Vous avez compris ma tactique ? Je “ranime” des vieilles (sic) chansons  de la grande Anna Ternheim, figurant sur le joyau qu’est The Night Visitor (2011) en vous signalant une version parue sur le superbe enregistrement public du Cirkus de Stockholm*, Live In Stockholm

Il ne semble pas exister d’enregistrement vidéo de cette prestation au cours de laquelle c’est Anna qui tient la guitare électrique, accompagnée par un accordéon, une batterie, une guitare acoustique et une contrebasse. Mais si cela vous donne l’occasion de vous familiariser davantage avec les nombreux enregistrements discographiques ou publics d’Anna Ternheim, je considèrerais que mon petit stratagème a réussi.

Qu’elle soit seule ou entourée d’autres musiciens, c’est toujours la même magie, la même grâce qui se déploie autour d’elle. D’autres qu’elle peuvent composer des chansons aussi réussies ; certaines ont des voix plus impressionnantes. Personne ne vient parler à votre cœur, ne vient caresser votre âme, comme sait le faire la blonde Anna.

*Voir “Don’t Leave”, “The Longer, The Waiting”.

The Night Visitor (2012) fait probablement partie des 50 plus beaux albums de ma discothèque*. Et “The Longer, The Waiting” est l’une des plus belles chansons de The Night Visitor. Lorsque je l’ai vue apparaître au programme de ce Live In Stockholm, quoi de plus naturel que de vous en dire quelques mots ?

Je vous rappelle qu’il s’agit d’une reprise, d’une chanson de Pat McLaughlin et Roger Cook, et que la version studio était un duo entre Anna et Dave Ferguson**, ce dernier jouant également de la guitare acoustique, avec Matt Sweeney à la guitare électrique,  Joey Miskulin à l’accordéon et Kenny Malone aux percussions. Il existe également une version “live on the porch” enregistrée chez Ferguson, en duo avec lui.

Ces duos sont tout à fait dans l’esprit du texte de “The Longer The Waiting” dans la mesure où il s’agit du dialogue d’un couple dont l’homme doit partir travailler en mer pendant plusieurs mois.

Dans la version du Cirkus de Stockholm du 14 mars 2016, Anna chante et s’accompagne à la guitare, seulement soutenue, vers la fin, par l’accordéon de Tomas Hallonsten.

Cette chanson de séparation, d’attente, d’éloignement, dit les choses avec une pudeur et une délicatesse admirables. Sans diminuer en rien le talent de Ferguson, vous me permettrez de préférer les versions, et en particulier celle du Cirkus, où Anna la chante seule, tant il me semble qu’elle seule est capable d’en faire ressortir la grâce et la subtilité.

*Je n’ai pas les moyens, ni même le goût, d’acheter des tonnes de cd. En comptant quelques téléchargements, j’en ai à peine 4 000.

**Fut l’ingénieur du son de Johnny Cash.

Vous savez depuis longtemps*quelle place j’assigne à Anna Ternheim dans le paysage de la musique d’aujourd’hui : l’une des plus éminentes.

La blonde Suédoise est en effet l’auteur-compositeur de certaines des plus belles chansons de ce siècle ─ son premier disque est sorti en 2004 ─, et est aussi impériale sur scène qu’elle peut l’être en studio, comme le prouve cet indispensable album, Live In Stockholm**, enregistré au Cirkus de la capitale suédoise le 14 mars 2016.

“Don’t Leave” datait de 2015, et était initialement parue sur For The Young. Version magique ; Anna avec un quatuor à cordes. Eh bien, sur scène c’est tout aussi somptueux ; Anna est accompagnée par un piano, la basse et la batterie restent discrètes, la guitare électrique égrène quelques notes et le chorus instrumental est assuré par une trompette déjà aussi lointaine que l’amoureux auquel elle demande de rester.

Quelle chanteuse serait aujourd’hui capable de créer une telle proximité, une telle intimité dans une salle de concert ? Qui parle et murmure à votre cœur ? Je ne vois pas beaucoup de noms à vous citer à part Anna Ternheim.

*Voir mes chroniques “My Secret”, “Black Light Shines”, “Just As Friends”, “Lonely One”.

