Je viens de relire ma précédente chronique à propos de ce 40 Days, premier album des Wailin’ Jennys, ces trois jeunes femmes de Winnipeg (Manitoba), et je pourrais me contenter de la recopier à propos d'”Arlington”, l’une des chansons composées et chantées par Nicky Mehta, la mezzo-soprano du groupe. Et vous pourriez d’ailleurs vous demander pour quelle raison je n’ai pas, comme d’habitude, publié “Arlington” à la suite de “One Voice”.

L’explication est simple : la version d'”Arlington” que je vous propose n’est pas celle de 40 Days, mais celle d’un album enregistré en public, The Wailin’ Jennys Live At The Mauch Chunk Opera House, leur troisième album. Cara Luft est partie après le 1er album, remplacée par Heather Masse ; la basse, les percussions, la batterie, le violon, la trompette, ont laissé la place à la guitare de Nicky, à l’accordéon de Ruth, à la contrebasse d’Heather, flanquées d’un multi-instrumentiste, Jeremy Penner, qui les accompagne ici au violon.

Il me paraît un peu difficile de nommer Nicky Mehta “chanteuse principale”, tant les trois femmes sont sur un pied d’égalité, et entremêlent leurs voix jusqu’à n’en plus former qu’une. Je vous rappelle que cette perfection est le résultat de l’enregistrement de l’unique concert du 30 août 2008, et que rien n’a été enlevé ou rajouté à ce que vous entendez sur le disque. La qualité de la chanson et de son interprétation a quelque chose de surnaturel, propre à déclencher chez l’auditeur une sorte de “terreur sacrée”, la sensation la plus rare et ultime que la musique puisse faire naître chez un être humain. Finir ce blog sur “Arlington”, c’est comme planter un drapeau sur le sommet de l’Everest ; plus haut, ça n’existe pas…

Quelle sublime pochette ! Cette photo de Paul Simonon détruisant sa Precision Bass sur la scène du Palladium à New York*capte l’un des moments qui fait la grandeur du rock n’roll : le surgissement ponctuel et improvisé de quelque chose qui va au-delà de la simple représentation d’un spectacle musical, et qui met en scène un franchissement des limites lequel prend par surprise le musicien lui-même et lui fait accomplir un acte qui possède une valeur cathartique pour l’ensemble du public présent.

Cela dit, redescendons sur Terre. Ce troisième (double)-album des Clash, considéré comme la 8ème merveille du monde par pas mal de gens, me paraît grandement surestimé. J’avais, comme tout le monde en 1979, acheté ce vinyle dont la possession suffisait à vous rendre crédible auprès des copains (et des copines), mais je n’ai pas eu le courage de le réécouter. Je crois que (pour moi, en tout cas) c’est devenu inaudible, déjà que la 3ème face était inaudible quand le disque est sorti, alors, aujourd’hui…

The Clash est le groupe anglais emblématique de la fin des 70’s, et l’importance sociologique du groupe, son honnêteté incontestable, là où d’autres pensent d’abord à leur carrière, suffit à leur réserver une place de choix dans le cœur de certains amateurs. Mais pour ce qui est de la musique, permettez-moi de rigoler ; pour quelques bonnes chansons (dont “London Calling”), beaucoup de ratages et d’airs inintéressants. Cela dit, en cette dernière semaine de mon blog, je n’ai pas envie de me battre ou de me faire des ennemis supplémentaires. Repose en paix, Joe Strummer.

Oui, “London Calling”, première chanson de l’album, produit par Guy Stevens, et “single” inaugural, mérite largement d’être sauvé. La musique est probablement due à Mick Jones, et c’est Joe qui chante les paroles qu’il a écrites. Un rythme martial qui invite à l’émeute, et les quatre, bien soudés autour de Strummer, lequel crache les paroles où il est question de la police, des difficultés avec le management du groupe, des drogues, de l’accident nucléaire de Three Mile Island. Une chanson dans laquelle la colère n’est pas feinte, ce n’est pas si courant.

*La pochette, imaginée par Ray Lowry, utilise la photo prise par une groupie, Penny Smith ; et le lettrage est un clin d’œil au premier album d’Elvis Presley.

