Mesurant l’importance et la qualité de Fever Ray, même si ce genre de musique ne fait habituellement pas partie de celles que j’écoute préférentiellement, c’est vers le single choisi pour promouvoir l’album que je me tourne maintenant.

J’écrivais, dans l’autre chronique consacrée cette semaine à Fever Ray, que cette musique me procure le même plaisir frissonnant que celui que me donnent certains films d’horreur réussis. “If I Had A Heart” est construit autour d’une boucle de guitare acoustique “samplée”* et d’une pulsation rythmique monotone, soulignée par un orgue. Il y a chez Karin E. Dreijer une volonté manifeste de créer un spectacle total dans lequel la musique n’est qu’un élément parmi d’autres, au service d’une démarche artistique où s’additionnent les préoccupations politiques, sociales, sexuelles, dans une impressionnante cohérence. Il n’y a qu’à se reporter aux vidéos, surtout les plus récentes, qui documentent les apparitions scéniques de Fever Ray, groupe formé par cinq musiciennes qui accompagnent Karin Dreijer dans ce qu’il est parfois convenu de nommer une “performance”. Les vêtements, maquillages, attitudes, éclairages sont au service d’une démarche militante où prime la recherche de sens. Que l’on adhère, ou pas, à ce qui est ici revendiqué, on ne peut ignorer la force et la radicalité de la vision de Karin E. Dreijer.

*échantillonnée.

Fever Ray est le nom sous lequel la Suédoise Karin Elisabeth Dreijer a sorti un unique album, en 2009, lequel m’a beaucoup intéressé.

Mais Karin est encore plus connue pour être la moitié du duo électronique The Knife, qu’elle a formé avec son frère, Olof Dreijer en 1994, et qui s’est dissous en 2014. Vous vous doutez que ma connaissance de The Knife est assez superficielle car la musique électronique n’est pas mon domaine de prédilection, mais il se trouve que José González a repris un titre de The Knife pour son album Veneer, “Heartbeats”*, et la version de ce titre par leurs créateurs est très intéressante.

Mais Fever Ray est beaucoup plus sombre et original que The Knife, sans doute grâce à l’option prise par Karin de modifier électroniquement sa voix. Et contrairement à ce qu’on pourrait attendre, il ne s’agit aucunement de la magnifier, de la rendre plus parfaite ou plus juste, mais, bien au contraire de la distordre, de l’enlaidir, de la déshumaniser, de faire en sorte qu’elle suscite l’effroi ou le dégoût, sans oublier le fait que cette voix est clairement masculinisée.

Je présume que beaucoup de mes lecteurs et lectrices détesteront ces options anti-esthétiques, mais Fever Ray construit, avec sa musique, des ambiances qui ne ressemblent à aucune autre, que je trouve étranges et fascinantes, suscitant en moi un peu la même impression que celle que je peux avoir en visionnant un (bon) film d’horreur. C’est l’occasion, peut-être, de rappeler que l’une des fonctions d’un artiste est de créer de toutes pièces un ou des monde(s) nouveau(x), et de nous inviter à les explorer, voire à s’y perdre. Karin E. Dreijer répond parfaitement à ce critère et “Concrete Walls” est l’une des chansons les plus impressionnantes de cette année-là.

*Voir ma chronique qui porte ce titre.

OldClaude va encore nous parler de son plus-grand-musicien-du-siècle… Mais de quoi voudriez-vous que je vous parle ? Du dernier disque de Kendji Girac ?

On ne trouve “You Are The Blood” sur aucun disque de Sufjan Stevens, mais seulement sur une compilation de deux cd, éditée par le label Red Hot, dont tous les bénéfices sont allés à la recherche contre le SIDA, Dark Was The Night.

Ce sont les frères Dessner, Aaron et Bryce, membres du groupe The National qui se chargèrent de la production, ainsi que de réunir les artistes contributeurs, représentant la fine fleur du rock indépendant, et dont je vous ai, à ce titre, souvent entretenus, dans ce blog.

On y trouvait par exemple Arcade Fire, Andrew Bird, Bon Iver, The Decemberists, José González, Iron & Wine, The National, Yo La Tengo, de nombreux autres que je n’ai pas la place de tous citer, et, bien sûr, Sufjan Stevens.