**Laissez-moi ronchonner ! Cet album ne s’est pas abaissé à paraître en cd, mais uniquement en téléchargement ou en vinyle. Je l’ai donc légalement téléchargé, ce qui fait que je n’ai aucun livret, aucune indication de la composition de l’orchestre d’Anna, etc. Vive le progrès ! [quelques jours passent] J’ai enfin pu trouver : Tomas Hallonsten aux claviers et à la trompette, Jonna Löfgren à la batterie, Charlotte Centervall, guitare électrique, chœurs, Patrik Thorman, contrebasse.

Voilà le genre de chansons qu’il faut attentivement surveiller de peur qu’elle ne commette une infraction au code de la route. Elle me semble, en effet, dangereusement proche d’une ligne continue qu’il ne faut franchir sous aucun prétexte : celle qui sépare le romantisme exacerbé du mauvais goût caractérisé.

Depuis son très beau premier album*, je m’intéressais aux œuvres de Rey Villalobos, qui se cache (bien mal) derrière ce nom de groupe, et House of Wolves est son troisième album. Apparemment ce garçon à la voix androgyne ne s’est pas mis au hard-rock, mais il cultive un rameau musical issu du tronc Roy Orbison, une sorte de mise en beauté du spleen adolescent, d’adoration de l’émotion pure, d’exhibitionnisme de la souffrance, surtout lorsqu’elle est soulignée par un quatuor à cordes et de grands panoramiques du vent soufflant sur la lande ou la mer démontée.

Notre ami applique à la lettre l’exhortation du vicomte de Chateaubriand : «Levez-vous vite, orages désirés…», mais attention, cher Rey, du sublime au ridicule, du grandiose au pompier**, de Chopin à Richard Clayderman, le chemin est parfois très court. Take care.

*Voir ma chronique de “50’s”.

**Voir ma chronique sur la chanson de Within Temptation, “Ice Queen”

Depuis ma chronique de la semaine dernière*, j’ai eu le temps de réécouter 22, a Million. Je suis devenu moins sévère ; mais l’objet reste difficile d’accès, austère, arrogant, d’une folle ambition, et il arrive qu’il ne soit pas toujours à la hauteur de celle-ci. Il m’a, cependant, apprivoisé, et je m’en approche avec un plaisir grandissant.

C’est donc avec un état d’esprit légèrement différent que j’aborde la seconde chanson que j’ai choisi de consacrer à cet album, la dernière de 22, a Million, “00000 Million”.

D’autant qu’il s’agit de la chanson la plus “accessible” du disque, un peu dans la lignée de “Beth/Rest”**, avec de très belles paroles signées par Justin et Michael Lewis, lesquelles délivrent une réflexion philosophique de bonne tenue,  et un sample de Fionn Regan tiré de sa chanson “Abacus”.

Il y a la voix de Justin et la “Jannette”. Cette dernière est un piano acoustique tout ce qu’il y a de plus banal, équipé de micros, lesquels sont reliés à de multiples effets électroniques***.

Cependant, et probablement pour revenir à une altitude plus “humaine” que ce que permettent les manipulations électroniques permises par le travail en studio, c’est dans les différentes incarnations de “00000 Million” sur scène que la chanson me satisfait pleinement ; elle apparaît alors comme une lamentation touchante, authentique, parfaitement écrite, j’allais presque écrire “une chanson à l’ancienne mode” si je ne m’apercevais pas du danger contenu dans cette expression ; mais les différentes versions que Bon Iver en donne apportent toutes une facette différente, et si je devais en choisir une, ce serait peut-être celle de NPR. De plus, et c’est aussi ce qui m’a fait écrire cette vilaine expression, la chanson est reprise, et plutôt très bien, par quelques amateurs (?)**** et elle acquiert une densité, le statut de quelque chose qui peut vraiment être proche de vous, bref l’une des chansons avec lesquelles vous ne pouvez pas ne pas vivre.

https://www.youtube.com/watch?v=6nJnenzdIo8

*Voir 8 (Circle).

