Il y a quelques semaines, vous avez pu lire, dans une chronique à propos de Blind Faith, ce qu’était un super-groupe. Et peut-être comprendre les raisons qui font que ce genre de réunions au sommet sont parfois décevantes, et, le plus souvent, éphémères.

En tout cas, sur le papier, la “dream team” new-yorkaise réunie sous le nom de Tinted Windows, et auteur d’un unique album éponyme, mérite bien le qualificatif de super-groupe. Jugez plutôt : nous trouvons au chant Taylor Hanson (du groupe Hanson) un garçon qui n’a pas trop l’habitude d’avoir des guitares saturées derrière lui, mais qui fait le job avec beaucoup de compétence, tout au long de l’album ; à la batterie, la légende vivante Bun E. Carlos, 59 ans, batteur historique de Cheap Trick.

Quant aux deux autres, il se trouve qu’ils co-dirigent le studio Stratosphere Sound où l’enregistrement eut lieu, et dont ils furent les co-producteurs ; tout d’abord  le guitariste et chanteur James Iha, en vacance des Smashing Pumpkins, compositeur de la chanson dont je vous parlerai aujourd’hui, et dont je connais bien la double face, redoutable guitariste de hard-rock bien saignant avec les Citrouilles, mais capable, à ses heures, d’une douceur et d’une légèreté qui en font le partenaire idéal du bassiste et chanteur Adam Schlesinger ─ ce qu’ils étaient, d’ailleurs, à de multiples reprises ─ que vous connaissez bien, puisque mon admiration pour les Fountains Of Wayne ressort d’un grand nombre de chroniques de ce blog.

Tout cela donne Tinted Windows, un album que je me suis donné la peine de réécouter dans son intégralité, à votre intention.

Eh bien, pour tout vous dire, Tinted Windows est pas mal du tout, mais loin de ce qu’on pouvait attendre de quatre si brillantes personnalités ; très bien fait, bien chanté et bien joué, mais sans grande originalité ; quelque chose fait un peu rapidement, pour se distraire, sans grande implication, à l’exception, probablement de Hanson. Et “Back With You” est la meilleure chanson du disque, dans un style powerpop qui ne vous étonnera pas. Je vais même écrire que c’est une très bonne chanson powerpop, et quand on a écrit ça, on peut sans doute en rester là.

Cosmic Rough Riders est un groupe écossais auquel j’ai déjà consacré quatre chroniques, une pour leur dernier album, The Stars Look Different From Down Here (2006), et trois pour leur plus grande réussite Too Close To See Far. (2003).

Cependant, si l’on remonte jusqu’au siècle dernier, avec leur premier album, autoproduit, Deliverance, le groupe était mené par Daniel Wylie, guitariste, chanteur principal, et surtout, auteur-compositeur de quasiment toutes les chansons. Wylie décida de quitter le groupe en 2002, et Stephen Fleming se retrouva en charge à la fois de l’écriture des chansons, et du chant principal. Il s’en acquitta avec un talent que je ne crains pas de juger supérieur à celui de Wylie.

Écoutez donc ce charmant “New Day Dawning”, jolie mélodie, chant, claviers, guitare et chœurs. Cependant, je trouve que la voix de Daniel Wylie, dans son falsetto un peu limité, n’est pas à la hauteur de ses talents d’écriture. Et c’est son départ qui a permis l’émergence d’une réussite aussi imposante que Too Close To See Far. Un groupe n’est pas que l’addition d’individus plus ou moins talentueux. Il faut parfois savoir également faire des soustractions.

Get The Knack, le premier album d’un quatuor de Los Angeles, formé l’année précédente, est un excellent album, tranchant avec le reste de la musique qui s’écoutait à cette époque, bien produit par Mike Chapman (Parallel Lines de Blondie), une powerpop un peu comme celle que j’aimais tant écouter sur cet album des Records dont je vous ai tant parlé*…

Mais tout le monde se fiche de Get The Knack, (qui fut quand même n° 1 avant son glorieux single) car le premier single qui en fut issu, “My Sharona” fit oublier tout le reste. Si, en 1979, vous n’avez pas entendu “My Sharona”, c’est que, de deux choses l’une, soit vous n’étiez pas né(e), soit vous n’écoutiez que Christophe ou Francis Cabrel.

