Il y a les chansons d’amour. Il y a les chansons de désamour. Et puis, il y a plein d’autres catégories de chansons qui intéressent plus ou moins les auditeurs, tant il est vrai que tout le reste est tellement trivial, n’est-ce-pas ?

Et pourtant, il y a un sentiment humain, au moins aussi important que l’amour, qui mériterait donc qu’on lui consacrât au moins autant d’attention, d’autant que sa pérennité, contrairement à l’amour, est assez assurée : c’est la haine.

Voilà une passion brûlante, que le cinéma ou la littérature ont exploré avec beaucoup de subtilité, mais qui reste un parent pauvre de la chanson. Il est vrai que je ne parle pas de la haine politique, dont la chanson donne de nombreux exemples, bien fédérateurs, de « Anti-Social » de Trust, à « Tostaky » de Noir Désir, ou de « Sunday, Bloody Sunday » de U2 au génial « Killing In The Name » de Rage Against The Machine ». Non ! Je parle de la haine dirigée contre une personne nommément désignée, d’autant plus ardente qu’elle succède à un amour ou une amitié dont la profondeur, l’intensité ou la qualité étaient portées à un très haut niveau.

Alors là, des chansons comme ça, on les compte sur les doigts de la main. On dirait que la haine se porte moins bien, ces jours-ci, comme si, les maladies honteuses ayant disparu, il y avait des sentiments honteux ; la haine, c’est pas bien, comme nous le disait Antoine Leiris dans son bouquin que je n’ai pas lu, paru en 2016, « Vous N’Aurez Pas Ma Haine ». Dans notre société moderne et tournée vers un avenir radieux, il faut escamoter tout ce qui accapare une énergie non productive, et nous détourne d’une félicité qui reste le seul horizon convenable pour l’Humanité.

Oui, vraiment pas beaucoup de chansons, même si je vous avoue ne pas avoir eu le temps de me lancer dans une recherche exhaustive. « Get Off Of My Cloud » des Rolling Stones ? Gentillet. « Fuck You » de Cee-Lo Green ? Déjà mieux, et je suis certain que les rappeurs ont un grand avantage dans le domaine de la haine, mais je ne me sens pas suffisamment spécialiste pour en dire plus. Non, la première chanson à laquelle je pense quand il s’agit d’évoquer la haine c’est l’extraordinaire « Your Dictionary » de XTC, et je ne peux que vous renvoyer à ma chronique parue sous ce titre, l’année dernière, dans mon blog.

Mais même Andy Partridge n’arrive pas à égaler la force dévastatrice de la haine de Ramon Pipin, sa férocité, telle qu’elle s’exprime dans la fabuleuse « ça M’a Fait Plaisir », indiscutable sommet de son dernier disque, Alafu.

Je reviendrai sur ces paroles qui mériteraient certainement d’être au programme du Bac de Français (- Mais non, OldClaude, ça n’existe plus le Bac !) pour insister sur le fait que la qualité de la musique ne le cède en rien à celle du texte.

Cette musique est superbe, aussi implacable que le destin lui-même, s’appuyant sur un ostinato construit de main de maître, inlassablement énoncé par le piano de Michel Amsellem, lequel emmène le quatuor à cordes d’Anne Gravoin, premier violon, secondée par Marianne Lagarde, second violon, l’alto de Jonathan Nazet et le violoncelle de Cyrille Lacrouts. Ce magnifique quatuor à cordes dont j’ai déjà souligné l’importance dans les œuvres récentes de Ramon Pipin* doit sa délicatesse à l’exquise science des arrangements de Vincent « Turquoiz » Chavagnac. La basse de Marc Périer donne la profondeur nécessaire, la souplesse venant paradoxalement de la batterie bondissante et légère de Franck Amand.