**Voir ma chronique consacrée à ce titre.

***TC-Helicon et pédale Ibanez Phase Tone, ainsi que phaser, reverb, etc…

****Allez voir, par exemple, sur YouTube ce qu’en font des inconnu(e)s comme Anna Klein ou Micah Turbitt…

Je dois avouer que lorsque j’ai acheté ce cd de Bon Iver, 22, a Million, mon premier sentiment a été la déception. Il faut dire que j’avais été littéralement enthousiasmé par l’album précédent, Bon Iver, Bon Iver*, sans doute l’un des 2 ou 3 meilleurs disques de l’année 2011. « Barbant !» m’a dit quelqu’un dont je respecte les goûts, et j’avais du mal à me dire qu’il avait complètement tort. Et pourtant je voulais trouver un moyen de “sauver le soldat Bon Iver”, car comment imaginer que l’un des grands créateurs de cette décennie (y compris si l’on a du mal à supporter son falsetto, ce qui n’est pas mon cas) puisse sombrer dans la médiocrité. La seule voie de salut était la scène, car me souvenant de concerts parisiens extraordinaires (29 octobre 2011, 15 juillet 2012), il était important que je puisse juger ces nouvelles chansons dans ce contexte.

Il suffisait simplement d’aller regarder sur YouTube le merveilleux concert donné à l’Opéra de Cork, en Irlande (et diffusé par ARTE) pour être pleinement rassuré sur la puissance créative, l’ambition et la maîtrise de Justin Vernon et ses amis. Il avait suffi simplement, comme je l’avais fait, d’être parmi les spectateurs de la salle Pleyel, le 22 septembre 2017, afin d’assister à l’un des plus grands concerts de l’année, pour être certain que Bon Iver continuait à représenter la plus haute expression, j’aurais envie de dire l’honneur, de la musique pop.

Alors, bien sûr, pour en revenir à ce disque un peu glacial, arrogant, avec ces titres de chansons faits de chiffres ou de mots incompréhensibles, on a le droit de manifester un peu d’agacement. Mais on n’a pas le droit de ne pas suivre Bon Iver, notre guide vers ces régions escarpées de la plus haute création artistique.

La vidéo jointe à cette chronique est justement celle de 8 (circle) à Cork** ; une douzaines de choristes s’installent derrière leurs micros. Justin est derrière un clavier électronique, son casque sur les oreilles ; la batterie de Sean Carey marque discrètement le tempo ; Michael Lewis est également aux claviers ; la salle est présente, attentive, respectueuse… On laissera le dernier mot à Justin, qui, vers la fin du concert s’exclamera : « This is not entertainment ; this is a spiritual fucking thing !».

*Je vous rappelle que ce ne sont pas moins de six chroniques que j’ai consacrées à cet album : “Perth”, “Calgary”, “Michicant”, “Holocene”, “Beth/Rest” et “Towers”

**Cette vidéo n’est plus disponible sur YouTube.

Dans la note de bas de page qui figurait dans ma chronique de “Nous Sommes Tous Frères”, tiré de l’album éponyme de Ramon Pipin paru en 1985, je vous informais qu’une nouvelle version de cette chanson était au menu de Comment Éclairer Votre Intérieur*, et je me proposais d’y consacrer également une chronique, histoire de voir ce qui avait pu bouger, 31 ans après. Nous y voilà.

Ainsi que je le suggérais dans cette précédente chronique, Ramon Pipin, ─ dans une étroite collaboration avec le regretté Costric ─ loin de nous délivrer un message politiquement correct propre à faire rougir un troupeau d’universitaires américains, le fait imploser sous le poids de sa propre absurdité, en universalisant son propos d’une telle façon, que celui-ci n’a plus aucun sens.

Le premier couplet, le seul qui soit identique dans les versions 1985 et 2016 le démontre à l’envi, qui donne de la diversité ─ symbole de la société désirable ─ une image ridicule. Ce qui l’illustre, en effet, est constitué de couples tellement opposés ou tellement improbables, que toute idée de fraternité en est exclue. Ce beau mot de fraternité qui figure dans la devise de la République n’est possible que dans une communauté de valeurs, ce qu’ignore volontairement le texte, et l’effet comique provient justement de cette “fraternité” détachée de toute réalité.

Et puis, comme souvent chez Ramon Pipin, ces oppositions se déplacent, du signifié vers le signifiant lui-même** (myope/presbytère), renforçant cette coupure avec la réalité et nous plongeant dans cette absurdité, qui est le ressort du texte.

Il est important de noter que, parallèlement à l’affirmation d’oppositions radicales (victime/tortionnaire), la plupart des oppositions énoncées mettent en lumière des pseudo-oppositions, où ce qui rassemble (l’argent, le sexe, la maladie…) est plus structurant que ce qui sépare. La principale victime de ce procédé est la pauvre Lou Doillon qui ne sort pas grandie de ce couple avec une verrue plantaire.

