Je vous ai déjà dit beaucoup de bien du groupe américain The Decemberists, et le moteur de recherche perfectionné de mon blog devrait vous permettre de vous reporter à toutes les chroniques les concernant. Je n’avais pas manqué de souligner l’anglophilie de Colin Meloy et ses amis (Chris Funk, Nate Query, Jenny Conlee, John Moen) et c’est cet attachement au folklore anglais et écossais qui les a décidé à contacter une chanteuse anglaise, Olivia Chaney, diplômée de l’Académie Royale de Musique d’Angleterre, guitariste et joueuse d’harmonium indien*, dont le premier disque date de 2013. Sa collaboration avec The Decemberists aboutit à la parution d’un album, The Queen Of Hearts, sous le nom d’Offa Rex.

The Queen Of Hearts, produit par Tucker Martine et Colin Meloy est une superbe collection de chansons folkloriques anglo-saxonnes, de toutes les époques, des reprises, donc.

J’ai choisi de mettre en avant “The Old Churchyard” dans laquelle Olivia chante et joue de l’harmonium. Colin est à la guitare électrique, Nate à la basse et John à la batterie. Il y a également deux invités, l’Australienne Mirabai Peart au violoncelle, et Ralph Carney qui joue d’un instrument à vent.

L’arrangement est inspiré de la version a cappella que Norma Waterson et Martin Carthy en ont donné en 2002 pour leur album A Dark Light.

La chanson date probablement du milieu du XIXème siècle, et son inspiration très chrétienne devrait en faire une favorite des cérémonies funèbres.

La très belle vidéo qui illustre cette chanson ne manquera pas de vous rendre amoureux(se) de cet hymne bouleversant, et peut-être également de la superbe Olivia Chaney. Je vous avoue que la fusion de l’harmonium d’Olivia et de la Fender parfaitement distordue de Colin produit une sonorité proche des “bag-pipes” écossais que je trouve du plus bel effet.        

*un harmonium utilisant l’air pour produire des notes.

On comprend un peu ce qui a poussé Sufjan Stevens à s’intéresser au destin singulier de Tonya Harding, grande championne américaine de patinage artistique, la première à réussir un triple axel en compétition, et dont le petit ami de l’époque, Jeff Gillooly avait payé un malfrat pour blesser aux jambes la grande rivale de Tonya, Nancy Kerrigan. Harding fut exclue à vie de la Fédération de Patinage Artistique pour n’avoir pas dénoncé les sombres projets de Gillooly, et Kerrigan obtint, par la suite, une médaille d’argent aux Jeux Olympiques.

Il existe deux versions de la chanson qui diffèrent par leur tonalité ─ la version la plus courante, la plus orchestrée, est en Ré majeur, et la version en Mi bémol majeur est plus intimiste ─ et l’on pourra préférer l’une à l’autre, elles sont toutes les deux très réussies. Sufjan souhaitait que sa chanson soit choisie pour être intégrée à la biographie filmée de Tonya Harding, mais ce ne fut pas le cas. Sufjan nous avoue qu’il a beaucoup travaillé, et depuis longtemps, à l’écriture de cette chanson, alors que ce que nous entendons est une mélodie d’une évidence et d’une facilité limpides, un peu comme les arabesques que Harding dessinait sur la glace. Ce n’est pas la première fois que Sufjan s’intéresse (et, sans doute, s’identifie) à une personnalité trouble (voire criminelle) de l’histoire américaine*, mais il le fait toujours avec une délicatesse et une empathie qui forcent mon admiration.

*Voir ma chronique “John Wayne Gacy, Jr”.

Voilà ce qui est, pour moi, l’un des albums les plus réussis de 2017, et sans doute le début, pour St. Vincent, d’une reconnaissance critique et commerciale universelle.

Mais St. Vincent (née Annie Clark) est une personnalité suffisamment forte et talentueuse pour déjouer les embûches d’un succès mérité, quoique un peu tardif dans sa carrière, puisque son premier album, Marry Me, a déjà 10 ans. Elle avait, auparavant été membre des Polyphonic Spree, et avait accompagné Sufjan Stevens sur scène. J’ai donc suivi toute sa carrière avec beaucoup d’intérêt.

Ce nouvel album, Masseduction, son cinquième, est produit par elle-même et Jack Antonoff ; il est sans doute très personnel, voire autobiographique, et j’ai choisi une chanson qui n’a pas été éditée en “single” pour vous le présenter.

