de multiples échos fantomatiques, comme on peut en entendre dans certains films qui mettent en scène les puissances de l’au-delà.

L’intérêt de Mirel Wagner pour le macabre pourrait peut-être susciter quelques questionnements, mais l’important est que la qualité artistique soit présente, et elle l’est de bout en bout ; et puis, Mirel Wagner chantant des romances amoureuses ne serait plus tout à fait Mirel Wagner !

J’écris cette chronique en novembre 2017, alors que le monde du rock (et moi-même) est encore sous le choc de la mort de Tom Petty, le 2 octobre dernier, à Malibu.

Tom était l’un des représentants les plus éminents de ce que l’on appelle, de nos jours, le “Classic Rock”*, ce rock qui perpétue l’esprit et surtout la forme de ces deux décennies magiques (1957-1977) qui ont créé cet art universel.

Ce treizième album, Hypnotic Eye (le précédent datait de 2010), fut le premier à accrocher la 1ère place du Billboard, et c’était sans doute mérité dans la mesure où ce que j’en connais renoue avec le jeune Tom Petty de la fin des 70’s, mais, globalement, on ne peut pas dire qu’il y ait, dans la production de Tom, la moindre prise de risques, et la modernité est un concept qui ne faisait pas partie de son vocabulaire.

Mais, tout de même, cette chanson, “Red River” se détachait de cet ensemble un peu poussiéreux grâce à une accroche de guitare plutôt bien trouvée (Tom et Scott Thurston), la basse de Ron Blair mixée bien en avant, et augmentée d’une fuzz bass jouée par Tom, le piano et l’orgue de Benmont Tech ; tout cela prépare un chorus de Mike Campbell, dont la guitare ne sort pas des clous plantés il y a 40 ans. Mais c’est ce qu’une grande partie du public attend, et quand c’est aussi bien fait que ça, par un artisan formé dans des temps anciens, ça serait stupide de bouder notre plaisir. Il est triste de voir les vieux maîtres disparaître.

*Dans une de mes chroniques parues cette semaine, j’avance cette idée que l’une des chansons de Teenage Fanclub que je vous propose, illustre un classicisme qui la pose en héritière de ces années glorieuses. Or, personne, parmi les amateurs de “Classic Rock” ne se risquerait à embarquer Teenage Fanclub dans l’arche de ce rock-là. Essayez d’y comprendre quelque chose, après ça !..

Parfois, je me dis que je suis le seul admirateur français de Dan Carney. Ou, peut-être, le seul au monde, ce qui reste improbable, car on finit par trouver ses disques (en téléchargement, uniquement).

Dan Carney était la pièce majeure d’un groupe aujourd’hui disparu, Dark Captain Light Captain, qui a ensuite simplifié son nom en Dark Captain. Miracle Kicker (2008) de DCLC est déjà une révélation éblouissante du talent de ces Londoniens, avec cette pop douce et lumineuse, que venait confirmer le Dead Legs & Alibis (2011) de Dark Captain. Mais ces chorales légères, malgré un succès d’estime, n’étaient pas en phase avec la lourdeur de l’air du temps, et c’est la raison pour laquelle on a retrouvé le chanteur-guitariste Dan Carney, se cachant vite derrière le nom pluriel d’Astronauts. On s’est aperçu, à cette occasion, qu’il y avait une parfaite continuité entre les groupes précédents et Astronauts, ce qui confirmait que Dan en était l’âme.

Hollow Ponds est ainsi le premier album de Carney, et il porte le nom d’un lieu-dit, dans la forêt d’Epping, où il vit et où il fut hospitalisé, à la suite d’une mauvaise fracture de jambe. La solitude et la morphine ont contribué à faire naître ces chansons, un peu plus acoustiques que ce qu’il pouvait faire avec ses groupes précédents, mais tout aussi délicates et fragiles. Il faut également dire que Dan Carney est titulaire d’un doctorat en Psychologie et qu’il a publié un certain nombre d’articles à propos des troubles cognitifs et des troubles de la mémoire dans certaines maladies génétiques, comme le Syndrome de Williams-Beuren, ou la trisomie 21.

Mais revenons à “Hollow Ponds”, la chanson qui donne son titre à cet album. C’est le mariage idéal d’une électronique douce, gentille, humaine, et d’un piano très laconique, d’un violoncelle (Nicole Robson), d’une guitare acoustique, d’une basse électrique (Michael Cranny, ancien de Dark Captain) et d’une batterie très discrète, recouverts du fin nappage de la voix de Dan. Une très jolie modulation annonce le refrain, et je peux vous assurer que tout le disque est à l’avenant. C’est la raison pour laquelle je finirai avec une exhortation militante : Soutenez Astronauts ! Ne laissez pas Dan Carney sans auditeurs ! Permettez-lui de continuer sa démarche artistique sans avoir à se casser l’autre jambe ! Achetez ses disques en les téléchargeant sur des plateformes légales ! Parlez-en autour de vous ! Laissez la beauté infuser ce monde !

Sourires gênés dans l’assistance : voilà qu’OldClaude remet ça avec Lana Del Rey, oubliant probablement que tout ce qui brille n’est pas or. Bon, j’avoue, ce disque n’est pas à la hauteur de ce que la jeune femme nous a proposé, précédemment. La production de Dan Auerbach, chanteur et guitariste des Black Keys n’est peut-être pas idéale pour Miss Glamour ; et un certain nombre de chansons sont oubliables. Amis du téléchargement, choisissez bien ! Pour ma part, tout en me confrontant au sombre regard de la belle sur la pochette du cd ─ photo noir & blanc, cette fois-ci ─, c’est la chanson d’ouverture qui me convient, la bien nommée “Cruel World”, écrite par Lana et Blake Stranathan.