Sufjan choisit de chanter une reprise, une chanson écrite par son camarade Raymond Raposa, leader du groupe Castanets, dont les disques sont également édités par Asthmatic Kitty Records, et sortie sur l’album Cathedral (2004). J’ai écouté cette version originale, plus qu’intéressante.

Mais Sufjan fait au moins aussi bien. Accompagné par Bryce Dessner à la guitare électrique, Aaron Dessner à la basse, David Cossin à la batterie, Ben Lanz aux trombones, Gabriel Kahane au piano, Shara Worden (My Brightest Diamond) aux chœurs, il fait “tout le reste”, comme il est écrit.

Et il le fait dans une veine très intéressante. On est en 2009. Le précédent disque de Sufjan date de 2006, c’est The Avalanche, *et, à cette date on peut encore considérer que Sufjan Stevens est un artiste d’indie-folk. Mais après cela suivront deux disques qui représenteront une rupture stylistique radicale pour Sufjan, le EP All Delighted People**(2010) et surtout le très ésotérique The Age Of Adz, (2010) bourré d’électronique, chef-d’œuvre difficile et inégalé. ***

“You Are The Blood” est la matrice des deux disques que je viens d’évoquer, avec ses chœurs étranges, décalés, sa durée excédant les dix minutes, sa déstructuration progressive, ses ruptures rythmiques, au point qu’il est difficile de conserver à cette œuvre la dénomination de chanson. La cadence de piano de Kahane projette YATB vers la musique contemporaine, même s’il subsiste une trame mélodique robuste, dévolue aux trombones, en particulier. Certains, peu nombreux, je pense, ont “lâché” Sufjan Stevens à cette époque. Ceux qui ont accepté d’aller vers ces nouveaux territoires en ont été largement récompensés.

*Voir ma chronique de “Pittsfield”.

**Voir ma chronique qui porte ce titre.

***Voir “Vesuvius”

Vous avez déjà remarqué que je n’hésite jamais à incorporer dans ce blog des morceaux de “dance music” lorsqu’ils ont la bonne idée de me plaire. Mais il faut également noter que l’extrême dépendance à la mode de cette catégorie musicale rend la démarche vaine, car personne ne s’intéresse à un morceau “dance” qui a plus de quelques mois. Alors, dix ans, vous pensez !

Le Rémois Pierre-Alexandre Busson, connu sous le nom de Yuksek, a une activité importante dans le domaine de la musique électronique et des musiques de films, et ce “Tonight”, qui figurait sur son album Away From The Sea, possède, je peux vous le dire par expérience, une grande efficacité pour faire se lever tous les paresseux qui sommeillent sur leur siège, afin de les propulser au milieu de la piste de danse.

C’est déjà pas mal, et vous m’excuserez de ne pas pouvoir vous en dire plus, tant il est vrai que ce genre de musique ne nécessite aucun discours. Mettez juste le volume à fond, et bougez l’ensemble de votre corps comme vous en avez envie. De toutes façons, personne ne vous regarde…

À cette époque, j’avais encore le teint frais et le mollet agile, et ce disque de Basement Jaxx, duo londonien (Simon Ratcliffe et Felix Buxton) de musique électronique, leur premier véritable album, Remedy, me donnait une furieuse envie de me trémousser.

Il y avait surtout cette chanson, “Jump N’ Shout”, chantée ou plutôt parlée, rappée par un DJ britannique d’origine jamaïcaine, Slarta John (Mark James, à la ville). Les paroles étaient inscrites sur le livret qui accompagnait le cd, mais même avec ça je défie quiconque dont l’Anglais n’est pas la langue maternelle d’en comprendre le moindre mot, car il s’agit, en fait de créole jamaïcain, également nommé patwa, que Slarta John délivre à toute vitesse, avec un accent à couper au couteau, et en rigolant, le plus souvent, soutenu dans sa tâche par les cris (“shouts”) de son compère, Madman Swyli. Les “beats” et bruitages électroniques de Basement Jaxx forment l’accompagnement idéal de cette logorrhée rigolote et décontractée qu’on aimerait danser sous le soleil de la Jamaïque, en buvant du rhum, et, pour les amateurs, en fumant l’herbe appréciée de ce côté-ci de l’Atlantique, la ganja.