“Hang On Me”, qui ouvre l’album est peut-être la chanson la plus proche de ce qu’elle pouvait faire avant sa décision de “conquérir le monde”. Mais ce passage à une électropop destinée à la faire devenir l’une des personnalités les plus influentes de la musique actuelle ne me gêne pas, car elle en contrôle tous les aspects, musique, ─ elle est aujourd’hui l’une des guitaristes les plus talentueuses et admirées ─ paroles, mise en scène, vidéos, instrumentation, rapports avec les médias. À cet égard, elle peut être comparée à des artistes du calibre de Prince, Kate Bush ou David Bowie. “Hang On Me” est une chanson de séparation, assez désespérée, et que cet album s’ouvre par une œuvre aussi intime en dit long sur l’ambition de l’artiste. Pas de batterie dans “Hang On Me” ; Annie, sa voix parfaitement bien placée, sa guitare, les programmation d’Antonoff, une basse, un mellotron et un piano, c’est suffisant pour se faire happer, dès l’entrée, par l’univers de St. Vincent. Tout l’album est à ce niveau de qualité, et écrase littéralement la concurrence. Vraiment, vous ne pouvez pas passer à côté de Masseduction ; dans le cas contraire, vous passez à côté de votre époque*.     

*Ce qui est une option hautement respectable !

Je dois avouer que je n’avais pas beaucoup aimé le précédent album de la Norvégienne Susanne Sundfør, Ten Love Songs, un brouet synthpop sans doute bien fait, puisqu’il lui avait apporté une certaine consécration internationale, mais que j’avais trouvé assez insipide.

Rien de tel avec ce très beau Music For People In Trouble, où elle revient au style qui m’a fait lui consacrer plusieurs chroniques élogieuses*, un folk indie perdu dans les brumes scandinaves, magnifié par sa voix, véritablement exceptionnelle**, et conçu pendant une période où la jeune femme traversait une dépression assez sévère. Elle s’est, pour s’en sortir, nourri de voyages photographiques à travers le monde (Amazonie, Corée du Nord).

Elle s’est fait, pour la production, aider par Jørgen Træen, et l’album bénéficie de l’apport d’un certain nombre de musiciens réputés parmi lesquels je citerais Greg Leisz à la pedal-steel guitar, et surtout, la voix de John Grant***.

“The Sound Of War” dure près de 7 minutes 50 et possède deux parties bien distinctes. Au début, on entend une rivière qui coule et des oiseaux qui chantent, et puis assez vite la guitare de Susanne, montée en cordes nylon, « comme Nick Drake » dit-elle****, et sa voix, impressionnante. Tout cela est très joli, bucolique, même si les paroles de la chanson démentent l’apparente sérénité de la mélodie qui se déroule calmement. Très bientôt, d’ailleurs, intervient un synthétiseur qui installe une fréquence très basse, qui, dans ce contexte prend un ton menaçant. Un peu avant la 5ème minute, la chanson s’arrête remplacée par « les bruits de la guerre », lesquels sont d’ailleurs beaucoup moins le fracas des armes que le bourdonnement des drones et des appareils de surveillance. Puis, dans le lointain, à nouveau la voix de Suzanne, portée par une nappe de synthétiseur tente de redonner un peu de vie au milieu de ces évocations mortelles.

La musique pop n’a jamais été avare de ces chansons de protestation contre la guerre, mais je n’en connais pas beaucoup qui ont dénoncé l’horreur avec cette puissance.

* Voir mes chroniques, “The Brothel” et “The Silicone Veil”.

**Le concert du 9 mars 2018, au Café de la Danse, fut un éblouissement.

***Vous savez, l’ex-chanteur des Czars, dont je n’arrête pas de parler !

****J’ajouterais, comme Mark Kozelek, comme José González…

Je crois, qu’en Anglais, on appelle ça un “guilty pleasure”, un plaisir coupable, quelque chose que l’ensemble de nos goûts ou de nos intérêts ne nous prépare pas à apprécier, et pire, quelque chose qui ne s’intègre pas dans cet ensemble, qui y fait comme une tache, qu’il faudrait donc s’évertuer à cacher.

Mon abondante “littérature” sur Lana* tend à démontrer que, loin de me repentir, je me vautre dans l’erreur, et j’en rajoute une couche avec ce “Love”, première chanson de son album Lust For Life.