Rendez-vous compte, il n’y a pas beaucoup de chansons qui deviennent Disque d’Or en 13 jours, ou Disque de Platine en 6 semaines !

Le très fameux riff de guitare avait été composé des années avant par le futur guitariste soliste du groupe, Berton Averre ; certains disent que c’est un peu “Gimme Some Lovin” (Spencer Davis Group – 1967) à l’envers, mais, si vous me permettez, ça m’évoque plutôt le “Pump It Up” du 2ème album d’Elvis Costello, This Year’s Model (1978).

C’est là qu’entre en scène le guitariste et chanteur de The Knack, Doug Fieger (1952-2010), fraîchement arrivé à LA après avoir connu le succès des années auparavant. Sa petite amie lui présente un jour la toute jeune (17 ans !) Sharona Alperin dont il tombe fou amoureux, au point que la moitié, au moins, des chansons de Get The Knack sont écrites en son honneur. La belle, qui était elle-même en couple, n’acceptera de succomber aux avances de Doug qu’une année plus tard, lorsque “My Sharona” entamera sa triomphale carrière. Au fait, si vous voulez savoir à quoi ressemblait Sharona, vous n’avez qu’à chercher la pochette du single américain ; oui, oui, c’est elle, en marcel, avec rien en dessous…

Pour un certain nombre de raisons sur lesquelles je ne m’étendrais pas, la critique et les journalistes ont détesté The Knack, et le groupe a fini par se séparer en 1982. Mais “My Sharona” est devenu un “classique” apprécié par des musiciens aussi différents que Bruce Springsteen ou Kurt Cobain. Et il y a une chose étonnante que j’ai découverte en faisant mes recherches en vue de rédiger cette chronique : “My Sharona” a été l’une des chansons qui a connu le plus de parodies et de détournements. Allez regarder ça, c’est rigolo.

Bien sûr, en écrivant cette chronique, j’écoute “My Sharona”, en boucle, et j’adore cette chanson ; autant qu’il y a 40 ans.

*Voir mes chroniques consacrées à ce groupe britannique.

Encore une composition Birch-Wicks-Brown qui nous montre à quel niveau de qualité travaillaient ces musiciens anglais. Voilà encore une gemme powerpop, un peu dans la manière de Cheap Trick avec des harmonies vocales insensées entièrement dues à John Wicks. Le riff de guitare initial est anthologique, et le son général de la guitare, en particulier pendant le chorus, fait penser au groupe Boston. Remarquez également le pont, avec un tempo réduit de moitié. Il n’est pas nécessaire d’en dire beaucoup plus à propos de cette chanson et de l’amusante quête des sonorités aiguës dont elle fait preuve, mais, mine de rien, il s’agit de la 5ème chanson de Shades In Bed que j’évoque, et vous avouerez que c’est suffisamment peu fréquent pour que vous accordiez aux Records un minimum d’attention.

J’insiste sur Shades In Bed, et sans doute plus pour l’importance que ce disque eût pour moi, que par rapport à son impact sur l’histoire musicale du siècle dernier.

“Another Star est une autre réussite de ce disque, signée Birch/Wicks, produite par le tandem Lange & Friese-Greene.

Assez traditionnellement, la voix et les guitares exposent le thème mélodique avant que n’entrent en jeu la basse et la batterie. Cette ligne mélodique des couplets est volontairement assez linéaire, entretenant ainsi une tension qui ne se résoudra qu’avec un refrain très caractérisé et fondamentalement différent, ce qui donne à la chanson une “personnalité” bien marquée. Cette qualité est encore accentuée par un pont instrumental encore plus original au cours duquel la métrique devient ternaire, avec un piano au premier plan, donnant à l’ensemble un petit côté “jazz”. Comme si ce n’était pas suffisant, la fin nous réserve une modulation qui entretient la tension dont j’ai déjà parlé, avant une coda, au piano, qui termine par une rupture complète du rythme et de la mélodie. N’en déplaise à certains, voilà ce qu’on appelle une composition élaborée !

