Cette chanson, écrite par Ian McCulloch, figure sur l’album du même nom, qui est le premier album solo de Ian, après sa rupture avec Echo and the Bunnymen. Je ne me souviens plus du reste de l’album, que je n’ai donc pas réécouté, mais ce “Candleland” est une gemme.

Je vais d’ailleurs tout de suite dire quelques mots des deux autres personnes qui ont contribué à la réussite de “Candleland” ; il y a tout d’abord Elizabeth Fraser, la chanteuse des Cocteau Twins, et certainement l’une des plus belles voix d’Angleterre. Pour vous rafraîchir la mémoire, c’est elle qui chante, au sein de This Mortal Coil, la fabuleuse version du “Song To A Siren” de Tim Buckley ; et il y a, bien sûr, le producteur, celui qui s’occupe de la programmation des claviers, et qui joue de la basse, Ray Shulman, l’un des trois frères Shulman qui contribuèrent à faire de Gentle Giant l’un des plus grands groupes de toute l’histoire de la musique pop.

Avec trois personnes aussi talentueuses au service de cette chanson, il aurait vraiment fallu le faire exprès pour que ce soit raté. Mais Ian chante parfaitement bien cette mélodie dont l’introduction pourrait faire envisager une influence napolitaine ; mais non, McCulloch revendique haut et fort ses racines liverpudliennes. On ne peut qu’admirer la production de Ray Shulman, qui sait conserver la limpidité et la tendresse de cette chanson. Quant à la voix d’Elizabeth, elle me fait venir la chair de poule à chaque fois qu’elle s’insinue derrière celle de Ian. Grande chanson !

Franchement, il fallait avoir une certaine obstination pour s’intéresser au rock n’roll pendant les 80’s ! La décennie était envahie par les synthétiseurs criards et les boîtes à rythmes robotiques, et suivre le sillon creusé par les Rolling Stones d’Exile On Main Street (1972) relevait du sacerdoce. Dire, à cette époque, qu’on aimait le Gun Club, les Fleshtones ou les Plimsouls (et, en plus, à l’âge que j’atteignais !) vous faisait passer pour un doux dingue. Pour ma défense, j’avouerais que je ne connaissais pas Green On Red, et que ce cd, Here Come The Snakes a atterri dans ma discothèque en 2005, lors de sa réédition ; c’est à partir de là que je me suis intéressé au groupe.

Green On Red s’est formé en 1979 à Tucson, dans l’Arizona, autour du chanteur et parolier Dan Stuart et tous les musiciens sont partis vers Los Angeles pour y chercher gloire et fortune. Je ne vais pas rentrer dans le détail de l’histoire du groupe, mais sachez que les nombreux musiciens qui gravitaient autour de Stuart ont rapidement été décimés par les substances toxiques qui abondaient dans cette Californie hédoniste. Bref, à l’époque de Here Come The Snakes, Green On Red était réduit à un duo, Stuart et le guitariste Chuck Prophet. Heureusement, la production était assurée par le tandem Joe Hardy-Jim Dickinson*, ce dernier ayant un peu raté l’album précédent mais faisant sur Here Come The Snakes un magnifique travail (un peu comme Jimmy Miller avec les Stones de la grande époque). En plus, le disque a été enregistré dans les studios Ardent, à Memphis, et ceux qui font le lien avec Big Star sont des vrais spécialistes** !

Le duo recruta un bassiste (René Coman) et les parties de batterie furent faites essentiellement sur machine, avec quelques ajouts par Dickinson. Et tout ça donne un grand disque, un disque de gens un peu fêlés, beaucoup cabossés, un disque fait par des musiciens qui vivent par et pour le rock n’roll, et qui ne cherchent pas à s’économiser ou à faire carrière en quoi que ce soit ; bref, une œuvre authentique comme il n’y en avait pas beaucoup en cette fin des 80’s.

“Change” vous donne une bonne idée de ce dont il s’agit : un superbe riff de guitare par Chuck, l’orgue de Jim, la basse et une batterie, probablement électronique, et Dan qui crache ses mots par-dessus tout ça. Green On Red s’est arrêté en 1993, et je ne sais pas ce que sont devenus tous ces gens, mais Here Come The Snakes reste l’un des albums les plus précieux de ma discothèque.