La belle est toute souriante sur la photo qui orne la jaquette du cd (ce qui n’était pas, je crois, à la mode, en 2017 ; donc, un bon point pour elle); elle a tout écrit et produit elle-même (avec l’aide de trois ou quatre amis, mais un autre bon point quand même), et je trouve ça plutôt bien fait. Je ne suis pas le seul, puisque la chanson a été choisie comme “single” pour annoncer l’album. Retenez cependant qu’il n’est pas concevable d’écouter “Love” sans regarder la vidéo qui lui est associée, et dont je ne vous dirai pas un mot, pour ne pas vous gâcher le plaisir de la découverte. Sachez simplement que c’est très romantique, même si ce que recouvre ce mot, aujourd’hui, pouvait avoir une acception très différente il y a deux siècles. Mais qui s’occupe, je vous demande, de ce qui se passait il y a deux siècles ?

*Voir mes chroniques “Cruel World”, “Ride”, “Summertime Sadness”, “Video Games”.

Le 10 juillet 2017, j’étais, bien entendu, sur un très confortable siège à la Philharmonie de Paris pour assister au concert que devaient donner Sufjan Stevens (Sufjaaaaan !!), Nico Muhly, Bryce Dessner et James McAlister, réunis autour du projet Planetarium.

Une très sérieuse institution musicale hollandaise avait contacté Nico Muhly, compositeur et arrangeur américain, afin d’écrire une pièce musicale ayant pour thème l’espace. Nico avait rameuté ses copains, Bryce Dessner, guitariste du groupe The National*, et Sufjan Stevens, qu’on ne présente plus, qui était arrivé avec son batteur fidèle, James McAlister. On peut dire, un peu schématiquement que Muhly est responsable de la musique, avec d’importantes participations des trois autres, et Stevens, des paroles.

Je ne sais plus combien de temps ça a duré, mais toute la salle a écouté dans un silence religieux, comme s’ils étaient à l’Opéra. Moi, j’ai trouvé que Sufjan avait chanté un peu médiocrement, mais comme vous vous en doutez, je lui pardonne tout. À la fin, “standing ovation”, applaudissements pendant 10 minutes, bravos et pâmoisons.

Globalement, je me suis fait un peu chier.

Et là, j’ai devant moi le disque Planetarium ; je l’ai écouté une fois, pas deux, 76 minutes, il faut quand même se les avaler, et j’avais choisi la dernière des 17 plages du cd, “Mercury”, histoire de vous en dire un mot. Mais, maintenant que je suis à l’ouvrage, consciencieusement, je réécoute l’ensemble.

Il n’y a pas à dire, il y a de beaux moments ! Les quatre hommes utilisent un nombre impressionnant d’instruments, claviers divers et variés (il n’y a que Dessner qui ne lâche pas sa guitare) et ils sont secondés dans leurs tâches par un quatuor à cordes et pas moins de sept trombones. Alors, il y a ce qu’on pourrait appeler des “ambiances musicales”, c’est-à-dire, de mon point de vue, un remplissage assez vain avec de grandes plages musicales où rien ne vient ni heurter l’oreille, ni malheureusement, l’accrocher.

Il y a, également, des parties chantées par Sufjan (Sufjaaaaan !!), et dans le disque, il chante plutôt bien, mais ce n’est pas sa musique, c’est lisse, c’est propre, ça manque d’âme, d’inspiration, ça manque de musique.

J’ai eu la curiosité d’aller lire les compte-rendus ou les critiques d’un certain nombre de gens dont c’est le métier de nous tenir au courant de ce qui se fait de mieux dans le domaine de l’Art et de la Musique. Tout le monde adore, bien sûr ; on n’est plus dans la pop music, on est dans la Culture. À propos de ce que fait Sufjan Stevens, ces éminentes personnalités, remarquant qu’il utilise parfois des dispositifs de traitement du signal vocal (vocoder, auto-tune) n’ont pas manqué de rapprocher Planetarium de The Age Of Adz. (2010)**. Voilà qui me fait bondir et qui est une nouvelle preuve d’une façon très superficielle d’écouter de la musique ; on repère un son, ça fait penser à un son identique qu’on a entendu ailleurs ; il ne reste plus qu’à mettre le signe “égale” entre les deux, et on a fait le boulot. À ce compte-là, on entend un piano chez Richard Clayderman, et ça fait penser à Frédéric Chopin ! J’exagère un peu.

“Mercury” est à sauver. On y entend Sufjan chanter une vraie chanson. D’ailleurs, avec ma mauvaise foi habituelle, je parierais que c’est Sufjan qui a composé ça, et pas Nico Muhly. Ce n’est pas ce qu’il a fait de mieux dans sa vie, mais il ne pouvait quand même pas trop tirer la couverture à lui, n’est-ce-pas ?

*Voir ma chronique “England”.