Deux couplets se passent ainsi, et tout change lorsque vient un pont musical pendant lequel Ramon ose une référence au temps passé et au bonheur de ce qui m’apparaît plus comme ayant été une amitié trahie qu’un amour enfui ; la mélodie et l’instrumentation se modifient et s’enrichissent. Interviennent alors la guitare trémolo de Brice Delage et la « slide » de Stéphane Daireaux, tandis qu’une superbe phrase de violoncelle, ponctuée par deux clusters de piano et d’orgue, évoquant le glas, viennent anticiper, par contraste, la sécheresse du « Tu peux crever » qui clôt ce pont. Entre enfin, dans le dernier couplet, le mellotron de Vincent Chavagnac. J’ai déjà indiqué** le sens que prend cet instrument dans l’œuvre de Ramon Pipin. Au cœur de cette passion annihilante, faut-il déceler la nostalgie de jours heureux ?

En tout cas, la ligne mélodique de toute la chanson est d’une finesse, d’une inventivité, presque sans égales dans toute l’œuvre de Ramon Pipin.

Celui-ci, secondé, comme d’habitude par Clarabelle, chante parfaitement ce brûlot, en ce sens que sa voix n’ajoute pas d’émotion à ce texte qui en déborde, et sur lequel nous allons maintenant nous pencher (le Bac de Français !).

Les deux premiers couplets évoquent la maladie et l’agonie de la personne haïe, un homme, une femme, on ne sait pas. En tout cas, ces moments appartiennent au passé, et ça a fait plaisir à Ramon qui n’hésite pas à dire qu’il a même savouré cette période, en se déplaçant à l’hôpital. Qui oserait afficher aussi tranquillement des sentiments ou des attitudes qui sont autant de crachats au visage du « politiquement correct » ?

Vient alors ce pont, avec l’évocation de l’impardonnable trahison, laquelle aboutit toujours à transformer l’être aimé en déchet.

Enfin, dans le dernier couplet, Ramon évoque le présent. Mais la haine perdure malgré la disparition de celui ou celle qui l’a déclenchée ; mieux, si l’on peut dire, la haine survit là où le souvenir s’estompe, nulle rédemption n’est possible ou même souhaitée, et l’humour des derniers vers (sic) n’en est que plus glaçant.

Dans l’univers de la chanson, « ça m’a Fait Plaisir » est le trou noir qui engloutit les soleils qui passent à sa portée, et d’où nulle lumière ne sortira jamais.

Il n’est pas tout à fait indifférent que cette chanson nous arrive pendant la pandémie de Covid-19. Elle a été écrite et enregistrée bien avant que le SARS-CoV-2 ne nous tombe dessus, mais elle vient, avec une intelligence tranchante, nous rappeler que la mort a toujours le dernier mot.

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*voir ma chronique de « Qu’est-ce que c’est Beau » par le Ramon Pipin Band

** voir ma chronique de « C’est Mon Dernier Concert » par le Ramon Pipin Band

Lorsque j’ai décidé de clôturer ce blog, je ne connaissais pas ce groupe anglais de Thurston-upon-Thames, et il m’a fallu attendre le décès de son leader, chanteur et compositeur, Tim Smith (3 juillet 1961-21 juillet 2020) pour m’apercevoir qu’un génie musical dont je n’avais jamais entendu parler (remarquez, je ne suis pas le seul) avait quitté ce monde. Il faut malheureusement ajouter que Tim Smith n’était plus très présent depuis quelques années, puisqu’en juin 2008, en sortant d’un concert de My Bloody Valentine, il fut frappé par un accident vasculaire cérébral, qui le laissa très diminué, dont la récupération fut très longue et très incomplète, ce qui marqua donc la fin de Cardiacs.

Cardiacs s’est formé en 1977, année punk, s’il en fût, et une grande partie de l’« ADN musical » du groupe appartient à ce courant esthétique, l’autre racine étant, le croirez-vous, fermement fixée au rock progressif, dont, pourtant, toute la punkitude souhaitait la disparition ! Mais Tim Smith n’avait que faire des chapelles et des étiquettes, lui qui déclarait simplement jouer de la pop, et être influencé par la musique psychédélique.