Comme pour “rattraper” cette affirmation humaniste déstructurée et minée par l’absurde, le texte de 2016, tout comme celui de 1985, se conclut par la répétition, en quatre langues (dont une morte) de l’idée-force de la chanson, mais cet éparpillement langagier dilue et affaiblit le sens de l’affirmation, au lieu de le renforcer.

Je vous renvoie à mes commentaires de la version 1985, qui saluent la qualité de la musique et la pertinence des arrangements, lesquels ont beaucoup moins vieillis que d’autres productions de cette époque, pour m’arrêter évidemment sur cette version 2016.

Ramon Pipin a choisi, et il a bien fait, de respecter l’ossature mélodique, harmonique et rythmique de la chanson, mais les arrangements sont radicalement différents et donnent une idée amusante de ce qu’on peut appeler la “modernité” en musique.

En effet, là où la version 1985 est envahie par les synthétiseurs, les voix et les rythmes “robotiques”, une rigidité censée illustrer le monde technologique dans lequel nous pénétrions avec une certaine fascination dans ce dernier quart du XXème siècle, il semblerait que le mot d’ordre, en 2016 soit : « Machines arrière, toute ! ».

Sur un tempo à peine plus rapide, plus aucun synthétiseur, le moins possible d’électronique, à part un ou deux effets sur les voix. On reconnaît là la « patte » de Vincent ” Turquoiz” Chavagnac, responsable des orchestrations du disque, et ayant assuré la production, conjointement avec Ramon et Jean-Marc Pinaud.

C’est un quatuor à cordes en majesté qui occupe la place autrefois occupée par le synthétique. Kraftwerk a perdu la partie ! Anne Gravoin (1er violon), David Braccini (2ème violon), Jonathan Nazet (alto) et Mathilde Sternat (violoncelle) donnent à cette version une chaleur, une humanité réconfortantes, soulignée encore par les chœurs où brille, comme d’habitude, Clarabelle. La guitare électrique de Stéphane Daireaux, dévolue à la rythmique, reste discrète. La basse de Marc Périer enveloppe, là où celle de 1985 heurtait. Franck Amand n’est pas en reste même si sa partition de batterie lui impose de respecter le rythme martial d’origine. Curieusement, c’est le piano de Cyril Barbessol qui apporte le plus de réminiscences de 1985, en reprenant parfois le motif de basse de l’époque***. Et que dire du Philicorda de Ramon, rescapé des années 60****, dont la sonorité particulière fait le lien avec une époque située non pas 31 ans, mais 50 ans en arrière ? Mais il y a un élément très intéressant, une sorte de grain de sable, qui vient ─ oh, très légèrement et discrètement ─ bouleverser un peu le bel équilibre que je viens de décrire : dans la dernière demi-minute de la chanson, on entend, assez loin dans le mix, la guitare rageuse, distordue de Ramon Pipin lui-même, qui termine le morceau par un larsen. Je ne vous dirais pas le sens que je donne à ce qui peut apparaître comme une incongruité ; ce n’en est pas une, mais ça me permet de préciser que je suis de ceux qui pensent que tout a un sens. Bref, ça m’a fait penser à la conclusion d’une chanson de Sufjan Stevens que j’ai chroniquée récemment, laquelle se terminait par un chorus de guitare bruitiste et envahi par les larsens. Le maître expliquait ingénument qu’il aimait bien saloper un peu les choses qui pouvaient apparaître un peu trop jolies. Cette idée me plait bien, et j’ajouterais qu’il n’y a pas beaucoup de musiciens, sur cette planète, que je pourrais associer, dans le même paragraphe, à Sufjan Stevens. Vous en tirerez les conclusions qui s’imposent.

Cette musique nous dit bien quelque chose sur la modernité, et sur la peur qu’elle nous inspire ; elle nous avertit que l’histoire musicale ne suit pas la courbe d’un quelconque progrès comme nous le prouve l’impasse dans laquelle s’est fourvoyée ce qu’on appelle la Musique Contemporaine. Elle nous dit que l’être humain est en quête de beauté. Et il est assez cocasse que ce soit Ramon Pipin, artiste dont la réputation est plutôt celle d’un amuseur, qui nous rappelle cette absolue vérité.