Je reviens, évidemment, sur ce Shades In Bed des Records, car qui d’autre jouait cette “pop à guitares”, en Angleterre, en cette année 1979 ? XTC, avec Drums & Wires ? Non, XTC s’intéressera à la powerpop bien plus tard. On ne pouvait donc compter que sur John Wicks, Will Birch, Phil Brown et Huw Gower, qui avec “Starry Eyes” nous offrent leur plus grand succès, même s’il faut beaucoup relativiser ce dernier terme. On doit d’ailleurs noter que la sortie américaine de “Starry Eyes” fut beaucoup plus lucrative, les Américains ayant une tradition powerpop bien plus solide que les Anglais.

La production de “Mutt” Lange est toujours parfaitement adaptée à son objet et fait ressortir avec une particulière acuité l’excellence de cette composition et la qualité du chant de Wicks et de ses amis, ce qui se confirme sur scène, terrain sur lequel The Records excellaient. Cela dit on entend bien que les 60’s sont loin, et la dureté de l’époque va de pair avec des paroles qui évoquent un divorce difficile. Totalement à contre-courant de l’environnement musical de son époque, Shades In Bed n’en demeure pas moins l’un des disques majeurs de 1979, et l’un des rares que l’on puisse encore écouter, 40 ans plus tard.

Je vous ai raconté, dans une récente chronique*, dans quelles circonstances j’ai appris à connaître et à aimer ce style musical particulier qui synthétisait les traditions vocales américaines et le legs de la British Invasion du milieu des années 60, particulièrement l’apport des Beatles d’avant Revolver, et les guitares des Who d’avant Tommy. Il est vrai que dans cette fin des 70’s, je ne connaissais pas et ne pouvait donc pas mesurer l’influence majeure de Big Star sur la structuration de ce courant musical. Mais, au-delà de toutes ces références, le Shades In Bed des Records brillait de l’éclat unique des chefs-d’œuvre, par sa manière d’affirmer la primauté d’une tradition musicale dont l’excellence ne pouvait être ternie par la vague punk et ses excès.

“Up All Night”, pour citer le batteur Will Birch, « pourrait être une chanson datant des sessions qui ont donné naissance à Revolver» (The Beatles – 1966). On y entend les claviers de Ian Gibbons, et c’est John Wicks qui s’occupe de toutes les voix. Les guitares, très présentes, et dont le son est bien caractéristique de cette fin des 70’s, viennent accompagner une mélodie qui aurait pu surgir 15 ans plus tôt, avec une recherche sur les harmonies vocales dont vous savez déjà qu’elle va me permettre d’évoquer les Beach Boys. Déjà deux grandes chansons sur Shades In Bed, et ce n’est pas fini !

Voir “Affection Rejected”

En 1979, l’évolution de la musique pop était loin de me donner toute satisfaction. Il faut dire que je n’étais plus, depuis longtemps, un teenager, et, même si j’avais été intéressé par la vague punk britannique, et surtout, américaine, elle me semblait tourner en rond. Le London Calling de Clash m’apparaissait surestimé, The Wall de Pink Floyd ne m’intéressait pas, l’austérité de Unknown Pleasures de Joy Division finissait par rebuter ; heureusement il y avait Fear Of Music des Talking Heads, Reggatta De Blanc de The Police (eh oui !), le premier album des B-52’s, celui de Joe Jackson, et, bien sûr, Drums & Wires de XTC.

Mais il y avait également une sorte d'”objet sonore non identifié”, puisqu’il ressuscitait des sonorités oubliées depuis longtemps, ma première rencontre avec ce que je ne savais pas encore nommer “powerpop”, le premier album d’un quatuor anglais dont je n’avais, jusque là, jamais entendu parler, The Records.

Ce 33-tours, Shades In Bed*, ─ on ne disait pas vinyle, à l’époque ─ est peut-être celui qui a tourné le plus souvent sur ma platine, cette année-là, et c’est la raison pour laquelle je vais m’y attarder un peu.

The Records, c’était donc Will Birch à la batterie, Phil Brown à la basse, Huw Gower à la guitare, les trois hommes assurant des harmonies vocales autour de la voix du leader, John Wicks**, également guitariste rythmique.