Quand on ne connaît pas Cardiacs, on peut très bien aller à la rencontre de ses œuvres complètes, (2 cassettes de démos, 14 singles et EP, 4 compilations, 5 albums live et 9 albums studio, plus 2 DVD) et c’est ce que j’ai essayé de faire pour vous, avec l’enthousiasme du néophyte, mais on peut aussi bien se contenter de demander : « Quel est le meilleur album de Cardiacs ? », et là, tous les spécialistes répondent : « Le double album Sing To God ». C’est comme chez le médecin, c’est rassurant quand tout le monde est d’accord, sans compter qu’un certain nombre d’amateurs n’hésitent pas à proclamer que Sing To God est l’un des dix plus grands albums de tous les temps, et que « Dirty Boy » est bien placée dans le concours de « la plus grande chanson jamais écrite ».

Sing To God bénéficie, en effet, d’une production plus soignée que ce qu’on avait l’habitude d’entendre chez Cardiacs. C’est un double-album, enregistré en 1995, et paru l’année suivante, ayant ensuite bénéficié d’une réédition sous forme de 2 albums simples. Cardiacs est, à cette époque, un quatuor, car il faut savoir que le groupe a connu de multiples et incessants changements de musiciens. Mais, autour de Tim Smith (chant, guitare, claviers), il n’y a plus que son frère, Jim (basse, chant), le guitariste Jon Poole, et le batteur Bob Leith. D’autres musiciens (trompette, violon, quatuor à cordes) complètent l’instrumentation, ainsi que Sarah Smith au saxophone, ancienne membre de Cardiacs, et ex-épouse de Tim.

« Dirty Boy » ouvre le 2^ème album, et cette chanson, du haut de ses 9 minutes, est rien moins que renversante. Vue de loin, la chanson a l’aspect d’un hymne religieux, elle en a la grandeur, la solennité, l’élévation, avec cette suite d’accords qui grimpe d’une façon incessante, se jouant des changements de tonalité, sans qu’on puisse repérer exactement d’où elle vient et où elle va. Cela dit, vers la 10^ème écoute, j’ai commencé à m’y retrouver dans ce labyrinthe, et je peux vous dire que le chemin qui mène vers le mot final (out) est d’une rigueur absolue, d’autant plus que ce « out » se poursuit par une note tenue par les chanteurs, et qui se prolonge pendant 3 minutes jusqu’à l’accord final !

Mais Tim écrit souvent suivant les règles modales, et l’apparente répétitivité mélodique est en fait d’une complexité inouïe, dont la maîtrise n’est pas à la portée du premier venu ! Il vous faudra beaucoup de temps avant de pouvoir chantonner correctement « Dirty Boy » sous la douche*… Cela n’a jamais empêché Cardiacs de reprendre « Dirty Boy » sur scène, et j’en profite pour vous dire que je connais peu de groupes dont les prestations scéniques se hissaient à ce niveau de qualité.

Je reviens sur le sens des paroles de « Dirty Boy », et je vous avais suggéré, ci-dessus, une sorte de pièce montée à caractère religieux, dont je vois qu’elle arrachait d’avance quelques bâillements à certains. En fait, pas du tout ; le thème de « Dirty Boy » est la branlette, ce qui est, vous l’avouerez, nettement plus sympathique.

Les œuvres complètes de Cardiacs sont téléchargeables sur Bandcamp, mais également, en partie sur Apple Music, et le site officiel Cardiacs.net réédite depuis quelques jours la majorité de la discographie. Pas un seul titre disponible sur Spotify. Pas un mot sur le groupe dans aucune des éditions du Dictionnaire du Rock de Michka Assayas ; rien dans la presse française, y compris spécialisée, lors de la mort de Tim. Je rappelle simplement qu’il s’agissait de l’un des plus grands compositeurs européens du XXème siècle. Je ne comprendrai jamais rien au monde dans lequel je vis.