*Jim Dickinson (1941-2009) a produit des albums pour Big Star, The Replacements, Willy De Ville, a participé, comme musicien au Teenage Head (1971) des Flamin’ Groovies, au “Wild Horses” des Rolling Stones, etc.

**Third/Sister Lovers a été enregistré à Ardent et a plus d’un point commun avec Here Come The Snakes. Et devinez qui débarqua pendant l’enregistrement de ce dernier ? Alex Chilton !

Peter Gabriel fut approché par Martin Scorcese pour composer la musique du film Passion. Mais le disque qui fut édité par Real World, la maison de disques de Peter ne recouvre pas exactement la bande sonore musicale du film car le musicien passa de longs mois, après la sortie du film, à remanier et augmenter la musique, et le disque final porte le titre Passion – Music for The Last Temptation Of Christ a film by Martin Scorcese.

Il s’agit donc de ce qu’on a appelé des “musiques du monde”, et Peter Gabriel s’entoura de nombreux musiciens de tous les pays pour réaliser son œuvre, parmi lesquels il convient de citer Baaba Maal, L. Shankar, Youssou N’Dour, Nusrat Fateh Ali Khan. D’ailleurs, quelques mois plus tard, Peter fit paraître un second disque, sur lequel il n’intervient pas et qui rassemble les musiques traditionnelles qui lui ont servi à composer Passion.

J’ai choisi, pour illustrer cette méthode, la 3ème plage du cd, “Of These, Hope” dans laquelle interviennent Peter Gabriel avec son Prophet 5, mais également une basse, des percussions et une flûte-sifflet, Massamba Diop avec son “talking drum” d’Afrique de l’Ouest, David Rhodes à la guitare, L. Shankar avec son double violon à deux manches, et Mustafa Abdel Aziz qui utilise le son continu de son arghoul, lequel est un instrument de musique égyptien à anche simple qui peut produire deux sons simultanément, une mélodie et un son continu (merci Wikipédia !).

Quand vous faites de la pop-music, le problème n’est pas d’écrire et d’enregistrer la meilleure musique du monde, le problème est de le faire au bon moment. Et les quatre “lads” de Manchester, qui se préparait à devenir “Madchester”, arrivaient juste sur les talons des Happy Mondays avec ce premier album, The Stone Roses, dont tous les Britanniques vous diront que c’est le “plus grand premier album anglais de tous les temps”.

Le chanteur Ian Brown et le guitariste John Squire, auteur et compositeur de toutes les chansons, augmentés du bassiste Mani (Gary Mounfield) et du batteur Reni (Alan Wren) avaient trouvé la formule magique qui connectait l’optimisme venu des 60’s, l’idéalisme révolutionnaire du punk et les nouveaux territoires de l'”acid house”. Il faut dire qu’ils avaient tapé dans le mille en choisissant, pour les produire, John Leckie, qu’on avait déjà rencontrés aux côtés de XTC*. Et ils avaient le “look” adéquat.

Pour ceux qui dormaient un peu à cette époque, je rappellerais simplement que les étés 1988 et 1989 sont entrés dans la légende sous les noms de Summers Of Love, en référence comme chacun sait au Summer Of Love originel de 1967. Le Second Summer Of Love, ça a été le début de la musique électronique, des “raves”, de l’ecstasy, de l’Hacienda, à Manchester. Si ça ne vous dit toujours rien, je ne peux pas grand chose pour vous.

Pour en revenir aux Stone Roses, ce qui caractérise “Don’t Stop”, c’est qu’il est entièrement composé avec des fragments de la chanson précédente, qui s’appelle “Waterfall”, mais passés à l’envers, et, bien sûr, avec des paroles différentes ; ceux qui écouteront d’abord “Waterfall” comprendront ce que je veux dire.

Cinq ans plus tard, un autre groupe cristallisera ainsi parfaitement les attentes de la jeunesse prolétarienne anglaise : Oasis. Mais ceci est une autre histoire.