Je n’ai pas suivi la suite de la carrière de Basement Jaxx, mais Remedy est un disque qui, 20 ans plus tard, est encore capable de remplir le dance-floor, et de faire en sorte que les gens se sentent heureux. Quoi de plus important ?

Metronomy, j’en ai eu assez après l’album qui a suivi ce Nights Out prometteur, qui était, je crois, leur deuxième album. Mais pendant un temps, j’ai bien aimé cette pop sautillante mâtinée d’électronique, concoctée par Joseph Mount et ses copains, dans un coin du Devon (Angleterre). Et puis, le clip vidéo était plutôt sympa, avec cette virée automobile de 3 amis dont l’un vient de subir un chagrin d’amour.

La musique donne l’impression d’avoir été enregistrée sur des instruments-jouets, avec cette guitare basse en équilibre sur la batterie, ces sons de claviers aigrelets, ce saxophone baryton, toute cette ambiance qu’on dirait bricolée, mais dont je suis certain que tous les éléments ont été longuement soupesés, avec tout le professionnalisme nécessaire. Cela confère à l’ensemble une fraîcheur et une bonne humeur, une naïveté ─ de la même façon que l’on parle de peinture naïve ─ qui étaient tout à fait bienvenues. Et “Heartbreaker” a été un grand succès.

Je veux parler, bien entendu de la version de l’album, ce génial Mezzanine, leur troisième album, qui est certainement le disque qui a passé le plus de temps sur ma platine, cette année-là.

Le clip met en scène 3D (Robert Del Naja), dont l’ex-petite amie a une relation sexuelle avec un autre, lequel est joué par Mushroom (Andrew Vowles). 3D regarde l’enregistrement vidéo, réalisé par Daddy G. (Grantley Marshall) avec un mélange de dégoût et de fascination.

La rythmique est inspirée par des percussions entendues par 3D à Istanbul, et les guitares électriques sont agressives et menaçantes comme jamais, chez Massive Attack.

Ce qui est intéressant avec ce groupe, ou, plus exactement, ce qui a pu intéresser l’amateur de rock que je suis, c’est ce mariage réussi de sources musicales diverses, le rap avec la diction froide et murmurée de Robert Del Naja, les musiques du monde avec ces influences rythmiques turques, la musique électronique avec cette abondante utilisation des synthétiseurs, des échantillonneurs (avec un échantillon emprunté à Ultravox !) et donc, du rock, avec ces guitares électriques, mais également une batterie et une basse, instruments pour lesquels le groupe a fait appel à des musiciens extérieurs.

Tout cela fait d'”Inertia Creeps” un jalon important dans l’histoire de la musique britannique, et il est dommage que le groupe se soit désagrégé après l’enregistrement de Mezzanine, car la collaboration de ces trois fortes individualités a été à l’origine d’une musique qui résiste au temps.

Grands dieux ! qu’est-ce que c’est que ça ? Ça, c’est l’un des trucs (je n’ose pas dire chanson) que j’ai le plus écouté en 1996. D’abord, parce qu’en 1996, j’étais encore en âge de danser, et il n’y avait rien de mieux que ce “big beat”, cette “drum & bass” qui annonçait les “raves” illégales qui allaient fleurir un peu partout. Et puis, pour moi, il y avait une ligne droite qui partait des Sex Pistols de 1977, pour aboutir directement à The Prodigy ; et ça me rappelait ma jeunesse, évidemment, ou tout du moins, un temps où je me croyais encore jeune.

Donc, ce truc a été un succès incroyable. Vingt millions d’exemplaires vendus du 3ème album de The Prodigy, The Fat Of The Land. Mais c’est pas la peine d’écouter quoi que ce soit, il faut juste regarder le clip, avec le volume à fond…et éloigner les enfants, parce que ça peut leur faire peur.

