Je ne pouvais pas faire mieux que vous proposer une autre chanson de ce très beau A Temporary Dive. Il n’y a que Ane, sa voix, sa guitare, et son désespoir amoureux.

On retrouve une version en public sur le Live In Scandinavia, mais il existe peut-être une version encore plus intéressante, c’est celle où elle chante en duo avec Teitur (que vous trouverez, au choix, sur Duets et sur Songs 2003-2013). La délicatesse de ces deux voix qui se répondent et se mêlent n’a pas beaucoup d’égal dans toute la musique pop. Je vais éviter de continuer à vous soûler avec des mots pour vous permettre de vous griser au charme des chansons d’Ane Brun.

C’est avec son deuxième album, A Temporary Dive, que j’ai découvert la Norvégienne ─ mais résidente suédoise ─ Ane Brun. Ayant exploré toute sa discographie*, et ayant eu la joie de la voir plusieurs fois sur scène, à Paris, je crois pouvoir vous dire que c’est tout simplement l’une des plus grandes chanteuses actuelles. Peter Gabriel ne s’y est pas trompé en la choisissant pour lui donner la réplique, lors d’une tournée en 2010.

A Temporary Dive est produit par Ane et Katharina Nuttall, cette dernière jouant également des claviers dans la chanson qui nous occupe.

“Balloon Ranger” a été composée par Ane, qui s’accompagne à la guitare acoustique pendant que Steffan Johansson nous gratifie d’un beau contrepoint à la guitare électrique. Le chant d’Ane se caractérise par un timbre d’une grande pureté, doublé d’un vibrato parfaitement maîtrisé. On retrouve “Balloon Ranger” sur son Live In Scandinavia (2006), ainsi que sur Live At Stockholm Concert Hall (2009).

Quant à “Humming One Of Your Songs” qui est une version de “Balloon Ranger” avec un tempo très ralenti, on la trouve sur les albums Spending Time With Morgan, Songs 2003-2013 et Rarities.

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*Son septième album, Leave Me Breathless, est sorti le 6 octobre 2017.

J’ai écrit récemment*toute l’admiration que je portais au jeune Ásgeir, et à son premier album distribué dans nos contrées, “In The Silence”.

Cette autre chanson, “Torrent”, montre qu’à certains moments, Ásgeir sait hausser le ton.

On s’attend à une chanson folk, à l’écoute des quelques accords de piano par lesquels elle débute, puis soudain, le piano martèle d’autres accords, et “Torrent” prend une toute autre tournure, avec le tom basse qui impose un rythme métronomique, et une guitare électrique distordue comme il le faut**, qui vient, comme un torrent, balayer le confort auditif qui avait été le nôtre, jusqu’à présent.

Ce parti-pris de s’éloigner de cette façon des canons qui déterminent ce que doit être la musique folk, est très réjouissant, et nous donne une précieuse indication sur la personnalité et l’indépendance d’esprit d’Ásgeir.

L’indispensable unité de style est pourtant préservée par la voix d’Ásgeir qui ne sort pas du cadre artistique qu’elle s’est donnée, et qui se promène dans un impressionnant registre aigu.

Il paraît que 10% de la population islandaise possède l’album d’Ásgeir, en langue vernaculaire. Ce n’est pas chez nous que ça arriverait !

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*voir ma chronique de “In Harmony“.

**mais mixée à l’arrière-plan ; ce n’est quand même pas du hard-rock !

Cette belle chanson : “Ode To What Was Lost”, figure sur “We Become Ourselves”, le 4ème album de la Norvégienne expatriée à Stockholm.

Pour ceux qui ne la connaîtraient pas encore, Rebekka Karijord est une auteure-compositrice-interprète dont le beau timbre d’alto se met au service de chansons sur lesquelles elle s’accompagne souvent au piano.

 C’est le cas sur cette “Ode To What Was Lost”, produite par Tobias Froberg où elle est accompagnée par Jacob Snavely à la basse (et aux chœurs) et Anders Scherp à la batterie.