C’est l’histoire d’un disque qui n’a jamais existé. À St Louis, dans le Missouri, une bande de gamins, totalement obnubilés par les Beatles, forment, en 1966, un groupe autour de Tom Hartman, 14 ans à l’époque ! Ils répètent, donnent des concerts, écrivent des chansons, très inspirées des Fab Four. L’année d’après, la mère de Tom les pousse à enregistrer une composition de ce dernier, “World Of You”. Capitol Records est intéressé, mais, toujours avec le soutien de sa mère, Tom décide que le groupe ira enregistrer son album à Londres dans les studios d’EMI, autrement dit à Abbey Road. Le groupe, toujours flanqué de la mère de Tom, débarque donc à Londres en 1968, signe un contrat, joue dans un club, puis revient à St Louis pour enfin retourner à Londres pour enregistrer, en mars 1969. Ils y restent presque 4 mois, et enregistrent un album, produit par Norman Smith, avec Alan Parsons comme ingénieur. Leur guitariste revient prématurément aux USA et la majeure partie du disque sera l’œuvre d’un trio. Progressivement, Tom Hartman endosse le rôle de producteur de cet album qui s’appellera Resurrection. Ils reviennent chez eux, prévoyant de retourner en Angleterre pour la sortie du disque.

Parlophone, ayant eu vent qu’ils avaient perdu leur guitariste, et qu’ils étaient également lâchés par leur batteur, décide alors de ne pas sortir Resurrection, et seul “World Of You” est édité en “single” en septembre 1969.

Hartman, qui fit par la suite une carrière de musicien pour la télévision, pense que son meilleur souvenir n’est pas d’avoir enregistré Resurrection, mais bien d’avoir rencontré les Beatles à Abbey Road, ainsi que les Hollies, les Moody Blues, Jimi Hendrix…

C’est en 2003 que RPM Records éditera, pour la première fois, Resurrection, le cd que j’ai entre les mains, seul souvenir de l’amour éperdu de quelques jeunes Américains pour la musique des Beatles.

Et de trois ! En effet, c’est la troisième fois, dans ce blog, que je consacre une chronique à la même chanson, par le même auteur-compositeur-interprète. Il y a eu la version de 2003, en studio, puis une version en public datant de 2006. Celle-là, la plus récente, date de 2009, et on la trouve sur l’album Lost Verses-Live.

Je vous demanderais donc de bien vouloir relire ce que j’écrivais dans ces deux chroniques antérieures, la version studio de Ghosts Of The Great Highway, puis la version en public que l’on trouve sur Little Drummer Boy.

J’esquivais la question de la “meilleure version” en avançant l’idée que ces différentes versions qui offrent à entendre des sentiments, des ambiances, des états d’âme assez différents, pouvaient tout à fait être appréciées, pour peu qu’on ait le souci de les harmoniser avec notre propre réceptivité du moment.

Cette version de 2009 est presque aussi satisfaisante que la version de 2006, et les différences entre les deux versions sont peu marquées. Cependant le tempo est un peu plus rapide, la chanson est nettement plus courte, et il me semble que Mark la chante d’une façon un peu plus détachée, comme si au fur et à mesure de l’accumulation des tournées, des concerts, quelque chose d’essentiel se perdait.

On peut rendre hommage à Mark pour ne pas tricher avec une authenticité qui s’émousse un peu. C’est toujours un magnifique auteur-compositeur, mais la fatigue de l’interprète commence à pointer son museau. Il nous reste, heureusement, les enregistrements…

Il y a, tout d’abord, la magie de la voix de Karen Peris, dont j’avais dit quelques mots dans une chronique passée. *

The Innocence Mission, c’est Karen, qui compose la plupart des chansons, son mari et guitariste Don Peris, et le bassiste Mike Bitts. Je ne connais pas l’intégralité de la dizaine d’albums qu’ils ont sortis depuis 30 ans, mais mon attention a été attirée sur leur production du XXème siècle par la reprise de “The Lakes Of Canada” qu’en a faite Sufjan Stevens (qui d’autre !) en 2007.

J’étais donc aussitôt parti à la recherche de la version originale qu’on trouve sur le quatrième album de The Innocence Mission, Birds Of My Neighborhood, et, sauf si l’on souffre d’une grave addiction à la voix de Karen, tout n’est pas inoubliable chez The Innocence Mission ; mais pour cet album, et les trois précédents, vous pouvez y aller les yeux fermés !

Les paroles de “The Lakes Of Canada” me semblent assez obscures, et c’est peut-être en rapport avec la profonde foi catholique des Peris, mais, quoi qu’il en soit, il s’agit de l’une des plus belles mélodies de Karen.