**Merci d’aller lire ma chronique de “Vesuvius”

J’ai tellement eu l’impression que ce second album de l’Islandais Ásgeir, Afterglow, successeur de In The Silence, avait été négligé, que vous avez droit à une séance de rattrapage avec “Here Comes The Wave In”. Cela dit, je ne lui fais pas une faveur, car la qualité d’Afterglow est tellement élevée qu’il n’a certainement pas besoin de moi pour être défendu.

La voix exceptionnelle du prodige islandais est une service d’une chanson dont la qualité mélodique est tellement évidente que l’on se demande pourquoi elle n’est pas sur toutes les lèvres. Bien sûr, c’est lui qui s’occupe de toute l’instrumentation, guitare, piano, basse, batterie, synthétiseur, deux de ses musiciens ayant rajouté respectivement une piste de batterie et une de guitare. On est évidemment assez loin de l’ambiance folk d’In The Silence, mais la coupure est loin d’être radicale ; en d’autres termes il s’agit d’un enrichissement de la matière sonore, mais la manière, les qualités, la personnalité d’Ásgeir sont toujours présentes et reconnaissables entre mille. Si ce qu’est devenu le marché de la musique populaire lui en laisse l’occasion, il est patent que l’on n’a pas affaire avec lui à un opportuniste qui nous donnera deux ou trois “hits”, avant de disparaître, mais à un artiste majeur dont le nom devrait briller longtemps dans le ciel européen. Mais je ne suis pas naïf, et je sais bien que la réussite commerciale d’un artiste est assez peu corrélée à ses qualités artistiques…

J’avais consacré quelques chroniques enthousiastes au premier album de l’Islandais Ásgeir, le splendide In The Silence*. J’ai eu l’impression que son second album, le non moins réussi, mais plus aventureux Afterglow, a fait beaucoup moins de vagues, qu’on en a beaucoup moins parlé et qu’il s’est beaucoup moins bien vendu, en particulier dans notre pays. Seuls des chiffres de vente officiels, dont je ne dispose pas, me permettraient de vous dire réellement ce qu’il en est.

Quoi qu’il en soit, le troubadour folk à la splendide voix aigüe a laissé la place à un compositeur toujours aussi habile et inspiré, mais qui a intégré les leçons de l’Anglais James Blake, en travaillant d’une façon plus affirmée avec l’électronique, en enrichissant assez considérablement son instrumentation, sans pour autant trahir sa personnalité ou son style.

C’est ce qui fait, par exemple, tout le prix de “Fennir Yfir”** dans laquelle Ásgeir mène la danse avec sa voix superbe, introduite par son piano. Il y joue également de la basse, de la mandoline, du synthétiseur et de la guitare. Plus loin on y entend des instruments à vent (trombone, saxophone, trompette) et de belles cordes synthétiques. La batterie, dans ce contexte électro, reste très sage et discrète. Les voix se dédoublent, se multiplient et le thème, au piano, donne à la chanson une assise très reposante et sereine.

On a toujours une petite appréhension lorsqu’un artiste doit donner une suite à un premier album célébré. Ásgeir franchit l’épreuve haut la main, en apportant encore plus de profondeur et de maturité à sa musique. Splendide.

*Voir mes chroniques “Higher”, “Summer Guest”, “Torrent” et “In Harmony”.

**Le titre est en Islandais (je n’en connais pas la signification), mais tout le texte est en Anglais. Ça n’a pas empêché un certain nombre de “critiques” francophones d’affirmer tout tranquillement que la chanson était chantée en Islandais. Voilà ce que c’est, jeunes gens, d’écrire une critique sans écouter le disque ! Pour votre gouverne, c’est la chanson suivante, “Hold”, qui est chantée en Islandais…

Le 8 septembre 2015, j’ai eu la chance d’assister, au Grand Rex, à Paris, au bouleversant et superbe concert que Sufjan Stevens a donné, dans le cadre de sa tournée “Carrie And Lowell”, accompagné par quatre remarquables musiciens, Steve Moore aux claviers, Casey Foubert à la basse, Dawn Landes, guitare et voix, James McAlister à la batterie.

Pour ceux et celles qui n’étaient pas là, il existe cet exceptionnel film produit par Asthmatic Kitty, la maison de disques de Sufjan, qui documente l’un des concerts de la tournée, celui du 9 novembre 2015, en Caroline du Sud. Vous le trouverez ici : https://vimeo.com/215185438 et c’est, à mon sens, avec ce support, plus qu’avec le disque audio, que l’on se doit de faire connaissance avec l’interprétation scénique et publique de cette œuvre exceptionnelle*.