*La plupart des chansons pop peuvent être accompagnées à la guitare en employant 4 ou 5 accords. Mais il faut utiliser 25 accords différents pour « Dirty Boy » !

Cette chanson, écrite par Ian McCulloch, figure sur l’album du même nom, qui est le premier album solo de Ian, après sa rupture avec Echo and the Bunnymen. Je ne me souviens plus du reste de l’album, que je n’ai donc pas réécouté, mais ce “Candleland” est une gemme.

Je vais d’ailleurs tout de suite dire quelques mots des deux autres personnes qui ont contribué à la réussite de “Candleland” ; il y a tout d’abord Elizabeth Fraser, la chanteuse des Cocteau Twins, et certainement l’une des plus belles voix d’Angleterre. Pour vous rafraîchir la mémoire, c’est elle qui chante, au sein de This Mortal Coil, la fabuleuse version du “Song To A Siren” de Tim Buckley ; et il y a, bien sûr, le producteur, celui qui s’occupe de la programmation des claviers, et qui joue de la basse, Ray Shulman, l’un des trois frères Shulman qui contribuèrent à faire de Gentle Giant l’un des plus grands groupes de toute l’histoire de la musique pop.

Avec trois personnes aussi talentueuses au service de cette chanson, il aurait vraiment fallu le faire exprès pour que ce soit raté. Mais Ian chante parfaitement bien cette mélodie dont l’introduction pourrait faire envisager une influence napolitaine ; mais non, McCulloch revendique haut et fort ses racines liverpudliennes. On ne peut qu’admirer la production de Ray Shulman, qui sait conserver la limpidité et la tendresse de cette chanson. Quant à la voix d’Elizabeth, elle me fait venir la chair de poule à chaque fois qu’elle s’insinue derrière celle de Ian. Grande chanson !

Great Lake Swimmers fait partie des groupes dont j’ai scrupuleusement suivi la carrière, étape par étape depuis leur tout premier album de 2003, jusqu’à ce splendide 8^ème album, The Waves, The Wake.

Basés à Toronto, Great Lake Swimmers est en fait un collectif qui entoure la personnalité de Tony Dekker, auteur, compositeur et interprète de la plupart des chansons du groupe. Si on consulte le livret qui accompagne The Waves, The Wake, on voit ainsi que l’instrumentation et les instrumentistes changent au fil des 12 chansons, sans pour autant que se perde une unité stylistique et sonore dont sont garants Tony et son coproducteur, Chris Stringer.

” Mouth Of Flames” rassemble ainsi autour du chant de Dekker, les guitares de Kevin Kane, la contrebasse de Bret Higgins, le violoncelle de Mike Olsen et le piano de Tim Crabtree. Il n’y a pas de batterie. Il faut noter que la plupart des titres ont été enregistrés dans une église, comme on peut le voir sur les vidéos YouTube consacrées à l’album.

Que de chemin parcouru par Tony et ses ami(e)s depuis le folk des premiers albums ! Sans perdre leur âme, Great Lake Swimmers a évolué vers une musique d’une richesse et d’une puissance qui en font l’un des groupes majeurs de l’alt-folk canadien.”Mouth Of Flames” puise probablement une partie de son inspiration dans le Up (1998) de R.E.M., mais c’est un hommage mérité, et la chanson impressionne par son arrangement, son texte sombre, lyrique, la qualité de sa mélodie, grandiose. Il faut également saluer la voix de Tony, qui, même avec des possibilités limitées a su développer un “instrument” d’une expressivité, d’une délicatesse, d’une richesse émotionnelle, remarquables. L’un des plus grands albums de 2018.