*Voir ma chronique de “C’est Mon Dernier Concert“, ainsi que les quelques autres que j’ai pu consacrer à cet artiste.

**Le camembert opposé au beur a disparu de la version 2016, car le terme, lui-même a pris une connotation péjorative, remplacé par “rebeu”, lui-même en voie de disparition. Ont disparus également le RPR, la chanson de Maurice Chevalier, Jean-Pierre Mader, et bien sûr, le Minitel.

***Sans doute assuré par Hervé Lavandier et son Emu II

****Je constate avec une certaine satisfaction que l’un de mes musiciens préférés, Norman Blake, leader de Teenage Fanclub, est un grand adepte du Philicorda.

Cela faisait bien longtemps que nous n’avions pas eu de nouvelles de Ramon Pipin, en fait depuis son album de reprises, Ready, Steady, Go (1992). Vingt-quatre ans ! Excusez du peu !

L’annonce de quelques concerts, fin septembre, au Café de la Danse, précédant la sortie de l’album, intitulé Comment Éclairer Votre Intérieur, avait aiguisé ma curiosité, et j’avais été impressionné par la compétence du nouveau Ramon Pipin Band, et par la qualité d’un certain nombre de ses nouvelles chansons.

Je retrouve donc la plupart de celles-ci sur l’album en question, lequel se termine par cette chanson, l’une des meilleures, “C’est Mon Dernier Concert”.

Mes lecteurs et lectrices les plus fidèles se souviennent que j’avais déjà, dans ce blog, accordé une certaine attention à Ramon Pipin, et, qu’en particulier dans une des chansons de Nous Sommes Tous Frères, j’avais mis en exergue ce fait que son humour reposait sur une utilisation du langage qui entretient avec brio une ambiguïté, voire une indistinction entre un discours manifeste qui affirme un certain état de fait, et un discours latent, une sorte de sous-texte, qui porte l’affirmation strictement inverse.

“C’est Mon Dernier Concert”, dont les paroles ont été écrites par Ramon avec une petite participation de Yves Hirschfeld, joue de ce registre-là.

Le discours manifeste est celui d’un musicien vieilli et fatigué, plutôt soulagé d’annoncer son « dernier concert », et de se consacrer à une retraite bien méritée. Mais l’autre discours affleure très vite : il s’agit de plier ses affaires, ce qui, vous l’avouerez n’est pas une occupation passionnante. Dès le couplet qui suit, dans lequel l’auteur décrit la réalité de la vie d’un musicien, dans ce qu’elle peut avoir de plus trivial, on se dit qu’il va avoir des choses bien plus passionnantes à faire, alors que tombe comme une enclume le verbe « s’étioler », c’est-à-dire perdre sa force vitale, comme une plante que l’on n’expose pas au soleil ! Malgré, ou à cause de ses mots croisés, dans son canapé, c’est la mort qui guette Ramon Pipin, et rien d’autre ! Contrairement à beaucoup de nos contemporains, qui attendent la retraite comme une délivrance, il nous hurle que tout vaut mieux que ce repos bien mérité.

Dans le couplet suivant, il commence par nous décrire la pauvreté de sa vie amoureuse, et on se dit qu’il va mettre à profit son temps libre pour tenter de construire une relation plus satisfaisante. Vous n’y pensez pas ! Il s’agit simplement de tailler ses bonsaïs ! Et là, tombe le second verbe, écrasant : « dépérir ».

Et la fin de la chanson s’impose d’une façon glaçante : « Y’a un temps pour chanter, un autre pour se taire… » Ce temps pour se taire n’est pas un temps choisi, espéré, attendu impatiemment ; ce n’est pas le temps du repos, c’est le temps de la mort, celui qui s’impose et dont on n’a pas envie, quand bien même cette vie n’offre pas que des moments inoubliables.

