Great Lake Swimmers fait partie des groupes dont j’ai scrupuleusement suivi la carrière, étape par étape depuis leur tout premier album de 2003, jusqu’à ce splendide 8^ème album, The Waves, The Wake.

Basés à Toronto, Great Lake Swimmers est en fait un collectif qui entoure la personnalité de Tony Dekker, auteur, compositeur et interprète de la plupart des chansons du groupe. Si on consulte le livret qui accompagne The Waves, The Wake, on voit ainsi que l’instrumentation et les instrumentistes changent au fil des 12 chansons, sans pour autant que se perde une unité stylistique et sonore dont sont garants Tony et son coproducteur, Chris Stringer.

” Mouth Of Flames” rassemble ainsi autour du chant de Dekker, les guitares de Kevin Kane, la contrebasse de Bret Higgins, le violoncelle de Mike Olsen et le piano de Tim Crabtree. Il n’y a pas de batterie. Il faut noter que la plupart des titres ont été enregistrés dans une église, comme on peut le voir sur les vidéos YouTube consacrées à l’album.

Que de chemin parcouru par Tony et ses ami(e)s depuis le folk des premiers albums ! Sans perdre leur âme, Great Lake Swimmers a évolué vers une musique d’une richesse et d’une puissance qui en font l’un des groupes majeurs de l’alt-folk canadien.”Mouth Of Flames” puise probablement une partie de son inspiration dans le Up (1998) de R.E.M., mais c’est un hommage mérité, et la chanson impressionne par son arrangement, son texte sombre, lyrique, la qualité de sa mélodie, grandiose. Il faut également saluer la voix de Tony, qui, même avec des possibilités limitées a su développer un “instrument” d’une expressivité, d’une délicatesse, d’une richesse émotionnelle, remarquables. L’un des plus grands albums de 2018.

Guilty Pleasure. Plaisir coupable. C’est ainsi que les anglo-saxons nomment une catégorie particulière de productions artistiques que, personnellement, nous aimons, mais qu’il faudrait ne pas aimer. Cela signifie qu’il existe, dans certains milieux, des règles qui délimitent très précisément la frontière entre le bon goût et le mauvais, et qu’il convient de rester toujours du bon côté. Les milieux du rock indépendant abhorrent tout ce qui se rapproche de la musique commerciale, celle qu’on entend à la radio, celle dont les interprètes sont invités dans les émissions de télévision, l’Eurovision étant l’horreur absolue. On notera, à ce propos, qu’un groupe comme ABBA, gagnant de l’Eurovision, et copieusement détesté par l’underground, à cette époque, est maintenant révéré par les mêmes qui les vouaient aux gémonies.

D’une façon générale, je respecte les prescriptions de cette police du bon goût, tout simplement parce qu’il s’agit de choses que j’aime, sans avoir à forcer ma nature, mais il m’est déjà arrivé, et ce blog en porte la trace, de piétiner allègrement ce “bon goût”, et de me vautrer dans les marécages putrides des “guilty pleasures”*.

Ce long préambule, car il n’est pas impossible que “Don’t Give In” appartienne à cette catégorie infamante. Mais, en même temps, je n’en suis pas certain. Wildness est le septième album studio de Snow Patrol, alors que leur sixième, Fallen Empires, datait déjà de 2011. Ce long intermède a été marqué par les problèmes psychologiques de Gary Lightbody, chanteur du groupe, dont la dépression et l’alcoolisme ont largement entravé la créativité. Ainsi, “Don’t Give In”, et l’ensemble de Wildness ne savent manifestement pas sur quel pied danser. Sous la houlette du producteur Jacknife Lee, l’album va un peu dans tous les sens, faisant de l’œil tour à tour aux fans d’indie-pop branchés, aux midinettes, au public des stades, à celui de la télévision, etc. Pour tout dire, ça ratisse large, et à force de tirer dans tous les coins, ça finit par toucher une cible. “Don’t Give In”, donc, est ce genre d’hymne que le public adore reprendre en chœur avec l’artiste, voix éraillée de celui qui a beaucoup vécu, guitare acoustique, batterie sympathique, mélodie aisément mémorisable, réverbération de cathédrale, petit passage très intimiste pendant lequel Gary vous murmure quelques mots à l’oreille, un des tubes de l’été dernier, sauf erreur, ils l’ont même chantée à “Taratata”.  Et je l’avoue, je me suis laissé prendre, car j’ai fredonné le refrain un nombre incalculable de fois. Je n’ai jamais prétendu être parfait.

*Voir mes chroniques “Ice Queen”, “People Help The People”, “Summertime Sadness”, Clocks”, “I Deserve It”, et quelques autres pour lesquelles l’indie-police me surveille.

Je vous ai déjà raconté dans quelles circonstances j’avais assisté à un concert de Darlingside*. Mon admiration pour le quatuor de Boston ne se dément pas, et a même grimpé d’un cran quand j’ai appris que cette chanson d’Extralife, choisie, à juste titre, pour être éditée en “single” avait demandé six ans à Don et Auyon** pour être enfin finalisée ! Six ans ! Cette lenteur m’émerveille et je la chéris, là où d’autres s’enthousiasment que tel ou tel “tube” ait pu être écrit en une heure.