Le piano dessine une ligne d’accords immuable sur laquelle Rebekka déroule une mélodie sombre et prenante. Dans la seconde partie de la chanson, alors que les instruments, et en particulier la batterie, se déchaînent, Rebekka se lance dans une longue modulation, dans les aigus, qui vient bousculer ce que cette chanson pouvait avoir de trop sage et retenu. Une autre voix singulière, créative, originale, venant du Nord.

Je vous avais déjà signalé tout l’intérêt que je portais à cette jeune Norvégienne lorsque j’avais chroniqué la chanson-titre de son album précédent*. Son 5ème album**, dans la continuité du précédent, car élaboré en étroite collaboration avec le poly- instrumentiste Lars Horntvert, est au moins aussi réussi.
J’en veux pour preuve cette très sombre chanson, “The Silicone Veil” qui couronne un album brillant de bout en bout, certainement l’une des révélations de cette année 2012.
La première chose qui frappe, c’est bien sûr, l’exceptionnelle qualité de la voix de la blonde Susanne, avec, chose frappante pour qui a l’habitude des critères de production des musiques actuelles, une utilisation très parcimonieuse des effets de type réverbération ou autres, destinés à magnifier la voix de chanteurs ou chanteuses qui en ont parfois un besoin vital. Rien de tel, ici ; la voix de Susanne Sundfør se présente dans une nudité de bon aloi qui la rend encore plus impressionnante.
la chanson est introduite par un motif joué sur un Fender Rhodes***avant que la voix de Susanne, puis une instrumentation essentiellement électronique, y compris quand rentrent les cordes, ne vienne petit à petit faire culminer l’ensemble dans la supplication finale : “Let me out”.
Ce n’est pas faire injure à Susanne Sundfør que de lui dire qu’elle est la plus grande interprète de torch-songs actuelle. Susanne, héritière de Judy Garland ou Peggy Lee ? Pourquoi pas !
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*voir ma chronique de “The Brothel”
**je ne connais pas les 3 premiers, peut-être réservés au marché norvégien.
***ou sur un outil électronique qui en restitue le son.

Je vais encore me faire taper sur les doigts ! Moi qui ai annoncé que je ne vous parlerai que de chansons, je vais, une fois de plus, mettre en avant un album, “The Clinging Scheme”, 3ème et sans doute meilleur album des Suédois de The Radio Dept, mais également l’un des meilleurs albums de cette année 2010.
Certains appellent cela de la dream-pop, mais, quand on a bien retenu la leçon de certains groupes des 90’s, et d’abord de My Bloody Valentine, mais aussi de Ride, de Saint Etienne, de Jesus And Mary Chain, on se dit qu’on est en présence d’un revival shoegaze qui a l’avantage d’être magnifiquement bien réalisé, en ayant également intégré les apports des années 2000.
Donc vous avez compris que les gars ne lésinent pas sur les effets et la réverb’, mais c’est au service de chansons superbes, parmi lesquelles je retiendrais ce Domestic Scene somptueux, mélange d’une voix (celle du leader, Johan Duncanson), de guitares cristallines, d’une basse et de nappes de synthétiseurs. La tonalité du morceau évoque une insondable tristesse, et il est dommage que l’on ne cite pas plus The Radio Dept. parmi les groupes majeurs de cette décennie.

Ce n’est qu’à l’occasion de la sortie de The Brothel, au Royaume-Uni que j’ai découvert ce disque impressionnant, déjà son 3ème, mais le 1er sorti hors de Scandinavie.
Sorti en mars 2010, il avait rencontré un grand succès dans le pays natal de cette auteur-compositeur-interprète, la Norvège, où elle était née, 24 ans plus tôt.
S’accompagnant elle-même au Fender Rhodes, elle chante un texte très sombre, bien servi par sa voix très expressive. Encore un exemple de l’exceptionnelle richesse de la pop scandinave.