*et qui produira plus tard, par exemple, The Bends (Radiohead)

Il n’y a pas si longtemps que cela, mes fidèles lectrices et lecteurs ont pu lire les huit chroniques consacrées à cet album suprême d’XTC qu’a été Apple Venus vol. 1. *

Je n’avais retenu que les compositions d’Andy Partridge, et, pour cet album paru dix ans plus tôt, c’est une composition de Colin Moulding que je vais mettre à l’honneur.

La période était plutôt bonne pour XTC ; Skylarking, et surtout les deux albums des Dukes Of Stratosphear, leur groupe parodique, avaient été des succès aux USA**, la Grande-Bretagne les boudait, et le reste de l’Europe, dont la France continuait à les ignorer.

Virgin propose un nouvel album, à condition que le producteur soit américain. Le trio accepte, à condition que ce ne soit pas Todd Rundgren***. C’est le jeune Paul Fox, fan d’XTC qui est choisi. Andy et lui s’entendront parfaitement bien, mais son inexpérience va aboutir au fait qu’il est possible d’affirmer que cette production sera, en fait, celle d’Andy Partridge, au grand dam de Colin et Dave qui estiment que ses choix ne sont pas toujours les plus pertinents.

L’album, leur neuvième, qui sort sous la forme d’un double-album 33-t, s’appellera Oranges & Lemons. On peut le qualifier dekaléidoscopique, à l’image de sa pochette, vaguement inspirée du Yellow Submarine (1969) des Beatles.

C’est Pat Mastelloto qui est choisi comme batteur, et le trio anglais, accompagné de leurs épouses, va passer trois mois sous le chaud soleil californien de Los Angeles, pour l’enregistrement. Tout se passe parfaitement bien, sauf qu’à la fin, XTC prend connaissance de la perte financière occasionnée par les procédures engagées contre leur ancien manager. L’énormité de la somme**** entraîne l’effondrement d’Andy et son refuge dans l’alcoolisme à tel point qu’il doit être rapatrié d’urgence en Angleterre.

“King For A Day” est donc la chanson choisie pour être le 3ème single de l’album. Composée et chantée par Colin, on peut commencer par en écouter la maquette, qui se trouve sur l’indispensable coffret Coat Of Many Cupboards.

Mais c’est la vidéo promotionnelle (que je vous mets en lien) qui permettra d’apprécier au mieux le parfum jazzy de cette chanson. Tournée en noir et blanc, on y voit nos quatre amis*****ayant l’air de s’amuser dans cette ambiance “roaring thirties”. C’est l’une des chansons de Goulding que je préfère, mais, au cas où vous ne l’auriez pas compris, tout Oranges & Lemons mérite de figurer dans votre discothèque.

*une chronique par semaine pendant 8 semaines.

** Ne nous emballons pas ; tout ça tournait entre la 40ème et la 50ème place…

*** Voir mes chroniques “Earn Enough For Us” et “Another Satellite”.

****Quelque chose comme 1 250 000 € !

*****C’est le frère de Dave, Ian Gregory, qui occupe le siège du batteur, comme il le fait, d’ailleurs, dans les Dukes Of Stratosphear.

Je vous ai raconté, dans un épisode précédent*, les circonstances dans lesquelles Roy Orbison, pionnier du rock, bien oublié depuis longtemps, fut, à l’âge de 51 ans, entraîné par une bande d’amis, pour jouer ensemble, puis enregistrer un disque sous le nom de Traveling Wilburys. Tous les musiciens portaient d’amusants pseudonymes, mais personne ne fut dupe, car il y avait, outre Roy Orbison, George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty et Jeff Lynne**.

Un petit mot pour ceux qui ne connaissent pas J. Lynne, musicien britannique ayant joué avec The Move, qui est devenu célèbre en fondant Electric Light Orchestra, puis en poursuivant une carrière de producteur auprès de beaucoup d’artistes célèbres (dont George Harrison).