*Voir “One For Sorrow, Two For Joy”

Je vous ai chanté les louanges d’April*(2008), 3ème album de Sun Kil Moon, probablement le chef-d’œuvre de Mark Kozelek. Fidèle à mon obsession de ces années-là**, j’ai gardé une des chansons d’April, “Heron Blue” pour plus tard, me promettant d’y consacrer une chronique lorsqu’une version en public me semblera suffisamment forte.

C’est sur Lost Verses-Live que je l’ai dénichée ; quelque chose qui soit à la hauteur du sublime texte de la chanson ; d’après ce que j’ai pu en saisir, Kozelek arrive dans la chambre “peinte en bleu héron” de cette femme qu’il a aimée et qui se meurt des effets de la drogue***.

Mark joue ce thème répétitif sur sa Silvertone à cordes nylon ; il y a de la résignation, mais également de la colère, dans sa voix ; et surtout une insondable tristesse.

Si vous voulez totalement vous immerger dans “Heron Blue”, outre les versions d’April et de Lost Verses-Live, vous pourriez écouter celles qui figurent dans les disques suivants : Nights LP (2008), Live At Union Chapel & Södra Teatern (2010), On Tour : A Documentary (2011), Live At Lincoln Hall In Chicago (2011), Live At Phoenix Public House Melbourne (2012), liste sans doute non exhaustive.

*voir “Harper Road”, “Lucky Man”.

**Qui m’a passé, depuis, pour des raisons dont vous pourrez trouver des échos dans les chroniques consacrées à Mark.

***Une autre chanson d’April, “Harper Road” (voir ma chronique qui porte ce titre) aborde le même thème d’un point de vue un peu différent.

Lors de la tournée que Neil fit, cette année-là, avec Crazy Horse, le monde avait changé. La vague punk avait balayé la plupart des dinosaures du rock, et, tous ces “vieux” n’étaient plus à la mode. Mais Neil n’était pas décidé à laisser la place sans combattre, d’où la sortie de ce 14ème album, Rust Never Sleeps, annoncé comme étant interprété par “Neil Young & Crazy Horse”.

En fait l’album est divisé en deux parties, les 5 premières chansons, acoustiques, avec 2 ou 3 musiciens de studio, et les 4 dernières avec Crazy Horse. C’est ce qui explique qu’il y ait deux versions de la même chanson, celle qui fait l’objet de cette chronique, et la version avec Crazy Horse, “Hey Hey, My My (Into The Black) qui clôt l’album.

Donc, sur MMHH (Out Of The Blue), paroles de Neil, musique de Jeff Blackburn, Neil est tout seul avec sa guitare et son harmonica ; la chanson est dédiée à Johnny Rotten, leader et chanteur des Sex Pistols, et est célèbre pour ses paroles : « It’s better to burn out Than to fade away »**, et, plus loin : « It’s better to burn out than it is to rust »***.

Ce sursaut d’orgueil de Neil Young lui vaudra les faveurs de Kurt Cobain, en particulier, et peut-être à un degré qui le mettra très mal à l’aise, dans la mesure où, d’une part, Neil avait essayé de contacter le leader de Nirvana quelques jours avant le 5 avril 1994, et, d’autre part parce que l’une des dernières lignes de la lettre de Cobain portait ces mots : « It’s better to burn out than to fade away » …

*Neil est né en 1945.

**Il vaut mieux se consumer que s’éteindre à petit feu (trad. personnelle)

***Il vaut mieux se consumer plutôt que rouiller.

Ce titre vient conclure le quatrième album de Fairport Convention, Liege & Lief*. Avant Liege & Lief, il y avait Unhalfbricking, et, entre les deux le terrible accident de la route du van du groupe (12 mai 1969) qui coûta la vie au batteur, Martin Lamble, et à la petite amie de Richard Thompson, Jeannie Franklyn**.

Le groupe qui enregistra Liege & Lief, sous la direction du producteur Joe Boyd, comprenait donc les guitaristes Simon Nicol et Richard Thompson, le violoniste Dave Swarbrick, le nouveau batteur Dave Mattacks, le bassiste Ashley Hutchings, qui allait quitter le groupe après l’enregistrement, pour aller fonder Steeleye Span, et la chanteuse Sandy Denny***, qui allait, elle aussi, partir rapidement pour créer Fotheringay.

Quand il fut mis sur le marché, Liege & Lief fut fraîchement accueilli par la critique, et son succès commercial fut au diapason. Et pourtant, aujourd’hui, cet album est couvert d’honneurs, classé parmi les “100 albums qui ont changé le monde”, etc.