Quand je pense aux merveilles écrites et interprétées par Joan Armatrading pendant ces 70’s*, je m’étonne toujours quand des amis réputés être de bons amateurs de rock s’exclament « Qui ça ? » quand j’évoque son nom.

“I Really Must Be Going” était l’une des quatre chansons d’un album (donc, un “Extended Play” en ces temps de vinyle), How Cruel, produit par Henry Lewy (un des producteurs de Joni Mitchell).

J’ai l’impression que ces paroles d’aventure extra-conjugale ne pourraient plus être écrites en 2019, et c’est dommage, car qui ose traduire en mots, aujourd’hui, la passion dévorante qui pousse à commettre certains actes que l’on regrette ensuite ?

Joan a su, en tout cas, habiller d’une musique très réussie, très “passionnelle” ─ oui, je sais, les arrangements, la production, ont vieillis, et peuvent prêter à sourire ─ ce texte d’un autre siècle pour en faire l’une de ses plus belles réussites.

*J’ai déjà consacré neuf chroniques à Joan, dans ce blog. Il ne vous reste plus qu’à les relire !

L’un de mes films préférés de 1999 fut American Beauty de Sam Mendes, avec Kevin Spacey, Annette Bening, Mena Suvari… La bande originale du film comprenait cette chanson tirée du second album du groupe Gomez, Liquid Skin. Je ne sais plus si c’est cette bande originale*qui m’a amené à Gomez, ou autre chose, mais, en tout cas j’ai réécouté Liquid Skin ; je continue à bien aimer “We Haven’t Turned Around”, mais, pour le reste de l’album mon conseil c’est : on peut s’en passer…

Gomez était un quintet britannique d’où émergeait la voix particulière de Ben Ottewell. Ils ont sorti sept albums entre 1998 et 2011, puis Ben Ottewell a poursuivi une carrière solo que je n’ai pas jugée très bouleversante.

Mais “We Haven’t Turned Around” est une chanson qui tient le coup, et elle mérite de figurer dans ce blog, sans pour autant que je me creuse la tête pour ajouter des commentaires superflus.

https://www.youtube.com/watch?v=RRFFfsF9Pe4

*Bande originale excellemment composée puisqu’on y trouvait également Elliott Smith, Free, Eels, The Who, etc.

Matthew Sweet est un guitariste, chanteur et compositeur pas très connu, par ici, et même aux USA, où un de ses albums a eu un succès mineur. En revanche, Susanna Hoffs est la célébrissime chanteuse des Bangles. Ces deux-là ont décidé de s’associer pour enregistrer des albums de reprises de chansons qu’ils aiment, sous le titre Under The Covers.

Trois volumes sont sortis, respectivement en 2006, 2009 et 2013, et même si je ne connais pas encore l’ensemble de ces disques ─ ça va venir ─ sachez qu’ils sont globalement très réussis. Pour vous donner une idée, vol. 1 rassemble des chansons des Beatles, de Bob Dylan, des Who, de Neil Young, des Bee Gees, etc. Vol. 2 nous propose Fleetwood Mac, Yes, Big Star, John Lennon, Queen, etc. Quant au vol. 3, vous y trouverez des chansons de REM, Elvis Costello, Tom Petty, XTC, etc…

C’est dans le vol. 2 que j’ai trouvé cette reprise idéale du très fameux “You’re So Vain” de Carly Simon, paru sur son album No Secrets de 1972. Klaus Voormann à la basse, Mick Jagger dans les chœurs, il s’agit d’une chanson emblématique des 70’s que Carly a écrite en pensant à trois hommes qu’elle avait bien connus, et à qui elle envoie ces paroles cinglantes : « You’re so vain, you probably think this song is about you… ». De toutes façons, si vous ne connaissez pas la version de Carly Simon, c’est elle qu’il faut écouter en priorité ! C’est presque un sport national, aux USA, que de deviner l’identité de ces trois hommes, Carly ayant avoué que l’un des trois était Warren Beatty, et ayant semé quelques indices pour les deux autres. Mais en tout cas, elle a permis aux Démocrates d’utiliser “You’re So Vain” pour se moquer du candidat républicain Donald Trump, que ça n’a pas empêché d’être élu.