C’est donc Jeff qui a composé et produit ce sublime “A Love So Beautiful” pour son camarade des TW. On raconte que quand Jeff a joué la chanson pour la première fois à Roy, des larmes coulaient sur les joues de ce dernier. La séance d’enregistrement rassemblait Jeff (basse, guitare), Ray Cooper (batterie) et George Harrison à la guitare acoustique. On raconte aussi que, pour l’enregistrement de sa voix, Roy commença par fredonner la chanson, une première fois. Puis, il la chanta une seule fois, du début à la fin. Et ce fut tout. C’est cette unique prise vocale que vous entendez sur Mystery Girl, sans modifications, corrections ou traficotages quelconques !

Je viens d’accoler l’adjectif “sublime” à “A Love So Beautiful”, mais comment qualifier autrement une chanson qui vous pousse à vous blottir dans les bras de la personne que vous aimez, une chanson qui vous enveloppe comme dans un cocon, une chanson d’élévation et de béatitude, d’amour, au sens le plus pur du terme, sans les scories qui viennent habituellement gâcher ce noble sentiment. D’aucuns diraient : « C’est le slow qui tue ! » C’est vrai que si je faisais une petite liste des chansons qu’il ne faut écouter que collé contre le corps d’un ou d’une autre***, il ne fait aucun doute que “A Love So Beautiful” occuperait la 1ère place.

Je vous rappelle qu’il n’y a jamais eu de Traveling Wilburys volume 2, et que Roy Orbison est mort à 52 ans, le 6 décembre 1988, avant la sortie de Mystery Girl.

*Voir “She’s A Mistery To Me”.

**Sans oublier le batteur Jim Keltner.

***Si vous êtes un nombre suffisant à me réclamer une liste de ce genre, je veux bien essayer de la créer.

Je crois qu’on peut dire, sans grand risque de se tromper, que, depuis le “Oh Pretty Woman” de 1964, Roy Orbison n’avait plus jamais connu le succès. Son dernier album paru, le 21ème, datait de 1979. Mais, on parlait à nouveau de lui depuis la formation des Traveling Wilburys, le super-groupe formé avec ses copains Jeff Lynne, Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty. Traveling Wilburys vol. 1 avait, en effet connu un grand succès, et c’était le tremplin idéal pour le 22 ème album de Roy, qui allait s’appeler Mystery Girl, en référence à l’un des singles de cet album, “She’s A Mystery To Me”.

Cette chanson avait été écrite par The Edge et Bono du groupe U2, et Bono, qui écoutait beaucoup les disques d’Orbison l’avait destinée à ce dernier. L’enregistrement se fit sous la direction de Bono. Roy chantait et jouait de la guitare électrique ; Bono était également aux guitares, et les autres musiciens étaient Howie Epstein à la basse, Benmont Tench au piano, et Jim Keltner à la batterie.

Maintenant, peut-être certains d’entre vous ne connaissent pas Roy Orbison ; Roy était tout simplement l’une des plus grandes voix américaines ; s’il avait été aussi sexy que le jeune Presley, il aurait eu au moins autant de succès que ce dernier. Mais la malchance poursuivait Roy Orbison, car juste au moment où le succès arrivait, il mourut d’une crise cardiaque (à 52 ans !), le 6 décembre 1988.

Mystery Girl est donc un disque posthume, et c’est l’un des plus grands succès commerciaux de Roy. Il faut dire que SAMTM est une chanson qui va comme un gant à Orbison, une chanson “à l’ancienne”, classique, sans aucune aspérité, une chanson qui a le pouvoir de faire se rapprocher les gens, de favoriser la tendresse qui peut naître entre eux. Et qui d’autre que ce pionnier du rock, cet homme qui avait tout connu, tout vécu, surtout le pire, la chanterait de cette façon, avec cette voix d’or pur qui escalade les gammes à en donner le frisson ?

Quelle tristesse qu’il soit mort sans qu’il ait pu mesurer à quel point les gens continuaient à l’aimer !

C’est avec Cheyenne Autumn que j’ai entendu Murat pour la première fois*, même si la carrière de l’artiste était à la fois ancienne et très confidentielle, et si certains titres de l’album étaient parus en “singles”. Je me souviens avoir beaucoup écouté et apprécié cet album, en 1989, même si on peut le trouver un peu “daté” aujourd’hui. Les textes et la musique sont assez réussis, mais les arrangements et l’instrumentation à base de boîtes à rythme et de synthétiseurs font souvent pencher l’affaire vers une variété un peu facile. Il m’a donc été facile d’extraire du lot ce “Déjà Deux Siècles… 89…” qui ne souffre pas de ces défauts.

