“A Reminder” apparaît sur le second single issu de OK Computer, même si je le connais grâce à un mini-LP destiné au marché japonais, No Surprises/Running From Demons.

L’idée musicale en est venue à Jonny qui travaillait beaucoup avec le piano Fender Rhodes, et les paroles, créditées à l’ensemble du groupe, seraient plutôt attribuables à Thom.

Les mots que l’on entend, au début, sont en tchèque et préviennent les voyageurs du métro de l’imminence de la fermeture des portes, le tempo est très lent, et le texte, murmuré par Thom, évoque la possibilité de lui faire entendre cette chanson quand il sera très vieux et qu’il aura oublié beaucoup de choses, afin de lui rappeler la personne qu’il aimait à ce moment de sa vie.

Cette chanson est de celles qui méritent le qualificatif d'”atmosphérique”, visant à transmettre un état d’âme, plus qu’à proposer des idées avec précision. Le Rhodes et les guitares sont là pour créer un tapis sonore sur lequel Thom déploie sa mélodie, majestueuse, superbe. Il est d’ailleurs assez amusant de constater qu’un certain nombre de très grandes chansons de Radiohead ne se trouvent pas sur les albums du groupe, mais simplement sur des ep, mini-lp ou compilations de faces b ; bref il faut chercher pour trouver des pépites, et c’est une démarche qui ne me déplaît pas, vous pouviez vous en douter, même si, grâce à ce blog, vous y avez accès bien plus facilement. Merci, qui ?

Attention ! Cet album, The Bells Of 1 2 est un chef-d’œuvre. Derrière ce nom, Sol Seppy, se cache l’Anglaise Sophie Michalitsianos, ancienne collaboratrice de Sparklehorse, ayant bourlingué de l’Australie aux États-Unis. Pianiste, violoncelliste, elle a réalisé cet album seule, dans son home-studio, de l’écriture à l’enregistrement, en passant par l’interprétation et la production.

Sa voix me rappelle Hope Sandoval, la chanteuse de Mazzy Star, la voix d’une petite fille dont la sensualité serait anormalement précoce. Parfois un peu de batterie électronique, ou de la guitare, mais ce sont les claviers qui dominent, le piano, en particulier, mais également les synthétiseurs.

En ce qui concerne “Enter One”, conclusion et sommet d’un disque où rien n’est à écarter, c’est le piano qui plaque les accords sur lesquels vient la voix murmurée de Sophie. On entend des violons. C’est doux, reposant, puis soudain la voix se fait impérieuse, prise dans une réverbération qui suggère un espace clos et immense, et la mélodie change, laissant la place à une sorte d’invocation mystique, pendant que l’on entend le grondement d’un orgue liturgique. Puis tout s’apaise et revient au murmure initial, avant que la séquence ne se reproduise. Ma description sommaire ne donne aucune idée de la grandeur de cette chanson, de sa puissance d’évocation. Indispensable !

Je vous fais toujours le même coup. Je vous parle d’un groupe français, pas très connu, en général. Et puis, le chant est en anglais, ce qui explique, d’ailleurs, que le succès ne frappe jamais à la porte de ces gens-là.

Voilà donc Overhead, qui rassemble trois musiciens très marqués par le jazz : Alexandre Destrez (piano, Fender Rhodes, Hammond B-3), Jean-Claude Kebaïli (basse), Christophe Demaret (batterie), ainsi qu’un guitariste et chanteur, nettement plus influencé par la pop et le rock, auteur-compositeur de toutes les chansons, Nicolas Leroux.

Retenez bien ce nom : Nicolas Leroux. Vous ne saviez pas qu’il existait, en France, un type capable de chanter de cette façon, capable de vous faire grimper sur des nuages, rien qu’en escaladant les octaves. J’entends qu’on me dit : « Mais, Jeff Buckley faisait ça ! » Oui, si l’on veut, et il est clair que Nicolas est plus proche de Jeff Buckley que de Joe Cocker, mais je trouve que leurs sensibilités sont très différentes, et Jeff Buckley ne plongeait pas les auditeurs dans cet engourdissement particulier que suscite Nicolas, en particulier dans cette chanson, “You Call It Love”, que l’on trouve sur le 1er album du groupe, “Silent Witness”*, comme si la température baissait de minute en minute, pour nous amener doucement aux portes d’un sommeil létal. Voilà une musique opiacée, pourtant en vente libre, et que je ne saurais trop vous conseiller de consommer sans craindre l’overdose…

__________________________________________________________________

*produit par Stéphane Alf Briat.

Une musique pour accompagner vos rêves.

Je ne sais rien de Trespassers William, groupe californien mené par la chanteuse Anna-Lynne Williams, et qui a sorti 5 ou 6 albums entre 1999 et 2012 ; je ne connais que cette chanson à écouter les yeux fermés, “Different Stars”, paru sur leur 2ème album éponyme. Dommage, je suis certain que tout l’album, “Different Stars” est d’une grande qualité ; quand on écrit une chanson comme celle-là, c’est le signe qu’on sait en écrire d’autres du même tonneau.