Dans ce bout de métro londonien désaffecté, vous voyez la gueule de Keith Flint, et vous avez probablement un moment de recul, puis vous l’entendez chanter (?) avec cet incroyable accent cockney, et cette grosse caisse sonore, qui marque le premier temps, et celui-là, seulement, et qui vient vous prendre au niveau de la ceinture.

Ce type n’avait jamais rien écrit de sa vie, en particulier à l’école, et là, il pond les 9 lignes de texte de “Firestarter” qui était censé, au départ, être un instrumental. Et il vous les balance comme ça, alors qu’il n’avait jamais rien chanté auparavant. C’est violent, quand même, et ce clip a été banni par les médias bien-pensants. Mais c’est fascinant, et, sans mentir, je trouve ces images ex-tra-or-di-naires. Composée par Liam Howlett, le clavier du groupe, avec l’aide de Kim Deal, des Breeders, la musique de “Firestarter” amalgame deux (ou trois) “samples” : la boucle de guitare wah-wah est samplée à partir de “S.O.S.” des Breeders (sur Last Splash), le hey-hey-hey est samplé sur un titre d’Art Of Noise, et la batterie sur je ne sais plus quoi (quoique, si, je sais, mais je vous le dirai à la fin). On s’en fiche, on revient, encore et encore à ce clip fabuleux, avec Liam qui regarde Flint faire son punk, Leeroy Thornhill, l’autre danseur du groupe, qui ne fait que passer.

Ah oui, alors, cette batterie ? En 1969, ─ quoi ? 69 ? Rien n’existait en 69 ! ─ un groupe soul de Washington DC, The Winstons, sortait un single, “Amen, Brother”, avec 6 secondes de batterie qui ont été samplés par au moins 1 500 groupes, dont the Prodigy pour “Firestarter”.

Et pendant que vous continuez à regarder en boucle ce clip fascinant, avec notre homme Flint, ses piercings, son sweat-shirt, sa dégaine, ses cheveux (!!) laissez-moi vous poser une question.

Vous savez que, de nos jours, surtout aux USA, les gens adorent qu’on joue de la musique pendant leurs funérailles. Quelle musique, selon vous ? Le morceau qui vient en premier, c’est, vous l’auriez deviné, “Celebration” par Kool & The Gang ; en second, c’est, bien sûr, notre “Firestarter”, idéal pour les crémations ; la médaille de bronze est attribuée au “Highway To Hell” d’AC/DC (excellent choix, qui met à l’abri des surprises), et enfin, la quatrième permet à Queen de mettre en avant “Another One Bites The Dust”. De biens meilleures façons de partir qu’avec Andrea Bocelli, vous ne trouvez-pas ?

Eh bien, à la fin de cette chronique, vous êtes beaucoup plus savant et informé qu’avant, et n’est-ce pas là l’essentiel ? Boum-tac-tac-tac-boum-tac-tac-tac-boum…

Neal Casal est à la tête d’une œuvre déjà conséquente, puisque “Sweeten The Distance” est déjà son dixième album, alors qu’il était auparavant le guitariste des Cardinals de Ryan Adams. Je ne connais pas l’intégralité de ce qu’il a fait, mais je me suis laissé dire que cet album est l’un de ses plus aboutis. Grâces en soient rendues à la production très fine de Thom Monahan, qui respecte parfaitement la subtilité et la douceur qui émanent de la voix et des compositions de Neal.
Aucune embardée progressiste* ne vient rompre ce disque d’americana qui trouve ses racines dans une tradition qui remonte à Buffalo Springfield, aux Eagles et aux Byrds.
Neal Casal nous dit qu’il a pris son temps pour élaborer ces chansons, et cela s’entend. Tout est donc suave (mais certainement pas mièvre) ici, et en particulier ce “Angel And You’re Mine” qui clôt le disque.
L’orchestration fait la part belle à l’orgue Hammond, et surtout à une pedal steel qui est entre les mains de son partenaire John Graboff. La voix de Neal est douce et chargée d’émotion. Voilà qui me donne très envie de compléter ma connaissance un peu lacunaire de Neal Casal.

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*disque garanti sans synthétiseurs.