Je vous demanderais de vous reporter à ma chronique de “The Only Thing”, qui se terminait par cette phrase de Sufjan à propos de l’enregistrement studio de Carrie & Lowell : « Ce n’est pas un projet artistique ; c’est ma vie. » En effet, comme il l’a précisé au début de cette tournée,  « J’ai pris si peu de plaisir à écrire et enregistrer l’album que je sentais que je devais m’accorder un peu de satisfaction. »

Carrie & Lowell en studio est une œuvre austère, exigeante, solitaire, douloureuse. Sur scène, vous le verrez et l’entendrez, c’est très différent ; l’instrumentation est beaucoup plus riche, faisant intervenir des synthétiseurs, des chœurs… La scénographie est très travaillée, avec des lumières, des projections cinématographiques. Quant aux chansons, elles-mêmes, elles restent assez fidèles aux originales, mais comme si une loupe grossissante mettait l’accent sur certains passages. Tout cela a pour effet de transformer l’expérience fascinante, mais un peu autistique de l’écoute de Carrie & Lowell en quelque chose de beaucoup plus ouvert, communiquant ; Sufjan est dans le partage ; ce non-projet artistique est devenu un vrai projet artistique, pas simplement pour nous, les spectateurs, mais également pour lui. Et il prend du plaisir ! En particulier, quand il invite Gallant, à la fin, à reprendre avec lui une chanson de Drake. Il y a, à ce propos, trois autres chansons, dans ce spectacle, qui ne font pas partie du corpus de Carrie & Lowell, mais qui s’intègrent parfaitement à l’ensemble ; il s’agit de la courte introduction empruntée à Michigan (2003),”Redford” et de deux pièces tirées de The Age Of Adz (2010), “Futile Devices” et “Vesuvius”. Mais bien d’autres chansons ont pu être interprétées pendant les concerts de cette tournée, et à Paris, par exemple, “Chicago” a fait partie des rappels. Vous comprendrez aisément que, dans ce contexte, il n’est pas vraiment nécessaire que je m’appesantisse une fois de plus sur “The Only Thing”. C’est peut-être ma chanson préférée de Carrie & Lowell, mais peu importe, ces deux disques, ce film, sont un tout indissociable que je me refuse à charcuter. Vous prenez, ou vous laissez. Et si vous laissez, je vous plains.

*Voir tout ce que j’ai pu écrire sur Sufjan Stevens et, en particulier mes chroniques “The Only Thing”, “John My Beloved”,”Should Have Known Better”, “Vesuvius”.

Me souvenant de ce splendide concert qu’elle avait donné à Paris le 31 octobre 2008, je me demandais, en écoutant son dernier album, Mental Illness, son neuvième, produit par Paul Bryan, pour quelle raison Aimee Mann n’était pas plus célébrée en Europe, et en France, en particulier*. Question un peu stupide, je le reconnais, mais qui se pose avec encore plus d’acuité quand on a pris la peine de faire connaissance avec Mental Illness.

Aimee Mann s’y confronte à la folie de ses contemporains, et c’est certainement son album le plus triste, le plus dépressif et, dans son instrumentation, le plus acoustique.

Le très joli “Goose Snow Cone” qui a été choisi comme “single” en est une parfaite illustration : des percussions discrètes, des cordes magnifiques ─ oui, de vrais violons, altos et violoncelles ! ─ et la voix et la guitare acoustique d’Aimee déroulent cette chanson à propos de la maladie et de la guérison du chat d’une de ses amies, Goose**.

Je me fiche, d’habitude, des récompenses et distinctions, mais le “Grammy Award” qu’a reçu Mental Illness est vraiment mérité.

* Voir ma chronique de “Deathly”

**Je vous conseille de regarder la vidéo de cette chanson, qui m’a permis de comprendre de quoi il s’agissait.

Pour je ne sais quelle raison ─ car aucune histoire familiale ne me rattache à cette région du monde ─ , je suis particulièrement sensible aux beautés du folklore écossais. J’aurais tendance à penser que mon admiration pour Donovan, au cours des années 60, a joué un rôle majeur dans cette inclination.

S. Miller est une jeune chanteuse qui a présenté son deuxième album, Strata, et celui-ci est un mélange très réussi de chansons modernes et d’airs traditionnels, venus du fond des âges.

“False, False” fait partie de cette dernière catégorie, chanson de trahison amoureuse qui met en valeur la voix pure de la jeune femme, accompagnée par le piano de Tom Gibbs, le violoncelle et le violon de Megan Henderson, la guitare d’Aaron Jones.

La basse est tenue par le producteur Euan Burton, et même si Strata ne révolutionne pas le genre, l’interprétation de Siobhan est d’une qualité suffisante pour qu’on lui prête plus qu’une oreille distraite.