La version de Sweet et Hoffs me semble donc très réussie ; cependant, elle se met avec servilité dans les pas de la version originale. Certes, le son, les arrangements, la production, trahissent bien les 37 années qui les séparent, mais on sent bien que le duo n’a pas cherché à se démarquer, à innover à tout prix, et c’est probablement ce qu’il y avait à faire, tant la chanson de Carly Simon est devenue iconique, intouchable*. Voici donc l’une des façons de pratiquer l’art subtil de la reprise : respect de la version originale tout en apportant une touche personnelle ; Matthew et Susanna font ça parfaitement sur l’ensemble d’Under The Covers.

*Marilyn Manson chante “You’re So Vain” en faisant du Marilyn Manson. Horrible !

J’ai eu l’occasion, dans ce blog, de faire un survol assez complet de la carrière de l’Anglais Ben Christophers*, et je vais terminer par le commencement, puisque My Beautiful Demon est le titre du premier album de Ben, produit par David Kosten (qui fait également de la musique sous le nom de Faultline).

La chanson éponyme, qui ouvre l’album, est l’une des plus connues de Ben ; c’est la fameuse chanson-préférée-de-Françoise-Hardy, et il en existe une version en duo, Ben et Françoise, parue sur un album de la Française. Il faut dire que, pour un coup d’essai, il s’agit d’un coup de maître, tant ce titre est réussi ; l’instrumentation, les arrangements et la production, et, par-dessus tout, la voix de Ben, installent une atmosphère très personnelle, et d’une grande maturité, pour un premier disque.

Les critiques que j’ai pu lire ont cité diverses influences (Thom Yorke, Jeff Buckley, The Blue Nile), mais je préfère retenir les deux artistes dont Ben se revendique : Talk Talk et David Sylvian, qui me semblent, en effet, bien plus proches de l’esprit de Christophers.

“My Beautiful Demon” fait cohabiter la guitare de Ben avec un violoncelle, et surtout avec des claviers électroniques qui sculptent une matière sonore faite de grésillements et de crachotements, une électronique féline, douce et qui sait ronronner, mais capable également de griffer. À l’arrière-plan, une voix féminine et un échantillon (sample) tiré du volume 2 du Mystère Des Voix Bulgares.

Très bien, très chic, et le reste de l’album vient confirmer le talent de ce jeune homme dont je rappelle tout de même que la carrière s’est interrompue après la sortie de son cinquième album, en 2010, pour cause d’insuccès chronique. Il met maintenant son talent au service d’autres artistes.

*Voir mes chroniques de “Martian”, River Song” et “The Stream”.

Je me souviens bien du concert de The Police à Cabourg, le 12 août 1980, dans le cadre de leur Zenyatta Mondatta Tour. Ils ont joué “Message In A Bottle ” vers la fin, et tout le monde était très heureux, y compris les musiciens, Stewart Copeland derrière sa batterie, Andy Summers, le guitariste, plus réservé, et Sting, faisant le show à lui tout seul, au chant et à la basse.

Même s’il est peut-être de bon ton de les dénigrer aujourd’hui, The Police avait su, bien mieux que d’autres, opérer la jonction idéale entre la new-wave qui avait succédé aux punks de 1977, et le grand public, avide de chansons simples, évidentes. Et Sting n’était pas avare pour fournir ce genre de choses.

Reggatta De Blanc était leur deuxième album, produit par Nigel Gray et eux-mêmes, celui de la consécration, avec cette européanisation réussie des rythmes reggae de la Jamaïque, et donc ce single, “Message In A Bottle”, n° 1 dans les charts anglaises (mais même pas classé dans le top 50 américain). Sting, lui-même, admet que c’est sa meilleure chanson, et 40 ans après, elle s’écoute encore avec plaisir.