J’ai réécouté tout le disque, et il faut bien avouer qu’il est un peu inégal ; à côté de chansons géniales (dont “Crazy Man Michael”), d’autres titres sont un peu faibles… Mais la question n’est pas là. L’importance de Liege & Lief vient du fait que pour la toute première fois, on assiste au mariage (réussi) du rock (ou, disons, d’une instrumentation électrique venue du rock) avec les vieux airs du folk britannique (ou avec des chansons nouvelles écrites sur le modèle de ces vieux airs), c’est-à-dire la création du folk-rock.

Bien sûr, cher(e)s ami(e)s, vous êtes érudits, puisque vous me lisez déjà depuis un certain temps, et vous ne manquez pas de me faire remarquer qu’aux États-Unis, un groupe comme les Byrds avait déjà réalisé ce mariage. En effet, mais écoutez ces deux groupes, ça n’a strictement rien à voir, pour la simple raison que le folklore américain et celui des Îles Britanniques sont très différents, le premier se nourrissant des multiples apports (parmi lesquels la racine anglo-saxonne a tout de même la primauté) de générations d’immigrants, mais aussi des esclaves africains et des peuples amérindiens.

“Crazy Man Michael” est donc l’une de ces chansons “à la manière des vieux airs celtiques”, écrite par Thompson et Swarbrick, où domine le violon de Swarbrick, divinement chanté par Sandy. Les paroles ont été écrites par Richard, sur son lit d’hôpital, après l’accident du van, et la chanson est remplie du souvenir de Jeannie et de la culpabilité de Richard****. Je ne crois pas qu’il y ait quelqu’un qui puisse la chanter mieux que Sandy Denny, mais j’adore, évidemment, la façon dont Richard Thompson l’a reprise. Et j’accorderais un accessit tout à fait mérité à Nathalie Merchant sur son disque The House Carpenter’s Daughter.

*Deux mots d’Anglais antérieurs au XVème siècle, signifiant respectivement “loyal” et “prêt”.

**Jeannie s’occupait des costumes d’un certain nombre de groupes de rock, et c’est en son honneur que fut ainsi nommé le Songs For A Tailor de Jack Bruce.

***Voir mes chroniques à son sujet.

**** «Your true love will die by your own right hand»

L’importance de Nick Drake n’est plus à démontrer. Et même si je n’ai rien su de cette importance pendant sa courte vie*, les rééditions de ses trois albums anthumes, au cours des années 80, lui ont enfin permis d’occuper une place majestueuse dans le panorama musical.

“‘Cello Song” est une chanson du premier album de Nick, Five Leaves Left, produit par Joe Boyd. Ce dernier a choisi d’enrober les chansons de Nick dans des arrangements de cordes que je ne trouve pas toujours du meilleur goût, mais Nick, alors étudiant à l’Université de Cambridge, n’avait pas les moyens de peser sur des options qu’il n’approuvait d’ailleurs pas. Cela dit, dans “‘Cello Song”, il n’y a que quatre musiciens, Nick et sa guitare, bien sûr, Rocki Dzidzornu aux congas, Danny Thompson à la contrebasse, et le violoncelle, évidemment, tenu par Claire Lowther.

On dit souvent que Nick Drake a été l’inventeur d’un langage musical unique, tant du point de vue mélodique, qu’harmonique ou rythmique. Ça ne vous apparaît peut-être pas évident, mais, sans même parler de son attention portée à la prosodie ou de son utilisation des “open chords” à la guitare, écoutez attentivement la façon dont “‘Cello Song” semble “flotter”, alors même que le rythme est un 4/4 très habituel. Comme vous le savez, les évènements musicaux décisifs d’une œuvre, dans ce domaine, sont plutôt calés sur le 1er temps de la mesure. Or, remarquez qu’au début, le riff de guitare ne commence que sur le 2ème temps, temps faible de la mesure ; ultérieurement il se replacera sur le 1er temps. Quant au violoncelle, c’est sur le 3ème temps qu’il commence.

Ce langage musical très élaboré a sans doute été l’une des raisons pour lesquelles les critiques de l’album ont été assez tièdes, et, qu’à la notable exception de John Peel**, les passages radio n’ont pas été nombreux.

Découvrir les chansons de Nick Drake est l’une des choses les plus bouleversantes qui soient. Faites l’expérience.

*En ce qui concerne mes chroniques, “Road” est tirée du 3ème et dernier album, “Clothes Of Sand”, “Rider On The Wheel” et “Black Eyed Dog” figurent sur des compilations posthumes.