À peine 2 minutes d’un hommage à l’évènement dont on célébrait le bicentenaire en 1989, mais les mots et la musique sont forts. Le petit Yan pleure, pour commencer, et pleure encore plus à la fin de la chanson, mais entre les deux, Jean-Louis nous murmure un texte d’autant plus beau qu’il se réfugie dans une obscurité poétique dont le sens exact ne nécessite pas un dévoilement. Mais les mots prononcés (heureux, jeunesse, sang, forteresse, noble, rebelle, fin de la tristesse…) font naître suffisamment d’images pour que le moment révolutionnaire en devienne resplendissant. Quant à la musique, elle s’articule autour des notes de la basse, avec cette idée astucieuse que les notes graves indiquent… la gravité. L’hommage est beau et réussi.

*Mais pas la dernière ! Voir “Le Lien Défait”.

“The Bauhaus Chair” est la chanson la plus courte de ce très court mais essentiel album des Nits, dont j’ai déjà souligné l’intérêt et la qualité*. Il s’agit ici de documenter la rencontre entre deux anciens partenaires amoureux, et le seul aveu que la pudeur de l’un des deux lui fait admettre, c’est : « La chaise Bauhaus me manque ».

Et il est vrai que la pudeur est une qualité emblématique des Nits, eux qui n’ont jamais participé au “grand cirque du rock n’ roll”, se contentant de faire la plus belle musique qui soit, dans la plus grande discrétion.

C’est toujours la voix tendre et posée de Henk Hofstede qui est au centre de cette chanson, Robert Jan Stips, Joke Geraets et Rob Kloet lui apportant un indéfectible soutien, et, puisque c’est la nostalgie de l’amour enfui qui est évoquée, c’est bien ce sentiment qui court tout du long des mots que chante Henk, avec une puissance qui ne doit qu’à l’interprétation, qu’à l’instrumentation, dominée par les claviers, le violoncelle timide de Joke, les percussions légères de Rob.

Quand je vois une chaise manifestement inspirée par le mouvement Bauhaus, je ne peux m’empêcher de penser aux Nits.

*voir ma chronique, “The Train”

“The Train” est la chanson qui ouvre Hat, le dixième album (ou plutôt mini-album, puisqu’il ne renferme que 6 titres) des Nits, et probablement l’un des plus riches, des plus précieux. J’ai déjà eu l’occasion d’affirmer que cette décennie 1985-1995 fut l'”âge d’or” du groupe, un quatuor formé du chanteur et guitariste Henk Hofstede, du claviériste Robert Jan Stips, de la contrebassiste Joke Geraets, et du batteur Rob Kloet. Ce disque, produit par le groupe,  en est donc une parfaite illustration, succédant à In The Dutch Mountains*.

“The Train”, en particulier, nous fait rencontrer la musique de Hofstede dans ce qu’elle a de plus charmant, sans toutefois mettre de côté ce que la vie peut avoir de sombre ou d’éprouvant, mais d’une façon légère, suggérant des scènes, à peine dessinées, et sollicitant ainsi notre imagination. La musique est à l’unisson, adoptant une orchestration très simple, sans beaucoup de production. Le synthétiseur de Stips est là pour évoquer des ambiances sonores, des lieux ou des paysages, dans ce groupe qu’on pourrait presque ranger dans la catégorie des “musiques acoustiques”, tant Robert Jan, Joke et Rob se mettent totalement au service de la guitare et de la voix de Henk. Cette “pop de chambre” dont on ne voit pas comment elle aurait pu naître ailleurs qu’en Europe représente un apport essentiel des Nits à la musique populaire, ce pour quoi nous ne les remercierons jamais assez.