La musique est, bien entendu, là pour nous dire quelque chose également. Et d’abord, avec l’instrumentation, parfaitement choisie par Vince Turquoiz. Deux, et seulement deux chansons de ce disque, bénéficient de l’apport d’un instrument dont la seule évocation nous renvoie aux bienheureuses années 60 du siècle dernier, je parle, bien entendu, du Mellotron, confié à Vincent “Turquoiz” Chavagnac. Le propos de l’autre chanson est la décrépitude, et je ne m’y attarderais pas, mais en tout cas, le Mellotron, qui apparaît dans la strophe finale, nous dit simplement : « Qu’est-ce que c’était bien, il y a 50 ans ! Qu’est-ce que ce serait bon d’y être à nouveau !» On note également la présence d’un orgue Hammond (Cyril Barbessol) ce qui ne nous rajeunit pas non plus ! Quant au son des guitares électriques, outre qu’il nous indique que Ramon Pipin écoute et apprécie Andy Partridge (XTC), ce qui vient conforter sa réputation d’homme de goût, il possède un petit côté “vintage” qui continue à cultiver une nostalgie que les mots ne convoquent pourtant jamais.

Il faut rendre hommage aux musiciens qui accompagnent Pipin, car il n’a jamais eu autour de lui un groupe à ce point homogène et talentueux. Stéphane Daireaux (guitare électrique), Pierre Sangra (mandoline, dulcimer, guitare électrique 12-cordes), Franck Amand (batterie), Marc Périer (basse), ceux que j’ai cités ci-dessus et les choristes dont vous pourrez retrouver les noms dans le livret qui accompagne le disque.

Mais il faut une conclusion à cette chronique, et elle prendra la forme d’un conseil, voire d’une exhortation : cher Ramon Pipin, je sais qu’il vous arrive de me lire ; eh bien, relisez-vous également, et voyez à quel point la perspective de jouer votre « dernier concert » vous effraie et vous déprime ; aucun soulagement, ni aucune joie dans cette évocation de l’après.

Il ne vous reste plus qu’à continuer jusqu’à votre dernier souffle, afin que l’une des rares voix originales dans le paysage de la musique d’expression française ne nous laisse pas face au vide et au silence. D’avance, merci.

*Voir mes chroniques de “L’Amour” (Odeurs), “Nous Sommes Tous Frères” et “Toute La Misère Du Monde“.

Jusqu’à ce troisième album, Gilded, je ne connaissais pas Blair Dunlop, et je dois dire que la découverte de ce jeune musicien anglais, outre qu’elle m’a prouvé à quel point la scène du folk anglais était riche et vivace, m’a à nouveau fait réfléchir sur l’importance de la génétique dans le talent de certains.

Blair Dunlop est en effet le fils d’Ashley Hutchings, fondateur de Fairport Convention, dans lequel il tenait la basse, et à l’origine d’autres groupes majeurs dans l’histoire du folk britannique (Steeleye Span, The Albion Band).

L’écoute de son disque (et sans doute de ses deux premiers albums que je compte bien me procurer dès que possible, sans compter son nouvel album paru en mars 2018) vous prouvera à quel point sont déjà mûrs ses talents d’auteur-compositeur-chanteur ; quant à sa virtuosité à la guitare acoustique, elle est époustouflante.

Contrairement à son père, Blair Dunlop ne se cantonne pas à une approche traditionnelle du folk, mais on perçoit qu’il aime s’ouvrir à des influences plus pop, soutenu, dans Gilded, par un groupe de musiciens compétents.

J’ai choisi de vous présenter “Eternal Optimist” qui offre l’avantage d’être illustrée par la vidéo d’une session en studio, mais tout l’album est très plaisant, et cela me donne l’occasion d’espérer que cet artiste se produira un jour sur une scène française.

Vous commencez à vous familiariser avec le style d’Astronauts, nom de groupe derrière lequel se cachent Dan Carney et quelques amis.

Leur End Codes de 2016 est une mine inépuisable, et vous avez pu lire ce que je pense du single qui avait annoncé cet album*.

Dan travaille sur la durée et la répétitivité, et “Recondition” est bâti autour d’un petit riff à la guitare acoustique qui tourne en boucle (par la magie de l’électronique). C’est ce mariage savant de sonorités acoustiques (guitare et piano) et électroniques qui singularise le son d’Astronauts, et le rend inimitable, d’autant que Dan y ajoute une voix de miel (souvent doublée), qui me fait un peu penser, non par le timbre, mais par l’approche, à Robert Wyatt.