Shades In Bed, c’était les 10 premières chansons de ce cd de 2002 que j’évoque dans ma note de bas de page. Il n’y a aucun “déchet” dans ces dix chansons emmenées par le mini-tube qu’a été “Starry Eyes”***, et je vous invite, en particulier, à écouter ce “Affection Rejected” signée par Birch, Wicks et Gower, produite par Robert John “Mutt” Lange. On y retrouve ces guitares carillonnantes héritées des Byrds et des Beatles (période “A Hard Day’s Night”), les harmonies vocales chères aux Beach Boys ; mais on entend également des guitares qui sonnent de façon plus incisive que lors de ce que l’on nomme habituellement la première période du “powerpop” (Big Star, par exemple), preuve que les Who, et surtout le punk, sont passés par là. En tout cas, je prétends que 40 ans plus tard, ce disque est toujours aussi actuel, pas simplement grâce à un son qui est à peine daté, mais du fait de ce qui donne à une chanson une étiquette d’éternité, c’est-à-dire une mélodie imparable et qui nous fait entrevoir la perfection.

*Aux USA, le disque est sorti sous le nom The Records, avec 2 ou 3 titres et un ordre des morceaux différent. La seule solution est de faire comme moi et d’acheter le cd 20-titres paru en 2002.

**John, qui était resté musicalement actif jusqu’à cette année, est mort le 7 octobre 2018.

*** dont je vous dirai quelques mots dans une chronique ultérieure.

C’est avec leur second album, Utopia Parkway, que j’ai découvert, pour mon plus grand bonheur, Fountains of Wayne. Et quel album ! Même s’ils allaient faire encore mieux par la suite, Utopia Pkwy* est un grand album, bourré de chansons qui donnent tout de suite envie de chanter avec eux. Entièrement écrit et produit par Chris Collingwood et Adam Schlesinger, le quatuor ─ complété par Jody Porter à la guitare, et Brian Young à la batterie ─ prouvait qu’à cette époque, où l’on ne parlait plus beaucoup de powerpop, ils savaient relever le flambeau de ce style, conjointement, d’ailleurs, avec Weezer**. Chris et Adam avaient l’art d’écrire des chansons d’une qualité mélodique incomparable, qui prenaient racines dans les premiers temps de la British Invasion***, et, ce qui ne gâte rien, avec une finesse de description et de justesse du trait, dans les textes, largement sous-estimée, mais qui les place parmi les plus grands. J’en ai donné un certain nombre d’exemples****.

“Troubled Times” vous expose une preuve de leur singulier talent. Sans aucune sophistication, avec une production simple, directe, laissant toute la place aux qualités intrinsèques de la chanson, la voix de Chris vrille dans votre cerveau une mélodie que vous garderez précieusement enfouie parmi les plus précieuses que vous connaissez.

*Suivant la graphie de la photo de pochette.

**Et je n’hésite pas, ici, à proclamer ma nette préférence pour Fountains Of Wayne, pourtant beaucoup moins connus que Weezer.

***que je me permettrais de définir schématiquement comme étant l’héritage des Beatles de Please, Please Me jusqu’à Rubber Soul (1963-1965).

**** “Hackensack”, “Michael And Heather At The Baggage Claim”.

“Hyperspace” ouvre le deuxième album de mes chouchous francophones, j’ai nommé Nada Surf. Superbe album que ce The Proximity Effect, bien sûr, rempli de bonnes ou d’excellentes chansons et produit par Fred Maher. Mais, en 1998, leur maison de disques Elektra ne l’entendait pas de cette oreille, et voulait que le disque sorte avec une reprise, destinée à figurer sur un “single”, dans le but unique de devenir un”hit”, c’est-à-dire un truc destiné à rapporter beaucoup d’argent, puisque, même au siècle dernier c’était la grande préoccupation de l’Industrie. Mais il est vrai qu’avec “Popular”, qui figurait sur le premier album du groupe, High/Low (1996), Nada Surf avait été catalogué “machine à tubes”, ce qu’ils ne sont pas et ne veulent jamais être.

Matthew Caws, Daniel Lorca et Ira Elliot refusèrent, et le cd ne sortit pas aux USA. Ce n’est que 2 ans plus tard que le trio en édita une version un peu différente sur leur propre label, MarDev, après en avoir racheté les droits à l’issue d’un procès pénible.