Dan à la manœuvre, celui-ci ne pouvait pas choisir une autre option que de mixer la voix au niveau des instruments, ce qui fait d’Ultraviolence (titre énigmatique, mais plutôt bien trouvé) un objet singulier dans la discographie de Lana. Et puis, bien sûr, plein de guitares. Lana en est toute dépaysée, mais en même temps ravie d’avoir remplacé la chantilly par un dessert flambé ; il subsiste un petit goût d’alcool, mais ça ne risque pas de faire tourner la tête, quand même. Quant au texte, un peu cliché, il évoque la relation amoureuse passée et déjà oubliée de “Crazy Lana” avec un quelconque bellâtre un peu trop accroché à sa poudre blanche. Le « I shared my body and my mind with you » est pas mal trouvé comme ligne d’ouverture, et, de toutes façons, j’estime que la première minute de la chanson est absolument sublime ; après, si je puis me permettre, il y a un peu trop d’écho sur la voix. Lana dit que c’est sa chanson préférée d’Ultraviolence. Lana, c’est super ! Je crois qu’on a les mêmes goûts ; téléphone-moi quand tu veux.

Lorsque j’ai eu entre les mains cet album de Ari Hest, Shouts And Whispers, j’ai appris que c’était déjà le huitième album de ce jeune Américain de 35 ans, né dans le Bronx. Découverte qui ne m’étonna pas vraiment, car cet estimable auteur-compositeur-interprète évolue dans un domaine assez proche de la variété de qualité, laquelle, en général, m’intéresse assez peu. Raison de plus pour ne pas être sectaire, et apprécier à sa juste valeur ce “Harvest” qui ouvre l’album. C’est une musique faite pour les clubs, les cabarets, les soirées romantiques, au clair de lune, car il faut reconnaître que Ari s’y connaît pour faire venir la “chair de poule” sur les bras des amoureux ; tout ça grâce à une mélodie accrocheuse servie par un accompagnement à l’orgue tout à fait adapté, mais surtout, une voix parfaitement timbrée, chaude, un peu rauque et sensuelle, avec une émotion peut-être un peu surjouée, mais, de même qu’il faut souvent cabotiner pour obtenir un oscar, même quand on est un acteur reconnu, il faut en faire beaucoup pour mériter le label de grand-chanteur-romantique qu’Ari décroche, haut la main. À mettre dans la playlist “chansons pour séduire…et plus, si affinités”.

PAS DE VIDEO

Avec Rival Sons, j’ai pris le train en marche, puisque j’ai fait leur connaissance avec leur quatrième album, Great Western Valkyrie.

Acheté sur la recommandation d’une critique dans je ne sais plus quel magazine spécialisé, j’avoue que j’ai été agréablement surpris car le quatuor californien propose un succédané assez plausible de Led Zeppelin (mâtiné d’un certain nombre d’autres influences que vous me pardonnerez de ne pas détailler), et même Jimmy Page se déclare fan !

Il faut dire que le chanteur, Jay Buchanan, s’il n’est quand même pas l’égal de Robert Plant, se pose comme un challenger crédible, et la puissance impressionnante de sa voix impose de le prendre au sérieux. Grand succès dans tous les festivals et parmi tous ceux qui ne jurent que par le Classic Rock*.

Cet “Electric Man”, qui ouvre l’album**, illustre bien ce que je viens d’écrire avec le martèlement de la batterie de Mike Miley, qui a bien potassé son John Bonham. Quant au riff de Scott Holiday, on comprend également que Page puisse s’y retrouver.

Tout ça pour dire que si ces jeunes gens ne brillent pas par leur originalité, ils ont en revanche parfaitement assimilé les leçons des Grands Anciens, et c’est sans doute tout ce qu’on attend d’eux.

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*celui qui régnait avant 1977.

**et qui est illustré par un clip assez réussi.

Tiens, un groupe français !

Mermonte est, en effet, un groupe français réuni sous la houlette du rennais Ghislain Fracapane. Collectif serait d’ailleurs un terme plus adéquat que groupe, tant la structure de celui-ci est variable, tournant autour d’une dizaine de musiciens.

Audiorama est leur deuxième album, et pour un fan de Sufjan Stevens comme moi, on ne peut que saluer le fait que Mermonte revendique l’influence de Sufjan, période “Michigan”, parmi un certain nombre d’autres, très honorables.

“Karel Fracapane” est une chanson qui porte, comme toutes les autres de ce disque très réussi, le nom d’un ami ou d’un membre de la famille de Ghislain Fracapane.

Écrite par Ghislain et Astrid Radigue, elle bénéficie d’une instrumentation très riche, car, sur scène, le collectif n’aligne pas moins de deux batteries, deux guitares, un violoncelle, une basse, des voix, tant féminines que masculines, des violons, des glockenspiels, des bois, des cuivres, sans compter les nombreux claviers (dont un Mellotron, pour “Karel Fracapane”).

Et puis, cerise sur le gâteau, “Karel Fracapane” est illustré d’un très joli clip vidéo, en animation, et d’une inspiration que n’auraient pas renié les Surréalistes.

Ah oui ! Vous vous demandez peut-être en quelle langue chantent Mermonte, car, plusieurs fois, j’ai rédigé des chroniques qui vous présentaient des groupes français chantant en Anglais. La réponse est simple : Mermonte chante en Français lorsqu’on arrive à saisir les paroles, mais ce peut-être également en Anglais ou en onomatopées, mais ça n’a pas une grande importance, car Mermonte, avant tout, fait de la musique et l’une des plus intelligentes et excitantes qui se puissent entendre, en 2014.