Quand vous faites de la pop-music, le problème n’est pas d’écrire et d’enregistrer la meilleure musique du monde, le problème est de le faire au bon moment. Et les quatre “lads” de Manchester, qui se préparait à devenir “Madchester”, arrivaient juste sur les talons des Happy Mondays avec ce premier album, The Stone Roses, dont tous les Britanniques vous diront que c’est le “plus grand premier album anglais de tous les temps”.

Le chanteur Ian Brown et le guitariste John Squire, auteur et compositeur de toutes les chansons, augmentés du bassiste Mani (Gary Mounfield) et du batteur Reni (Alan Wren) avaient trouvé la formule magique qui connectait l’optimisme venu des 60’s, l’idéalisme révolutionnaire du punk et les nouveaux territoires de l'”acid house”. Il faut dire qu’ils avaient tapé dans le mille en choisissant, pour les produire, John Leckie, qu’on avait déjà rencontrés aux côtés de XTC*. Et ils avaient le “look” adéquat.

Pour ceux qui dormaient un peu à cette époque, je rappellerais simplement que les étés 1988 et 1989 sont entrés dans la légende sous les noms de Summers Of Love, en référence comme chacun sait au Summer Of Love originel de 1967. Le Second Summer Of Love, ça a été le début de la musique électronique, des “raves”, de l’ecstasy, de l’Hacienda, à Manchester. Si ça ne vous dit toujours rien, je ne peux pas grand chose pour vous.

Pour en revenir aux Stone Roses, ce qui caractérise “Don’t Stop”, c’est qu’il est entièrement composé avec des fragments de la chanson précédente, qui s’appelle “Waterfall”, mais passés à l’envers, et, bien sûr, avec des paroles différentes ; ceux qui écouteront d’abord “Waterfall” comprendront ce que je veux dire.

Cinq ans plus tard, un autre groupe cristallisera ainsi parfaitement les attentes de la jeunesse prolétarienne anglaise : Oasis. Mais ceci est une autre histoire.

*et qui produira plus tard, par exemple, The Bends (Radiohead)

Il n’y a pas si longtemps que cela, mes fidèles lectrices et lecteurs ont pu lire les huit chroniques consacrées à cet album suprême d’XTC qu’a été Apple Venus vol. 1. *

Je n’avais retenu que les compositions d’Andy Partridge, et, pour cet album paru dix ans plus tôt, c’est une composition de Colin Moulding que je vais mettre à l’honneur.

La période était plutôt bonne pour XTC ; Skylarking, et surtout les deux albums des Dukes Of Stratosphear, leur groupe parodique, avaient été des succès aux USA**, la Grande-Bretagne les boudait, et le reste de l’Europe, dont la France continuait à les ignorer.

Virgin propose un nouvel album, à condition que le producteur soit américain. Le trio accepte, à condition que ce ne soit pas Todd Rundgren***. C’est le jeune Paul Fox, fan d’XTC qui est choisi. Andy et lui s’entendront parfaitement bien, mais son inexpérience va aboutir au fait qu’il est possible d’affirmer que cette production sera, en fait, celle d’Andy Partridge, au grand dam de Colin et Dave qui estiment que ses choix ne sont pas toujours les plus pertinents.

L’album, leur neuvième, qui sort sous la forme d’un double-album 33-t, s’appellera Oranges & Lemons. On peut le qualifier dekaléidoscopique, à l’image de sa pochette, vaguement inspirée du Yellow Submarine (1969) des Beatles.

C’est Pat Mastelloto qui est choisi comme batteur, et le trio anglais, accompagné de leurs épouses, va passer trois mois sous le chaud soleil californien de Los Angeles, pour l’enregistrement. Tout se passe parfaitement bien, sauf qu’à la fin, XTC prend connaissance de la perte financière occasionnée par les procédures engagées contre leur ancien manager. L’énormité de la somme**** entraîne l’effondrement d’Andy et son refuge dans l’alcoolisme à tel point qu’il doit être rapatrié d’urgence en Angleterre.