Ce n’est rien de dire qu’avec “Hyperspace”, The Proximity Effect démarre sur les chapeaux de roue. En tout cas les canons de la powerpop sont respectés : introduction par un arpège de guitare électrique ; vigoureuse entrée de la batterie, ainsi que de la basse, avant que Matthew ne se mette à exposer un riff sur deux power-chords, qui enflamment la mèche. La voix haut perchée de Matthew est rejointe par les harmonies parfaites de Daniel et d’Ira. Puis le refrain arrive marqué par l’irruption d’une grosse guitare bien distordue (le grunge était passé par là) et d’un véritable “wall of sound” “à la Phil Spector”. Et puis ça recommence, avec les habituelles montagnes russes qui nous font à nouveau passer du chant quasiment a cappella jusqu’au gros son sursaturé, sans que jamais l’énergie joyeuse et positive du trio ne retombe un instant.

C’est avec The Proximity Effect que j’ai commencé à aimer Nada Surf, et je dois dire qu’ils continuent à faire partie des groupes dont je ne raterais aucun album, ni aucun concert. C’est bien moi que vous avez pu apercevoir, à 2 mètres de Daniel Lorca, lors du concert au Cabaret Sauvage, le 5 février 2018. J’étais ravi !

Vous connaissez depuis longtemps*mon affection pour le groupe de Toronto, The Nines, et spécialement pour son leader, le très talentueux auteur-compositeur-instrumentiste-chanteur, Steve Eggers. Il est réconfortant de savoir que The Nines est toujours en activité, puisque le dernier album du groupe date de 2017, mais je vais aujourd’hui m’intéresser au tout premier album des Nines, Wonderworld Of Colourful, dont Eggers dit assez injustement qu’il s’agissait d’un “brouillon”. Je peux vous assurer que beaucoup de musiciens seraient pourtant très fiers de présenter au monde ce genre de “brouillon”, comme en témoigne ce très abouti “Days And Days” que j’ai choisi de vous présenter.

À cette époque, Steve, chanteur, pianiste et bassiste, était entouré de Sam Tallo à la guitare et de Aaron Nielsen à la batterie. Sur ce titre, le guitariste original, Andrew Webb, vient leur prêter main forte, de même que Davey Headon, à la “slide guitar”.

Il est amusant que je n’aie pas ajouté Andy Partridge à cette liste de collaborateurs, car, si vous écoutez bien “Days And Days”, on pourrait penser qu’il s’agit d’une chanson non publiée issue des séances de Skylarking (1986) de XTC !

Je mets en avant cette parenté, d’abord, pour indiquer à quel niveau de qualité on se situe, ensuite, pour souligner le caractère intemporel de cette chanson, qui respecte scrupuleusement les canons du style powerpop, enfin pour affirmer que Steve Eggers, loin d’être un suiveur, fait partie des grands créateurs de la musique pop. Je n’ai pas fini de vous parler de The Nines !

*Voir mes chroniques de “Orange Of Summer”, “My Only One”, “Too Far From Home”.

Le 5 février 2018, j’étais au Cabaret Sauvage, à Paris, pour assister au concert des Américains francophones, Nada Surf. Vous savez, depuis la chronique que je leur ai déjà consacrée*qu’il s’agit de l’un de mes groupes préférés, dans la lignée de Big Star et des Posies. Ces jeunes gens ont beau être maintenant quinquagénaires, ils ont tenu la scène pendant trois heures. Le trio initial (Matthew Caws, chant, guitare ; Daniel Lorca, basse, chant ; Ira Elliot, batterie, chant) s’est vu augmenté du guitariste soliste Doug Gillard, ancien de Guided By Voices, et, pour cette tournée, du claviériste texan Louie Lino.

Le concert s’est tout naturellement conclu par une interprétation déchaînée de “Blankest Year”, l’une de leurs plus célèbres chansons, tirée de leur album The Weight Is A Gift.

Comment d’ailleurs résister à l’introduction d’Ira à la batterie, à la voix haut perchée de Matthews, à ce riff construit en accords sur la guitare ? Les voix harmonisent et se répondent, comme il se doit. Nada Surf est l’un des rares groupes dont les membres fondateurs ─ le groupe s’est formé en 1993 ─ travaillent toujours ensemble, à ce jour, et la façon dont ils s’étreignent et se congratulent à la fin de leur show fait plaisir à voir. Nada Surf est un groupe heureux de faire de la musique, ensemble, et de rendre leur public également heureux. Voilà une chose éminemment précieuse.

https://www.youtube.com/watch?v=H-ofahJl_es

*”Bye, Bye, Beauté”