Ayant maintenant une vue d’ensemble sur le répertoire et l’évolution de Darlingside, il est clair qu’Extralife est un album plus inquiet, plus sombre, plus en phase avec “l’air du temps” que ce qui l’a précédé. Mais cette perception accrue de la réalité qui nous entoure n’a pas modifié, et c’est heureux, les choix stylistiques fondamentaux du groupe. Don Mitchell (le guitariste électrique à lunettes), Auyon Mukharji (violoniste et mandoliniste), Harris Paseltiner (guitare acoustique et violoncelle) et David Senft (basse électrique et grosse caisse) choisissent toujours de chanter autour de leur microphone “Louise”. Tout juste peut-on remarquer que l’électronique a fait un peu plus irruption dans leur instrumentation avec l’utilisation d’un adorable petit synthétiseur à touches.

Mais dans “Hold Your Head Up High”, ce sont les instruments acoustiques qui dominent, un harmonica, une trompette et la guitare acoustique, prélude aux somptueuses harmonies dont les quatre garçons ont le secret. Il en existe également de nombreuses interprétations en public que je vous invite à retrouver sur les plateformes  vidéo, telles YouTube. Mais je ne serais pas complet si j’omettais de vous signaler que Spotify®***possède l’exclusivité d’une très belle version de “Hold Your Head Up High” dans laquelle le quatuor, sur un tempo très ralenti, simplement accompagné d’un piano, exalte la beauté de cette chanson.

*Voir “Singularity”.

**avec une petite aide de leur amie, Caitlin Canty.

***publicité gratuite.

Depuis ma précédente chronique sur Darlingside*, j’ai appris à connaître ce quatuor américain, et plus je le connais, plus je l’apprécie. D’abord, du fait de la sortie d’un magnifique album, cette année, Extralife, d’où j’extrais cette chanson, “Singularity”.

Ensuite, parce qu’au matin du 1 novembre 2018, je prenais l’Eurostar pour assister, le soir même au concert londonien que Dave Senft, Don Mitchell, Auyon Mukharji et Harris Paseltiner donnaient dans une belle salle de Shepherd’s Bush.

Réunis autour de leur splendide micro unique lequel leur permet de jouer avec leurs distances respectives de l’objet, ce qui frappe surtout c’est que rarement un quatuor a mérité, plus qu’eux, le beau nom de groupe. Il y a, entre ces quatre garçons, une proximité, une fraternité, une intimité, dont les shows gigantesques qui sont maintenant le tout venant de la musique populaire, ont perdu jusqu’à l’idée.

Au-delà de l’élévation artistique dont Darlingside est capable, c’est cette communion que permet la musique qui est palpable, visible, et si précieuse. C’est la raison pour laquelle je privilégie les interprétations en public, comme celle qui illustre cette chronique. Cela dit, et d’une façon générale, la musique est une chose vivante, et c’est en concert qu’elle se savoure de la plus belle façon. Darlingside nous le rappelle avec une acuité inégalée.

*Voir “The Ancestor”

Lors de la tournée destinée à promouvoir leur dernier album, Jet Plane And Oxbow, Shearwater, groupe auquel me lie une profonde admiration*partageait l’affiche avec un duo, couple à la scène comme à la ville, qui se produisait sous le nom de Cross Record.

Le multi-instrumentaliste Dan Duszynski et la chanteuse Emily Cross se lièrent d’amitié avec le leader de Shearwater, Jonathan Meiburg, et une collaboration fut envisagée, Jonathan se proposant d’écrire les chansons pour la voix d’Emily.

Il en résultat un album, Loma, suffisamment intéressant** pour que j’aie envie de me déplacer au concert que le trio donna à l’Olympic Café, devant quelques dizaines de spectateurs, le 29 mai de cette année. Je n’ai pas été déçu.

Loma n’a rien à voir avec Shearwater, et porte bien plus la marque d’Emily Cross que celle de Meiburg, lequel a su mettre en valeur la personnalité attachante de la jeune femme. Tout l’album mérite d’être écouté, même si j’ai choisi “Joy” pour vous présenter leur travail. Cela vous permet de vous rendre compte que Loma est un disque d’atmosphères et de sensations, plus que de chansons à proprement parler, un peu dans l’esprit Talk Talk, même si, assez curieusement, car je n’ai pas écouté ce disque depuis des décennies, ce qui me vient à l’esprit, c’est la bande originale du film More par Pink Floyd !

Pour en revenir à ce beau concert de Loma, en mai dernier, le trio fondateur était complété par deux musiciens de Shearwater, Emily Lee aux claviers et Josh Halpern à la batterie. Allez regarder les vidéos en public, car je ne suis pas complètement certain de la pérennité de ce premier essai qui est, vous l’avez compris, un coup de maître.