**c’est, en fin de compte, l’enregistrement de John Peel que j’ai privilégié, pour accompagner cette chronique.

Je vous ai déjà dit beaucoup de bien du groupe américain The Decemberists, et le moteur de recherche perfectionné de mon blog devrait vous permettre de vous reporter à toutes les chroniques les concernant. Je n’avais pas manqué de souligner l’anglophilie de Colin Meloy et ses amis (Chris Funk, Nate Query, Jenny Conlee, John Moen) et c’est cet attachement au folklore anglais et écossais qui les a décidé à contacter une chanteuse anglaise, Olivia Chaney, diplômée de l’Académie Royale de Musique d’Angleterre, guitariste et joueuse d’harmonium indien*, dont le premier disque date de 2013. Sa collaboration avec The Decemberists aboutit à la parution d’un album, The Queen Of Hearts, sous le nom d’Offa Rex.

The Queen Of Hearts, produit par Tucker Martine et Colin Meloy est une superbe collection de chansons folkloriques anglo-saxonnes, de toutes les époques, des reprises, donc.

J’ai choisi de mettre en avant “The Old Churchyard” dans laquelle Olivia chante et joue de l’harmonium. Colin est à la guitare électrique, Nate à la basse et John à la batterie. Il y a également deux invités, l’Australienne Mirabai Peart au violoncelle, et Ralph Carney qui joue d’un instrument à vent.

L’arrangement est inspiré de la version a cappella que Norma Waterson et Martin Carthy en ont donné en 2002 pour leur album A Dark Light.

La chanson date probablement du milieu du XIXème siècle, et son inspiration très chrétienne devrait en faire une favorite des cérémonies funèbres.

La très belle vidéo qui illustre cette chanson ne manquera pas de vous rendre amoureux(se) de cet hymne bouleversant, et peut-être également de la superbe Olivia Chaney. Je vous avoue que la fusion de l’harmonium d’Olivia et de la Fender parfaitement distordue de Colin produit une sonorité proche des “bag-pipes” écossais que je trouve du plus bel effet.        

*un harmonium utilisant l’air pour produire des notes.

Quand on aime, on ne compte pas. Voici donc la chanson-titre de cet album, que l’on retrouve, vous l’avez compris, sur Sketches.

Cependant, il s’agit d’une chanson plus ancienne, que je connaissais pour l’avoir entendue sur un album enregistré en public par Ane (le 13 septembre 2006, en Norvège, pour cette chanson), Live In Scandinavia.

Il y a peu de différences entre ces différentes versions, d’autant que sur Live In Scandinavia, c’était également Nina Kinert qui était choriste. Mais il est vrai que la perfection n’appelle aucun changement. Cela étant écrit, je dois vous avouer que j’ai rencontré quelques rares personnes qui n’aiment pas le timbre vocal d’Ane Brun ; ce soprano très pur, très transparent, très cristallin leur paraît dépourvu de charge émotionnelle. Ce n’est absolument pas mon opinion, mais c’était simplement pour vous rappeler que tous les goûts sont dans la nature. Et qu’ils sont tous respectables.

“The Puzzle” est une autre chanson de Changing Of The Seasons, et, par conséquent, une de celles que l’on retrouve sur Sketches*. Sachez également qu’Ane l’interprète sur le Live At Stockholm Concert Hall, et qu’on la retrouve sur la compilation de 2013, Songs 2003-2013 ; et, outre la vidéo que je fournis en lien, vous trouverez sur YouTube d’excellentes interprétations en public de “The Puzzle”.

Pour Changing Of The Seasons, Ane avait travaillé avec un nouveau producteur qu’elle ne connaissait pas, Valgeir Sigurdsson, et elle lui avait envoyé les maquettes rassemblées ensuite dans Sketches.

Dans la version Sketches, Ane s’accompagne à la guitare, et fait elle-même les très belles partie chorales. La version Changing Of The Seasons bénéficie de l’apport d’un orchestre électrique, d’un marimba, de cordes, et ce sont les voix de Nina Kinert et de Rachel Davies que l’on entend, derrière Ane. Je ne sais pas quelle version aura votre préférence, mais personnellement, je les prends toutes, tant Ane Brun porte à un niveau rarement atteint l’art de vous déchirer le cœur avec une chanson.

*Voir “The Treehouse Song”, et, cette semaine, “Changing Of The Seasons”.