Je ne me sens pas très compétent pour parler de “Violently Happy”. La techno est un genre que je n’explore guère, même si je peux parfois y trouver un certain plaisir.
Mais j’ai acheté, à l’époque le cd “Debut” de Björk, parce que je connaissais et appréciais son travail beaucoup plus pop avec les Sugarcubes. Cette nouvelle orientation me semblait très réussie ; “Debut” est un excellent album, et j’ai suivi l’évolution de Björk avec beaucoup d’intérêt, et pendant de nombreuses années.
Il faut dire que Björk est une artiste majeure, dont la créativité semble sans limites, et la reconnaissance et le respect dont elle jouit dans le monde de la musique (et bien au-delà) sont amplement mérités.
Il faut dire aussi qu’elle possède une voix sans égale qui fait que ses possibilités et son timbre sont uniques ; s’il y a bien une chanteuse que l’on reconnaît dès les premières notes qu’elle émet, c’est Björk.
“Violently Happy” a été écrite par Björk et Nellee Hooper, est sortie en single, et a fourni la matière à un clip dirigé par J-B. Mondino.
Pour vous dire un peu plus ma position par rapport à Björk, c’est une artiste que je rapproche souvent de Radiohead : énormément de talent et de possibilités, mais un goût pour le sérieux et l’expérimentation qui la font parfois se perdre aux confins de la musique contemporaine, dans des contrées envahies par la complaisance et l’ennui.

Ouh là ! Après ça, j’ai intérêt à prendre le maquis. Certain que la police indie ou les amateurs de musique qui-ne-font-aucune-concession-à-la-mode-ou-à-l’argent-tout-puissant vont venir me chercher avec le goudron et les plumes. Madonna !! Et pourquoi pas Sheila pendant que t’y es !

On respire un grand coup et on se calme. D’abord, j’écris ça le jour où Trump vient d’être élu Président, et la pauvre Louise, qu’était cheffe de la Résistance nous tweete : “Un nouveau feu est allumé. Nous n’abandonnerons jamais. Nous ne nous rendrons pas.” C’est du De Gaulle 40 ou je ne m’y connais pas.

Et à une époque, messieurs-dames, vous en pinciez tous pour la Ciccone. On lui doit peut-être autre chose que le mépris dans lequel on la tient aujourd’hui. Et puis, dans ce “Music” qui ferme le XXème siècle, qui c’est qui fait le boulot ? C’est nous ! C’est la France ! Jean-Baptiste Mondino qui fait les photos, c’est une chose, mais Mirwais à la production, l’ancien membre de Taxi Girl, la “french touch”, c’est ça qui compte.

Bon alors, j’écoute le disque, pas trop fort, quand même, mes voisins pourraient me dénoncer. Y’a pas à dire, elle chante bien, avec du sentiment, de la “soul”, ça rattrape un peu la boîte à rythmes-casserole et les synthés qui couinent comme des chattes en chaleur. Vous direz ce que vous voulez, mais la chanson est jolie, avec une mélodie comme on en attend dans une jolie chanson. Et n’est-ce pas, une fois de plus, l’essentiel ?

Madonna, pardonne mon ironie et mon mauvais esprit ! Dis-moi dans quel bunker tu te réfugies pour échapper aux hordes républicaines déchaînées ! Je brûle de t’y rejoindre. Et, en plus, je suis à peine plus vieux que toi. Je t’embrasse.

Soft Cell était un duo d’électropop formé par David Ball et Marc Almond. D. Ball présenta, un jour, à M. Almond, une chanson écrite par Ed Cobb des Four Preps (datant des années 60), reprise par Gloria Jones (la veuve de Marc Bolan de T. Rex, celle qui conduisait la voiture, le jour de l’accident), puis par Ruth Swan.

Munis d’une drum-machine Roland et d’un Synclavier, le duo, produit par Mike Thorne transforma profondément cette chanson très northern soul en un hymne électronique, porté par une partie vocale parfaite, délivrée par un Marc Almond en état de grâce (une seule prise vocale !).

Ce titre, sorti sur l’album de Soft Cell, “Non-Stop Erotic Cabaret” a apporté la gloire a Soft Cell lors de la sortie du single.