*Voir ma chronique sur la chanson-titre de cet album

En 1988, Richard n’a pas vu son contrat avec Polydor renouvelé, du fait de ventes insuffisantes. Son manager a réussi à lui faire signer un nouveau contrat avec Capitol dont, par bonheur, le patron était fan de Richard. Il ne manquait plus, pour ce cinquième album solo, que trouver un producteur à la hauteur des ambitions de notre auteur-compositeur-interprète, et ce fut Mitchell Froom qui fut chargé de relancer sa carrière. L'”alignement des planètes” était parfait, et la plupart des connaisseurs de Richard Thompson considèrent que cette période Capitol représente le zénith de la créativité de l’artiste ─ ce qui est probablement un peu réducteur, car il y a des choses magnifiques en dehors de cette période Capitol ─ à commencer par Amnesia, le premier album de la série sur lequel on trouve ce superbe “Waltzing’s For Dreamers”, une valse, bien sûr, exsudant le désespoir et la résignation. Cette version originale n’est peut-être pas ma préférée, même si on y entend la contrebasse de Danny Thompson (aucun lien de parenté) et le violon d’Aly Bain, mais c’est celle que l’on retrouve sur l’indispensable compilation de 2001 que j’ai déjà signalée, Action Packed – The Best Of The Capitol Years. En ce qui concerne la discographie de cette chanson, on trouve également WFD sur la compilation Watching The Dark (1993), et d’excellentes versions en public sur le cd Two-Letter Words (1994), et surtout sur l’extraordinaire coffret de 5 cd The Life And Music Of Richard Thompson (2006) avec son livret de 172 pages.

D’ailleurs, tiré de ce livret, je vais vous donner les résultats d’un sondage portant sur près de 180 chansons de Richard, et dont les centaines de contributeurs ont, par leurs votes, réussi à établir un classement de leurs chansons préférées. Voici donc les 10 premières :

10 – Genesis Hall

9 – Down Where The Drunkards Roll

8 – Gethsemane

7 – Tear-Stained Letter

6 – Wall Of Death

5 – 1952 Vincent Black Lightning

4 – From Galway To Graceland

3 – Crazy Man Michael

2 – Dimming Of The Day

1 – Beeswing

Mon propre classement aurait été légèrement différent, mais on reconnaît là le travail de connaisseurs. “Waltzing’s For Dreamers” arrive à la 16ème place, et je vous avais déjà chroniqué les chansons qui occupent les 5ème et 1ère place. Vous êtes maintenant de vrais connaisseurs de Richard Thompson, et vous avez fichtrement raison.

Cette chronique risque furieusement de ressembler à celle que j’ai écrite à propos d’un des titres-phare* de l’album sorti en 1990, The House Of Love (sorti chez Fontana, avec le papillon sur la pochette). Cet album est, pour moi, tout à fait essentiel, d’une part, de par sa qualité, mais d’autre part car il m’a servi de porte d’entrée dans ce royaume de la musique indépendante, des petits labels pas toujours bien distribués, des tirages confidentiels, de l’innovation, de l’expérimentation, et des concerts devant 30 spectateurs.

Comme vous le savez également, c’est à ce moment-là que j’ai appris que The House Of Love avait eu une première vie, commencée en 1986 et marquée par la sortie du single “Shine On” en 1987, le départ de leur guitariste-chanteuse allemande, et la sortie de leur premier album, chez Creation, également nommé The House Of Love.

C’est donc une chanson qui ne figure que sur ce premier album que j’ai choisie. “Loneliness Is A Gun” est une jolie ballade, seulement accompagnée par une guitare acoustique en “picking”. C’est bien sûr Andrea Heukamp, déjà partie du groupe, mais appelée à la rescousse pour l’élaboration de l’album, qu’on entend chanter derrière Guy Chadwick. C’est léger, délicat, sensible. Dommage que l’alcool et les drogues, largement absorbés par Chadwick aient ensuite détruit ce groupe, l’un des plus talentueux de cette charnière 80’s-90’s.

Je rappelle que leur résurrection de 2003, liée à la réconciliation de Chadwick et Bickers, nous a donné un très bel album, She Paints Words In Red **(2012). Les grands groupes ne meurent jamais complètement.

*Voir ma chronique de “Shine On”.

**Voir ma chronique “Low Black Clouds”.