Et ceux qui pensent un peu trop rapidement qu’il est facile de remplir 6 minutes de musique avec une boucle de guitare, feraient bien d’écouter attentivement la façon dont Dan construit et enrichit sa musique, jamais ennuyeuse ou superflue, fruit d’un travail d’orchestration et de production qui fait qu’Astronauts possède un son reconnaissable entre mille, et dont je ne saurais plus me passer, surtout lorsque j’ai besoin de lutter contre le bruit du monde. J’espère qu’il en est de même pour vous.

*Voir “Civil Engineer”.

Vous savez à quel point j’adore Dan Carney, tête pensante d’Astronauts*, nom sous lequel il publiait cette année son deuxième album, End Codes.

L’album avait été précédé d’un “single” parfaitement addictif, “Civil Engineer”. La recette est simple, mais, comme toutes les choses simples, elle nécessite qu’on y infuse un peu de génie, afin que le “simple” ne dérive pas vers le “facile”, et justement, l’ingrédient-miracle est au rendez-vous, ce qui n’est pas pour nous étonner, s’agissant de Dan Carney.

Ce mélange organique si doux et profond que Dan sait, comme nul autre, créer, est fait de guitares boisées et souvent jouées en open-chords, de petits claviers électroniques délivrant des sons qui n’ont aucune autre ambition que de vous envelopper dans une ouate légère, d’une basse et d’une batterie suffisamment bien élevées pour rester sagement dans leur coin, et surtout d’harmonies vocales qui ne nous jouent pas le feu d’artifice, mais plutôt la crème chantilly. Tout cela nous enveloppe dans un nuage blanc, chaud et protecteur, qui joue sur la répétitivité, sans jamais nous confronter à l’ennuyeux. Ce petit miracle est obtenu par la grâce de subtiles variations qui petit à petit construisent la chanson, la font avancer, et lui donnent une épaisseur qui n’est en aucune façon contradictoire avec la légèreté revendiquée.

Ce “Civil Engineer” dure un peu plus de 4 minutes, mais il pourrait atteindre une durée bien plus imposante, tant ce balancement hypnotique, ce hamac musical, est propice à la perte de toute notion temporelle. Dan Carney est un magicien, un joueur-de-flûte-de-Hamelin que je suivrais jusqu’au bout du monde, porté par ses mélopées qui ne s’arrêtent jamais.

*Voir mes chroniques “Hollow Ponds” et “Think On (2003).

Peut-être ne le savez-vous pas encore, mais j’aime beaucoup la californienne Meg Baird. Ancienne chanteuse d’Espers, responsable de trois magnifiques albums solo, Dear Companion (2007), Seasons On Earth (2011)* et Don’t Weigh Down The Light (2015), elle me fait penser, excusez du peu, à rien moins que Sandy Denny.

Quand j’ai appris qu’elle allait être à la tête d’un supergroupe, en compagnie du bassiste Ethan Miller, ancien de Comets On Fire, des guitaristes Charlie Saufley, et surtout Noel Von Harmonson, ancien de Comets On Fire et Six Organs Of Admittance, je n’ai pu réprimer quelques cris de joie !

Et, à l’arrivée, même si ce premier**album de Heron Oblivion, produit par le groupe et Eric Bauer, contient de très beaux moments, je ne peux pas m’empêcher d’éprouver une certaine perplexité.

Heron Oblivion a souhaité créer une musique qui rappellerait les grandes heures du psychédélisme. Pourquoi pas ? Mais la formule choisie consiste à juxtaposer la voix angélique de Meg, ainsi que son jeu de batterie simple et sobre, avec une guitare saturée et chargée d’effets (trémolo et autres wah-wah) ─ je crois que c’est celle de Von Harmonson ─ qui possède, en plus, le défaut d’être un peu trop bavarde. Comme si les 60’s californiennes s’interpénétraient avec le hardcore 90’s, ou, pour reprendre une image qui n’est pas de moi, comme si le Jefferson Airplane partageait la scène avec Hüsker Dü ; la mayonnaise ne prend pas toujours, même si Ethan et Meg sont impeccables ; tout le monde ne s’appelle pas Crazy Horse***.

Et, en tout cas, ça m’a donné envie de me replonger dans l’œuvre complète de Meg Baird.

*Et peut-être d’un troisième que je ne connais pas encore.

**Et, à ce jour, seul.

***Le groupe qui accompagne Neil Young, pour ceux qui n’ont pas tout suivi.