“King For A Day” est donc la chanson choisie pour être le 3ème single de l’album. Composée et chantée par Colin, on peut commencer par en écouter la maquette, qui se trouve sur l’indispensable coffret Coat Of Many Cupboards.

Mais c’est la vidéo promotionnelle (que je vous mets en lien) qui permettra d’apprécier au mieux le parfum jazzy de cette chanson. Tournée en noir et blanc, on y voit nos quatre amis*****ayant l’air de s’amuser dans cette ambiance “roaring thirties”. C’est l’une des chansons de Goulding que je préfère, mais, au cas où vous ne l’auriez pas compris, tout Oranges & Lemons mérite de figurer dans votre discothèque.

*une chronique par semaine pendant 8 semaines.

** Ne nous emballons pas ; tout ça tournait entre la 40ème et la 50ème place…

*** Voir mes chroniques “Earn Enough For Us” et “Another Satellite”.

****Quelque chose comme 1 250 000 € !

*****C’est le frère de Dave, Ian Gregory, qui occupe le siège du batteur, comme il le fait, d’ailleurs, dans les Dukes Of Stratosphear.

Je vous ai raconté, dans un épisode précédent*, les circonstances dans lesquelles Roy Orbison, pionnier du rock, bien oublié depuis longtemps, fut, à l’âge de 51 ans, entraîné par une bande d’amis, pour jouer ensemble, puis enregistrer un disque sous le nom de Traveling Wilburys. Tous les musiciens portaient d’amusants pseudonymes, mais personne ne fut dupe, car il y avait, outre Roy Orbison, George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty et Jeff Lynne**.

Un petit mot pour ceux qui ne connaissent pas J. Lynne, musicien britannique ayant joué avec The Move, qui est devenu célèbre en fondant Electric Light Orchestra, puis en poursuivant une carrière de producteur auprès de beaucoup d’artistes célèbres (dont George Harrison).

C’est donc Jeff qui a composé et produit ce sublime “A Love So Beautiful” pour son camarade des TW. On raconte que quand Jeff a joué la chanson pour la première fois à Roy, des larmes coulaient sur les joues de ce dernier. La séance d’enregistrement rassemblait Jeff (basse, guitare), Ray Cooper (batterie) et George Harrison à la guitare acoustique. On raconte aussi que, pour l’enregistrement de sa voix, Roy commença par fredonner la chanson, une première fois. Puis, il la chanta une seule fois, du début à la fin. Et ce fut tout. C’est cette unique prise vocale que vous entendez sur Mystery Girl, sans modifications, corrections ou traficotages quelconques !

Je viens d’accoler l’adjectif “sublime” à “A Love So Beautiful”, mais comment qualifier autrement une chanson qui vous pousse à vous blottir dans les bras de la personne que vous aimez, une chanson qui vous enveloppe comme dans un cocon, une chanson d’élévation et de béatitude, d’amour, au sens le plus pur du terme, sans les scories qui viennent habituellement gâcher ce noble sentiment. D’aucuns diraient : « C’est le slow qui tue ! » C’est vrai que si je faisais une petite liste des chansons qu’il ne faut écouter que collé contre le corps d’un ou d’une autre***, il ne fait aucun doute que “A Love So Beautiful” occuperait la 1ère place.

Je vous rappelle qu’il n’y a jamais eu de Traveling Wilburys volume 2, et que Roy Orbison est mort à 52 ans, le 6 décembre 1988, avant la sortie de Mystery Girl.

*Voir “She’s A Mistery To Me”.

**Sans oublier le batteur Jim Keltner.

***Si vous êtes un nombre suffisant à me réclamer une liste de ce genre, je veux bien essayer de la créer.