Parce que “Different Stars” est une chanson comme je les aime : un murmure nocturne un peu vénéneux, tombant de la bouche d’une sirène ; une mélopée hypnotique qui vous attire dans des profondeurs où vous risquez de vous noyer ; la seule musique supportable dans ce moment incertain qui marque l’entrée dans le sommeil.

Un disque à ranger sur vos étagères, à côté de ceux de Mazzy Star*.

__________________________________________________________________

*voir ma chronique de “Into Dust“.

Bien sûr, on va me demander pourquoi, sur ce deuxième album de Mazzy Star, l’inoubliable “So Tonight That I Might See”, je n’ai pas mis en avant “Fade Into You”. La réponse est simple : “Fade Into You” est une chanson de toute beauté, mais “Into Dust”, composition de Dave Roback sur des paroles d’Hope Sandoval, touche au sublime.

Une guitare, un violon, et la voix d’Hope Sandoval. Comme le dit Matthew Horton, journaliste au NME, Mazzy Star est “le plus grand groupe du monde à n’avoir jamais influencé personne”. Et, en effet, Mazzy Star est unique, parce que Dave Roback sait parfaitement installer des ambiances de rêverie, d’hypnose, de paradis artificiels. Et Hope Sandoval le complète de manière admirable avec une voix d’une sensualité sans pareille, une voix qui est une invitation à la luxure. Mais attention ! aucune vulgarité dans cette voix, aucun appel à un débridement des sens, comme chez une Tina Turner, par exemple ; c’est une voix qui ne se révèle à vous que si vous acceptez de la suivre, on l’a dit assez souvent, une voix de sirène, une voix dangereuse et toxique.

Cette musique d’évanouissement, de fusion dans l’autre, de perte des repères, est aussi une musique d’immobilité et de renoncement. Elle est l’antidote parfait, en 1993, comme aujourd’hui, à la course et à la folie du monde qui nous entoure

C’est la seconde fois que j’écris sur cette chanson, “Song To The Siren”, car il s’agit, en effet, de la reprise d’une chanson de Tim Buckley*, que je juge (tout au moins dans la version diffusée pendant le show tv des Monkees, en 1968) indépassable.
Mais, pas loin derrière, il y a cette version de This Mortal Coil**, c’est-à-dire, pour cette chanson, deux membres des Cocteau Twins, Robin Guthrie, à la guitare, et Elizabeth Fraser dont la voix incomparable a fait de ce titre un énorme succès, braquant, par contrecoup un projecteur sur la version, bien oubliée, de Buckley.
Je n’ai connu cette version qu’un an plus tard, lorsqu’elle a été intégrée au premier album de This Mortal Coil, l’indispensable “It’ll End In Tears”.
Là où Tim Buckley vous confronte à la douleur, Liz Fraser, avec sa voix de sirène, vous fait sauter par-dessus bord pour vous attirer dans cette mer chaude et voluptueuse, où vous finissez par vous noyer. Les deux chansons tuent, mais elles le font très différemment, et selon que vous aurez envie de périr sous le couteau, ou dans les flots, vous choisirez l’une ou l’autre version.
Moins létales, mais presque aussi belles, vous pourriez prendre beaucoup de plaisir avec les interprétations des Czars, de Sinead O’Connor, de Robert Plant***…
Je crois pouvoir dire que lorsqu’on demande à quelqu’un (surtout dans le monde anglo-saxon, évidemment) quelle est sa chanson préférée, il y a de grandes chances qu’il réponde “Song To The Siren”.
_______________________________________________________________________________
* voir ma chronique qui lui est consacrée.
**qui n’est, en fait, qu’un collectif d’artistes appartenant au même label, 4AD Records.
***je ne vais pas toutes les citer, il y en a des dizaines !..

Je vais encore me faire taper sur les doigts ! Moi qui ai annoncé que je ne vous parlerai que de chansons, je vais, une fois de plus, mettre en avant un album, “The Clinging Scheme”, 3ème et sans doute meilleur album des Suédois de The Radio Dept, mais également l’un des meilleurs albums de cette année 2010.
Certains appellent cela de la dream-pop, mais, quand on a bien retenu la leçon de certains groupes des 90’s, et d’abord de My Bloody Valentine, mais aussi de Ride, de Saint Etienne, de Jesus And Mary Chain, on se dit qu’on est en présence d’un revival shoegaze qui a l’avantage d’être magnifiquement bien réalisé, en ayant également intégré les apports des années 2000.
Donc vous avez compris que les gars ne lésinent pas sur les effets et la réverb’, mais c’est au service de chansons superbes, parmi lesquelles je retiendrais ce Domestic Scene somptueux, mélange d’une voix (celle du leader, Johan Duncanson), de guitares cristallines, d’une basse et de nappes de synthétiseurs. La tonalité du morceau évoque une insondable tristesse, et il est dommage que l’on ne cite pas plus The Radio Dept. parmi les groupes majeurs de cette décennie.